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Artistes Hélène Prévost

Artiste sonore, musicienne et réalisatrice radio, Hélène Prévost s’est consacré à l’enregistrement et à la diffusion des musiques nouvelles, actuelles, expérimentales et exploratoires à titre de réalisatrice et animatrice de plusieurs émissions à Radio-Canada (1978-2007) dont Musique actuelle et le Navire «Night». En plus d’initier des projets pour la radio et le web, elle a coordonné la participation artistique de la radio de Radio-Canada à quelques grands festivals dont le FIMAV, MUTEK, Montréal Musiques Actuelles, ainsi qu’à des projets tels les Symphonies portuaires et le Silophone.

Adepte de l’enregistrement sur le terrain (field recording) et du mixage, elle a, depuis 2006, participé à plusieurs projets en solo ou en groupe: Montréal matière sonore, Victoriaville matière sonore, Rencontres de musiques spontanées, l’Art des bruits (hommage à Luigi Russolo), les Jeudis tout ouïe, Mardis spaghetti, Simulcast, ainsi qu’à des enregistrements discographiques: Montréal matière sonore, HMMM remix, Ladies Club, Vente de bagage, Victoriaville matière sonore, Luigi’s Avatar, qui lui permettent de poursuivre son travail d’exploration et de développer son instrument, croisement entre le studio radio et un laboratoire de confrontations sonores et électriques. Quelques publications dans Circuit, Esse, Artexte, Musicworks lui permettent de documenter des aspects de la pratique de l’art audio et de partager son écoute du sonore.

[ix-09]

Hélène Prévost

Montréal (Québec)

Résidence: Montréal (Québec)

  • Compositrice
  • Interprète (électronique)
  • Rédactrice

Sur le web

Hélène Prévost en concert à Québec, photo: Idra Labrie, octobre 2008

Œuvres choisies

Parutions principales

Apparitions

Artistes divers
Artistes divers
  • Rupture de stock temporaire

Compléments

  • Hors-catalogue
Artistes divers
  • Hors-catalogue
Artistes divers
  • Hors-catalogue

La presse en parle

Hélène Prévost: avaries, actions, avariactions

Alain Brunet, La Presse, 11 mai 2010

Longtemps, elle a préféré se qualifier d’artisane. C’est connu, les meilleurs font généralement preuve d’humilité. Musicienne férue de toutes les avant-gardes, Hélène Prévost a passé une bonne partie de son existence à défendre et diffuser les musiques contemporaines à la deuxième chaîne de la Société Radio-Canada.

En tant que réalisatrice radio, elle y a brillé pendant trois décennies, soit de 1977 à 2007. Lorsque la Chaîne culturelle est devenue Espace Musique, elle fut de celles et ceux qui ne correspondaient plus aux nouveaux objectifs de la maison.

«La suite? Ça a été de plonger dans une pratique de création. J’ai bousculé mon c.v. et je me suis laissée entraîner», résume celle qui peut désormais se définir comme une artiste à part entière.

En 2006, le nouveau cycle de sa vie pointait à l’horizon: Hélène entreprenait de travailler avec le compositeur Francisco Lopez, dans le cadre du projet Montréal matière sonore. «C’est lui qui m’a ouvert la porte, en faisant confiance à ce que je pouvais faire comme artiste.»

De toutes les époques de sa vie, Hélène Prévost a été aimée, respectée voire admirée par ses pairs. Ces dizaines et ces dizaines de créateurs qu’elle a défendus via la diffusion radio-canadienne ont pour la plupart ressenti la créatrice qu’elle n’a jamais cessé d’être. Aurez-vous déduit qu’elle a toujours choisi son camp. Projetée hors de l’arène médiatique, elle a dû revoir sa pratique et redevenir ce pourquoi elle est sur Terre.

«Les gens avec qui j’ai travaillé en tant que réalisatrice étaient curieux d’entendre ce que j’avais à dire. Cette communauté m’a invitée à jouer. Je n’ai pas le sentiment de rattraper le temps perdu, mais bien celui de me retrouver au cœur de ma vie. Bien sûr, mon expérience radio me porte, me nourrit, mais j’évolue désormais dans une très grande liberté esthétique. Dans le geste comme dans l’action. Je digère, je compose tout en sachant que j’ai passé ma vie dans les meilleures conditions. Aujourd’hui? Je n’ai plus rien à perdre et je n’ai plus de temps à perdre.»

Aujourd’hui, on imagine cette femme formidable continuer à soupeser gravement les enjeux de ses gestes, réfléchir aux impacts de chaque microdétail de son art, créer les conditions maximales de l’écologie humaine dans laquelle elle évolue. Pouvoir compter sur un esprit complexe n’exclut en rien le plaisir, la passion, l’empathie, le goût des autres. Hélène Prévost ne boude pas son plaisir.

«C’est une chance extraordinaire que de fréquenter l’univers sonore sous toute ses formes. De la matière la plus brute jusqu’au foisonnement d’une grande partition.

Et j’adore travailler avec ces «expérimenteux», ces bidouilleurs qui ont aussi une grande expérience de l’improvisation et de l’écoute.»

Le grand bouleversement dans sa vie récente, soulève-t-elle en outre, c’est d’avoir changé son «point d’écoute».

«Le point de vue du diffuseur est passé à celui de l’émetteur. À la genèse même de l’acte. L’émetteur en tant qu’artiste. Au départ, je ne savais plus comment écouter et où écouter. Quand j’étais réalisatrice, j’enregistrais une performance ou je la captais en direct pour la retransmettre. Maintenant, je pousse la matière vers le dehors. Je suis ailleurs. Je suis embarquée dans la chaloupe. Je ne la regarde plus passer, je rame dedans.»

Ainsi, l’organisme Super Musique a donné carte blanche à Hélène Prévost.

«J’ai accepté à condition de pouvoir le faire avec des artistes avec lesquels j’avais envie de travailler, dont la façon de travailler pouvait s’harmoniser avec la mienne.»

Ainsi, naquit avariactions.

«Dans ce titre, se trouve un mot crucial: action. Le titre comprend aussi le mot avarie, accident si vous préférez. L’action importe davantage. L’action désigne cette série de décisions qu’un musicien doit prendre face à l’accident. Avec sa mémoire, sa culture, son instinct, son goût.»

Dans ce contexte, l’instrument que préconise Hélène Prévost est un «lieu de confrontation électrique, concrète, électronique».

«Au centre, une console me permet de mixer toute sortes d’affaires: des fréquences radios, des CD préparés par moi-même, des claviers, des pédales de distorsion, des micros contacts, du papier aluminium, un bol à salade, etc. Je ne travaille pas à l’ordi en direct. Et je travaille sans sonorisation conventionnelle. Nous avons tous apporté différentes enceintes qui produisent une acoustique particulière.»

Hélène Prévost réunit autour d’elle Steve Bates (électroniques, larsen), Nicolas Dion (enregistreuses, électroniques & objets), Anne-Françoise Jacques (électroniques, moteurs, mécanismes, fraudes et débris), Geoffrey Jones (circuits et lumière) et Éric Normand (électriques illusoires faits main, basse électrique et effets).

Dans ce lieu de confrontation, six improvisateurs créeront sur le vif. Hélène Prévost, nul besoin de l’ajouter, sera dans son élément.

C’est une chance extraordinaire que de fréquenter l’univers sonore sous toute ses formes.

Du bruit au Mois Multi [et quelques autres considérations sur le son]

Nathalie Bachand, Inter, art actuel, no 103, 1 septembre 2009
Il faut nécessairement souligner la pertinence des artistes qu’Érick d’Orion, commissaire pour l’occasion, a finement sélectionnés.

Noise and Silence: a path throught radio art

Richard Simas, Musicworks, no 104, 15 juillet 2009

Festival international de musique actuelle de Victoriaville: Day 3

John Kelman, All About Jazz, 21 mai 2007

With a festival as inherently risk-taking as the Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV), it’s a given that some shows will work better than others. There may also be failed experiments, but it’s to the festival’s credit that it doesn’t rely on the tried-and-true. Invariably, even the less-successful performances are, at the very least, worth checking out.

Day three of the 24th edition of FIMAV was all about operating without a safety net — and, as usual, within a wide array of musical contexts — with some of this year's most and least successful shows yet. […]

Victoriaville matière sonore

Contrasting with Signal Quintet’s performance, Victoriaville matière was a strong idea on paper that didn’t always succeed in the implementation. The premise was good: construct a forum for a number of composers/sound artists to create individual pieces based on field recordings made around the Victoriaville area. Have the process overseen by renowned experimental blender of natural and industrial sounds, Francisco López, and link the pieces together into a single work with a broader overriding arc. In addition to López, Aimé Dontigny, Louis Dufort, Chantal Dumas, Steve Heimbecker, Mathieu Lévesque, Hélène Prévost and Thomas Phillips all contributed to the 90-minute show.

Similar to the Theresa Transistor performance on Day Two, but in the larger Colisée venue, the artists were placed in the center of the hall, surrounded on all sides by the audience and with a sound system facing in around the periphery of the hall. With the equipment setup on a riser with minimal blue lighting, there was little for the audience to watch, encouraging it, instead, to simply absorb the sounds without visuals and to find meanings on a more personal and imagination-driven level.

The eight pieces were linked by a nature recording of birds, used to allow one artist to leave the center stage so that the next could take his/her place. Other than FIMAV CEO and Artistic Director Michel Levasseur’s usual spoken introduction to the show, there was no applause between pieces, nor was there any announcement of order of events, so it was impossible to know whose pieces belonged to whom.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied. Like Theresa, equal importance was given to where individual sounds appeared and to how they traveled around the aural landscape. The problem was that, to a large extent, the approaches used were obvious and often overly dramatic. Lacking the nuance of Signal Quintet (and, because these were solitary pieces, the interaction of the earlier performance), the overall levels were high, the sounds often overly dense and the collages often too busy for the listener to sense any sort of unified statement.

Sometimes it’s good to make the audience come to the music rather than the other way around, and a better balance of dynamics and more discernable narrative for each piece would have made the entire show more successful. Still, credit is due for an imaginative experiment that, some shortfalls notwithstanding, was well worth pursuing.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied.

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