La boutique électroacoustique

Cycle du son Francis Dhomont

Couverture: Inés Wickmann (Adagp), Images sonores (2001)
  • Conseil des arts du Canada • SODEC

Sérieuse ou facétieuse, abstraite ou évocatrice, la musique électroacoustique québécoise s’est taillée une place de choix sur la scène internationale…

— François Couture, electrocd.com, 22 mars 2004

… a vivid and engrossing concoction…

— Alan Freeman, Audion, no 48, 1 juin 2003

Cycle du son

Francis Dhomont

Quelques articles recommandés

Notes de programme

Le Cycle du son

Ce ‘Cycle’ est une célébration du son, découverte majeure du 20e siècle, et de la musique concrète. Hommage rendu, au moment de son cinquantenaire, à l’invention de Pierre Schaeffer qui, de toute évidence, constitue un bouleversement musical sans précédent. Puisant dans un même matériel sonore forgé à partir du 1er mouvement de l’Étude aux objets de Pierre Schaeffer, mais aussi dans une collection personnelle de sons engrangés au fil des années, ces quatre pièces rebondissent sans arrêt l’une sur l’autre, s’interpellent, se répondent en échos, se complètent: allusions, commentaires, métonymies, prolongements. Elles évoquent, en toute liberté poétique, un parcours historique et tendent un lien entre le sage objet d’observation Schaefferien et les plus folles «métamorphologies» de l’art du son. Le troisième volet de ce cycle, Novars, qui est le premier à avoir été composé, a, des années plus tard, servi de pivot à l’ensemble de l’œuvre.

Francis Dhomont [xii-01]

La presse en parle

Le Québec électroacoustique

François Couture, electrocd.com, 22 mars 2004

On dit que le gazon du voisin est toujours plus vert que le nôtre, mais quand il s’agit d’électroacoustique, croyez-moi, le Québec n’a rien à envier aux autres régions du monde. Accusez-moi de chauvinisme, je n’en ai cure: le Québec abrite nombre de compositeurs de grand talent et de professeurs influents.

Je ne veux pas m’embarquer dans un exposé analytique, mais, en tant que critique et auditeur invétéré, il existe pour moi une électroacoustique québécoise. Malgré la diversité stylistique de nos compositeurs, je perçois un «son» québécois, quelque chose qui, pour moi, n’est ni britannique, ni français, ni allemand; quelque chose qui m’appelle et me parle dans un langage plus immédiat, plus facile d’écoute.

L’origine partielle de cette unité dans la diversité découle probablement de l’influence de quelques compositeurs-clé dont l’enseignement en milieu universitaire a marqué la relève d’ici. Je pense d’abord à Francis Dhomont et à Yves Daoust. Commençons donc cette piste d’écoute avec ce Français si québécois qu’il s’est mérité une bourse de carrière du Conseil des arts et lettres du Québec. Je peux recommander en toute franchise tous les disques de Dhomont: sa grâce, son sens narratif et son intelligence font de chaque pièce un objet d’émerveillement. J’ai souvent exprimé mon admiration pour Forêt profonde (y compris dans ma première piste d’écoute, je n’y reviendrai donc pas), mais Sous le regard d’un soleil noir, sa première grande œuvre, demeure un classique de l’électroacoustique internationale, et son Cycle du son, beaucoup plus récent, témoigne d’un art raffiné à la perfection — la pièce AvatArsSon, en particulier.

Si l’œuvre de Dhomont s’est élaborée à partir de grands thèmes théoriques, littéraires et sociologiques, celui d’Yves Daoust tient plutôt de l’anecdote et de la poésie. La plupart de ses pièces montre une filiation aux idéaux abstractionnistes de l’école française, mais l’apparente naïveté de ses sujets (l’eau, la foule, une Fantaisie de Chopin ou un souvenir d’enfance) donne à sa musique une charge émotive inusitée. Son plus récent disque, Bruits, fait preuve aussi d’une volonté de croissance (on dénote dans la suite titre une certaine influence de ses étudiants) et contient une pièce au sujet politico-historique (Ouverture, sur les relations France-Québec) qui peut très bien accrocher l’auditeur néophyte.

À ces deux noms d’une importance incontestable, il faut ajouter ceux de Robert Normandeau et de Gilles Gobeil. Normandeau représente bien ce que j’entends par un son québécois: un certain académisme dans la plasticité des sons (qui trahit l’influence des Britanniques et des Français), une originalité dans leur utilisation, une intelligence du propos qui, si elle pousse vers la réflexion académique, n’en aliène pas l’auditeur pour autant. Mon disque préféré demeure Figures, qui comprend la superbe pièce Le Renard et la Rose, construite à partir du roman Le Petit Prince, ainsi que Venture, un hommage à l’âge d’or du rock progressif (une marotte que je partage avec le compositeur, faut-il préciser). Gobeil, c’est la folie des grands espaces, la violence des passions humaines, les gestes brusques, les masses sonores lancées à la volée. Si La mécanique des ruptures demeure une écoute essentielle, son récent disque en collaboration avec René Lussier, Le contrat, représente son travail le plus accompli (et fascinant!).

Si ces quatre compositeurs représentent la crème du milieu académique, on trouve aussi au catalogue d’empreintes DIGITALes de jeunes compositeurs et des artistes dont le travail renouvelle en profondeur le discours électroacoustique de leurs collègues.

Mentionnons Fractures, le premier disque, tout frais, de Christian Bouchard, dont l’approche éclatée tient autant de l’électronica expérimentale que de l’électroacoustique universitaire. Ses suites Parcelles 1 et Parcelles 2 évoquent l’art vidéo numérique par leur fébrilité et leur fragmentation. Je recommande aussi chaudement l’album Connexions de Louis Dufort, qui mélange approche académique et bruitisme. La pièce Zénith, dans laquelle il utilise la voix du chanteur death-metal Luc Lemay (du groupe Gorguts), est simplement stupéfiante. J’aime beaucoup aussi l’humour un peu cru de Marc Tremblay. Son Bruit-graffiti fait un usage fréquent de la culture pop (des Beatles à Passe-Partout). Sa pièce Cowboy Fiction, un western pour l’oreille qui remodèle le rêve américain, conclut à merveille cette piste d’écoute.

Sérieuse ou facétieuse, abstraite ou évocatrice, la musique électroacoustique québécoise s’est taillée une place de choix sur la scène internationale. À vous maintenant d’en explorer les multiples facettes.

Sérieuse ou facétieuse, abstraite ou évocatrice, la musique électroacoustique québécoise s’est taillée une place de choix sur la scène internationale…

Pistes d’introduction aux beautés de l’électroacoustique

François Couture, electrocd.com, 15 octobre 2003

La musique électroacoustique est un goût acquis. Qu’on le veuille ou non, la radio et la télévision nous conditionnent à accepter un certain nombre de modèles musicaux (tonaux, rythmiques) comme étant «normaux». L’électroacoustique est dès lors perçue comme «anormale», tout comme d’autres formes d’expression musicale centrée sur le son plutôt que la note, telle l’improvisation libre. C’est pourquoi une première exposition à cette musique se révèle souvent être une expérience mémorable, positivement ou négativement. Plusieurs facteurs entrent en jeu, mais le choix d’un disque adéquat à une introduction amicale aide à faire de ce premier contact un choc esthétique d’une grande beauté et ainsi marquer le début d’une longue aventure.

Avec cette piste d’écoute, je veux simplement pointer quelques titres qui m’apparaissent susceptibles d’encourager plutôt que de décourager, des titres qui ouvrent une porte sur un autre monde musical. Bien sûr, cette sélection ne peut qu’être subjective. Mais avec un peu de chance elle pourra servir de guide aux nouveaux enthousiastes du genre et aux apôtres qui cherchent des idées-cadeaux pour répandre la bonne musique. Après tout, la période des Fêtes s’en vient!

Des passerelles

On développe généralement un nouvel intérêt par excroissance d’un intérêt précédent. C’est-à-dire que l’on explore un genre musical qui nous est inconnu parce qu’un intérêt connexe nous y a mené. C’est pourquoi, dans le cas des musiques électroacoustiques, des œuvres mixtes (bande et instrument) ou qui abordent un sujet concret peuvent fournir cette passerelle qui ouvrira les horizons d’un nouvel auditeur. Par exemple, les amateurs de récits de voyage trouveront dans le Corazón Road du duo Kristoff K Roll la narration sublimée d’un périple en Amérique centrale. Ceux qui ne sont pas trop grands pour s’intéresser encore au conte (j’en fais partie) trouveront dans Forêt profonde de Francis Dhomont une réflexion sur le conte inspirée du psychanalyste Bruno Bettelheim sous la forme d’une œuvre qui allie fils narratifs entremêlés et musiques d’une grande force évocatrice. Plus léger et fantaisiste, Libellune de Roxanne Turcotte tend une perche aux enfants sans pour autant simplifier ou niveler par le bas la démarche artistique.

Les amateurs de guitare peuvent se tourner vers le fabuleux projet Parr(A)cousmatique d’Arturo Parra, un guitariste classique virtuose qui travaille ici avec les meilleurs compositeurs québécois: Stéphane Roy, Francis Dhomont (Québécois d’adoption, à tout le moins), Robert Normandeau et Gilles Gobeil. Ce dernier vient d’ailleurs de lancer une œuvre-fleuve, Le contrat, avec le guitariste avant-gardiste René Lussier. Les amateurs de René Lussier et les gens captivés par le Faust de Goethe trouveront ici un point d’intersection incontournable.

Des essentiels

Pour ceux qui veulent pousser vers une électroacoustique plus abstraite, je conseille d’abord de visiter les compositeurs québécois. Chauvinisme? Du tout. En fait, la musique des Dhomont, Normandeau, Gobeil, Yves Daoust ou Yves Beaupré m’apparaît d’emblée plus accessible que celle sortie des écoles britanniques ou françaises. Elle possède un caractère immédiat, à l’impact plus prononcé (Gobeil), au lyrisme plus plaisant (Daoust, Beaupré), à l’architecture et aux thèmes plus accueillants (Dhomont, Normandeau). À titre de points de départ, je suggère Figures de Normandeau, La mécanique des ruptures de Gobeil, Cycle du son de Dhomont et Humeur de facteur de Beaupré.

Cela dit, les œuvres de Michel Chion (son Requiem, tellement puissant), Bernard Parmegiani (La création du monde), Jonty Harrsison (Articles indéfinis), Denis Smalley (Sources/Scènes) et Natasha Barrett (Isostasie) procurent des heures de beauté et de fascination, même si ces musiques paraissent à première vue plus arides ou difficiles d’approche. Et pour ceux qui s’intéressent à l’histoire de ces musiques, l’étiquette EMF offre L’œuvre musicale de Pierre Schaeffer, le père de la musique concrète et donc grand-père de l’électroacoustique.

Des idées courtes

L’album compilation a le pouvoir d’ouvrir toutes grandes les portes de l’électroacoustique, en offrant une large sélection d’artistes et d’approches stylistiques. Disponible à petit prix, eXcitations offre un échantillon intéressant des productions sur étiquette empreintes DIGITALes. Les albums Electro clips et Miniatures concrètes, ainsi que le tout nouveau volume de la série DISContact!, proposent de courtes pièces (souvent sous les trois minutes) qui sont autant de sources de découverte et de questionnement.

Enfin, pour ceux qui désirent avancer tranquillement, à petits pas, la collection Cinéma pour l’oreille de l’étiquette française Métamkine offre une superbe série de mini-disques compacts d’une durée de 20 minutes chacun à prix moindre. Le catalogue comprend des compositeurs renommés tels Michel Chion, Lionel Marchetti, Michèle Bokanowski, Bernhard Günter et Éliane Radigue. De petits albums parfaits pour les échanges de cadeaux.

Bien sûr, tout cela, ce ne sont que des suggestions. Le meilleur parcours de découverte est celui que vous vous défrichez au fil du temps.

Bonne écoute!

Kritik

MB, Testcard, no 13, 1 juillet 2003

Review

Alan Freeman, Audion, no 48, 1 juin 2003

Dhomont’s Cycle du son in four parts is a fascinating study in the art of painting with sound, with clusters and fragments of sonic sources usually manipulated way beyond their original context. In this way the techniques used in these works are quite rightly compared to the pioneering Études of Pierre Schaeffer, however the results are quite different, and very much late 20th Century. I would personally compare these digital manipulations to the similarly spacious, semi-musical constructions of Denis Smalley. The same air of invention, use of form and dynamics make a vivid and engrossing concoction that is simply “indescribable”.

… a vivid and engrossing concoction…

Kritiek

L’entrepôt, 1 septembre 2002

… ik deze release van Francis Dhomont. Dit geeft reeds aan wat een veelzijdig beestje de Electroacoustiek is. En daar draait het Francis Dhomont ook allemaal om. Het is een lofzang en een eerbetoon aan het genres en zijn grote voortrekkers. Vooral ’inventor’ Pierre Schaeffer maar ook voortrekkers als Pierre Henry, Stockhausen, Ferrari en Varèse, … krijgen een vermelding in deze homage. Cycle du son is dan ook een zeer onderhouden en vooral gevarieerde stuk geworden. Een luisterervaring die je van de ene ’emotie’ in de andere brengt, en die je maar zelden zal vervelen. Cycle du son is een spannend, zelfs entertainend stuk, dat elke avontuurlijke muziekliefhebber zal verblijden.

It is pure entertainment for the adventurous music-lover.

Critique

PhR, Mouvement, no 18, 1 septembre 2002

empreintes DIGITALes, une étiquette qui laisse des traces

Réjean Beaucage, Circuit, no 12:3, 1 septembre 2002

La maison de disques empreintes DIGITALes célèbre cette année son douzième anniversaire. Au fil des ans, la petite étiquette montréalaise a accouché d’une montagne, incontournable Everest des amateurs de musique électroacoustique d’ici et d’ailleurs. L’année 2001 a été consacrée à une mise à jour du versant québécois du catalogue avec des nouveautés d’Yves Daoust 1, Francis Dhomont 2, Gilles Gobeil 3 et Robert Normandeau 4. On a aussi eu la très bonne idée d’éditer les œuvres électroacoustiques de la regrettée Micheline Coulombe Saint-Marcoux 5 et on nous présente un nouveau venu en la personne d’Yves Beaupré 6, compositeur et facteur de clavecin. Bref, une importante mise à jour qui permet de brosser, en un coup d’œil, un portrait des différentes générations d’électroacousticiens.

Le disque Impulsion regroupe l’ensemble des pièces pour bande seule de Micheline Coulombe Saint-Marcoux, à l’exception de deux œuvres antérieures qui n’ont pu être retracées. On ne peut que féliciter l’étiquette empreintes DIGITALes pour cette initiative qui évitera que le travail de Saint-Marcoux ne sombre dans l’oubli, comme tant d’autres créations musicales d’ici (et d’ailleurs). Quatre des cinq pièces reproduites datent du début des années soixante-dix. Cela s’entend et nous réjouit, parce qu’elles nous ramènent à un moment de l’histoire de la musique électroacoustique, juste après les premiers balbutiements de celle-ci, durant lequel, bien que toutes les portes aient été ouvertes, on pouvait encore croire à ce que le meilleur reste à venir. Une époque où la musique était encore assez concrète pour tenir dans la main, être coupée, retournée, puis collée.

Micheline Coulombe Saint-Marcoux faisait partie du groupe historiquement marginal des «antispécialistes», pour qui la recherche sonore ne connaissait pas de frontière. Synthèse électronique et montage de bande magnétique avec variation de vitesse font bon ménage et offrent à la composition une palette de sons d’une grande richesse. C’est Iannis Xenakis, lors d’un passage au Conservatoire de musique du Québec à Montréal, à l’invitation de Gilles Tremblay, qui aurait suggéré à Micheline Coulombe Saint-Marcoux d’aller dépenser son Prix d’Europe au sein du Groupe de recherches musicales à Paris (GRM) en 1968. La fréquentation des François Bayle, Henri Chiarucci et Guy Reibel au GRM, de même que les enseignements du pionnier Pierre Schaeffer au Conservatoire national supérieur de musique de Paris, ont certes été des éléments déterminants du travail compositionnel deSaint-Marcoux. Les trois premières pièces du disque, réalisées à Paris en 1970 et 1971, portent indubitablement la marque du GRM tout en témoignant d’une grande originalité.

Basée sur des textes des poètes Noël Audet. et Gilles Marsolais., Arksalalartôq évoque les jeux vocaux des femmes inuits, joutes verbales absurdes qui se terminent souvent par les éclats de rire des participantes. Le travail sur la voix rappelle celui du Pierre Henry de Granulométrie et le traitement de sons électroniques salue le Stockhausen de Gesang der Jünlinge. L’étude Contrastances se rapproche, comme l’indique son titre, des matériaux sonores en opposition, tant en ce qui concerne la vitesse que la hauteur ou la texture. Élaborée, d’après le livret, «dans un studio privé à Paris», le matériau de base y est moins varié que dans les deux autres pièces de la même époque, réalisées au GRM. Cependant, le résultat demeure étonnant et la luxuriance qui s’en dégage est certes à mettre au crédit de la compositrice. La dernière des œuvres parisiennes, Moustières, est une belle démonstration de la maîtrise des techniques acquises durant la composition des œuvres précédentes et elle «coule» dans l’oreille comme une construction sans faille. La pièce Zones a quant à été réalisée à l’Université Simon Fraser de Vancouver entre 1971 et 1972, principalement à partir de sons produits par différents instruments à clavier (piano, orgue, clavecin ou claviers électroniques). L’œuvre est constituée de quatre différentes «zones» qui se distinguent par les techniques de transformation utilisées sur les sons de base, «[l]’idée [étant] d’arriver à la fusion des qualités sonores en manipulant de la même façon les sons d’origine 7». Le geste y est plus long que dans les pièces précédentes et laisse présager du style que développera Saint-Marcoux dans ses compositions instrumentales subséquentes. Le disque s’achève avec la pièce la plus longue et la plus récente, Constellation I, qui date de 1981. Elle aussi est construite sur le principe de l’équilibre des contrastes, le plan de l’œuvre s’articulant en une juxtaposition de masses texturales assemblées par des charnières de silence. On y traverse encore des «zones», chacune étant en quelque sorte un microcosme du plan général. On pourrait mettre l’œuvre en boucle et ne plus jamais sortir de ce paysage.


Il est intéressant de trouver dans la notice biographique du compositeur Yves Daoust, telle que reproduite dans le livret de son disque Bruits, une liste des influences qui marquèrent le travail de Daoust. On y découvre les «trames sonores de films, bien sûr», mais aussi les compositeurs Cage, Xenakis, Kagel, Ferrari, Savouret, Stockhausen (ici, il précise Hymnen), Beethoven et Schumann, et elle se termine par le nom du peintre surréaliste René Magritte. Glisser le nom de ce peintre du détournement à la suite de ceux de compositeurs parmi les plus inventifs n’est certainement pas innocent de la part du compositeur. Daoust travaille fréquemment à partir de sons réalistes, ou «naturels», que l’auditeur peut identifier immédiatement, comme l’observateur peu identifier aisément tous les éléments entrant dans la composition d’une toile de Magritte. C’est leur agencement, ou leur traitement, qui peut être déstabilisant, un peu «comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à coudre et d’un parapluie 8». Daoust tient à nous ancrer dans la réalité afin de mieux nous amener ailleurs. On serait tenté de parler de musique surréaliste mais aussi de cinéma sonore. D’autant plus qu’il ne faut pas oublier que le compositeur fut quelque temps concepteur sonore à l’ONF et qu’il vécut ses premières expériences électroacoustiques à 16 ans, en sonorisant le film 8mm d’un ami.

Le disque s’ouvre sur Bruits, suite en trois tableaux (Children’s Corner, Nuit et Fête) qui utilise abondamment les images sonores citadines les plus convenues, «fêtes de rue, marché, jeux extérieurs, machines, jardins publics […] clameurs humaines, cris et sifflets 9», dans un ballet qui n’a rien du documentaire et tout du poème… bruitiste. Le «paysage» y est hachuré et le tourbillon sonore finit par s’épaissir en une soupe dense d’où s’arrachent par bribes des morceaux de réalité, comme des éclats de lumière fuyant le magnétisme du trou noir. On notera en effet au passage l’influence avouée de Luc Ferrari.

La pièce Impromptu apparaissait déjà sur le disque précédent qu’a fait paraître Daoust chez empreintes DIGITALes, Musiques naïves, en version pour bande seule. L’œuvre a été largement retravaillée dans cette version mixte, pour piano, synthétiseur/échantillonneur et bande. La partie de piano est confiée à Jacques Drouin, et Lorraine Vaillancourt joue la partie de clavier électronique. La pièce a été réalisée «grâce à la complicité de Chopin», de qui Daoust emprunte et détourne quelques motifs de la Fantaisie-Impromptu en do dièse mineur, op. 66, pour en faire un objet neuf, mais chargé des mêmes tensions et de ce même spleen qui caractérisaient l’époque romantique. Une grande réussite dans un ton que l’on trouve peu souvent en électroacoustique.

La gamme nous ramène à une autre époque. Le compositeur nous laisse ici assister à ses premiers pas dans le monde de la musique électronique. On y observe en quelque sorte le compositeur se surprendre lui-même de ses découvertes et nous les présenter sans prétention. Alors on s’amuse à écouter la pièce comme le témoignage d’un passé que la vitesse exponentielle des développements technologiques tend à nous faire oublier (l’œuvre a été composée en 1981!). Le disque se termine par… Ouverture, une œuvre de 1989 commandée à Yves Daoust par le Groupe de musique électroacoustique de Bourges pour commémorer le bicentenaire de la Révolution française. Le thème et son traitement appellent la comparaison avec Le trésor de la langue, du compositeur/improvisateur René Lussier, qui date de la même année (1989). Ces deux pièces dénotent une grande communauté d’esprit entre les compositeurs. Ils utilisent des dialogues en forme d’entrevue afin d’établir des rapports sonores entre «le vieux pays» et le Québec. Cette similitude d’intention mérite d’être soulignée puisque nous avons ainsi deux œuvres stylistiquement fort différentes sur un même thème.

Ouverture est extrêmement narrative et a peut-être davantage les qualités d’une œuvre radiophonique que celles d’une œuvre de concert. Elle clôt le disque avec l’évocation d’une réalité plus tangible, plus «réelle», que dans les pièces précédentes. On ne rêve plus. Le disque est fini.


La musique de Gilles Gobeil est un guet-apens psychoacoustique. Le compositeur attire l’attention de l’auditeur sur des détails infimes, le laisse en quelque sorte pénétrer dans le son pour admirer sa structure, puis il détourne brusquement son attention par une cassure qui propulse l’auditeur sur une autre piste. Le procédé est d’une efficacité remarquable, mais il est probablement trop systématisé. La qualité des textures sonores que tisse Gobeil est ahurissante. La musique qui en découle est concrète à un point tel que le son y apparaît à l’état solide. Plus question ici de référence à la «réalité» puisque le moindre objet sonore est observé au microscope et révèle ainsi des contours insoupçonnés.

Malgré l’éclatante réussite au plan de la richesse sonore, on peut se demander si le compositeur atteint bien les objectifs descriptifs qu’il définit lui-même. Le résultat étant finalement assez abstrait, on peut se demander s’il était bien pertinent de nous les faire connaître. En effet, les «quelques images d’un voyage en Italie 10» qui servent de matériau de base à la pièce Derrière la porte la plus éloignée… (1998) évoquent bien davantage un paysage de la planète Mars qu’une «visite guidée de la cathédrale de Torcello 11». Quant à la pièce Projet Proust (1995, 2001), elle n’a sans doute de proustien que les quelques lignes de texte murmurées par le narrateur (Marc Béland). Il s’agit bien sûr d’un problème de perception, le compositeur ne portant pas sur son matériau le même regard que l’auditeur. Les images sonores ont ceci de merveilleux qu’elles débrident complètement l’imagination de celui qui les reçoit. Force est de constater que le mode d’emploi offert a ses limites. Est-il donc utile de fournir des pistes si, en définitive, elles ne semblent pas avoir été suivies? Dans ce cas, l’auditeur en a-t-il vraiment besoin?

Point de passage (1997) est une libre adaptation du roman The Time Machine de H. G. Wells et Nuit cendre (1995) s’inspire du Voyage au centre de la Terre de Jules Verne. L’auditeur qui l’ignorerait n’en serait pas moins transporté dans un autre temps, un autre lieu.

… dans le silence de la nuit… est le deuxième disque de Gilles Gobeil chez empreintes DIGITALes et chacune des pièces qu’il contient a reçu au moins une distinction dans une compétition internationale. Ce qui n’a rien d’étonnant, puisque la musique de Gobeil est séduisante. Avec un bon dosage des effets de surprises, la densité des matières qu’il utilise, le compositeur produit des objets particulièrement scintillants, qui ne se contentent d’ailleurs pas d’être bien construits. L’équilibre qui règne dans ses œuvres n’a pas la fragilité de celui du fildefériste, mais plutôt l’assurance des mobiles de Calder.


De la même génération que Gilles Gobeil et, pour ainsi dire, de la même école, Robert Normandeau a une approche bien différente de l’électroacoustique. À la fois plus «musicales», au sens où l’utilisation des codes de la musique instrumentale y est plus perceptible, et plus théoriques, les pièces de Normandeau possèdent une identité précise tant en ce qui concerne les sources utilisées que le type de traitement employé. Le disque Clair de terre, quatrième recueil de ses œuvres chez empreintes DIGITALes, est probablement aussi son opus le plus personnel. La pièce titre, de 1999, fait référence à une série de concerts que produisait le compositeur entre 1989 à 1993 au Planétarium de Montréal, alors qu’il était membre de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ). L’œuvre est divisée en douze mouvements dont les titres sont empruntés au vocabulaire du cinéma (Cadre étroit, Mobilité des plans, Montage rythmique, etc.). Normandeau, actif défenseur de l’expression «cinéma pour l’oreille» comme description de l’art acousmatique, dévoile ici son programme de façon transparente. Paradoxalement, ce terme qu’il revendique convient plus ou moins bien à son travail, car ce «cinéma» est beaucoup plus musical que «visuel». En écoutant la pièce Clair de terre, certainement la plus acousmatique des trois présentées ici, les deux autres étant dérivées de musiques d’application, on arrive aisément à en imaginer une orchestration (avec un orchestre, tout de même, qui ferait aussi preuve d’imagination!).

On touche donc ici au «problème acousmatique». Le compositeur Denis Dufour a remplacé le mot «musique» par le mot «art», fatigué qu’il était de devoir sans cesse expliquer en quoi une pièce acousmatique pouvait se rapprocher ou s’éloigner de la musique 12. C’est qu’en effet, l’art acousmatique ne produit pas toujours de la musique et certaines œuvres ont certes plus à voir avec le cinéma ou le documentaire radiophonique. Ce n‘est pas le cas ici et il serait inutile de bouder notre plaisir pour des considérations idéologiques.

Le disque s’ouvre sur Malina (2000), œuvre issue de la musique composée pour l’adaptation théâtrale du roman éponyme d’Ingeborg Bachmann. Le seul matériau ayant servi à la construction de la pièce est un enregistrement de la flûtiste Claire Marchand jouant du shakuhachi, une flûte japonaise. Évidemment, cet enregistrement est passé par toutes les transformations que peut lui faire subir un électroacousticien et notre petite flûte japonaise traditionnelle acquiert des qualités qui n’ont jamais été les siennes, se métamorphosant en instrument de percussion, puis en orgue ou en harpe éolienne. Le compositeur y crée davantage des ambiances qu’il n’y dépeint des paysages. Une grande réussite musicale suivie d’une autre, avec la pièce la plus récente du disque, Erinyes (2001), autre musique pour le théâtre basée sur l’emploi d’un seul matériau, en l’occurrence la voix. Cette façon de construire une œuvre à partir d’un matériau unique en le transformant de mille manières montre bien les prodigieuses capacités du médium électroacoustique. Il ne pourrait que s’agir d’un exercice pédagogique, mais le talent du compositeur en fait tout autre chose. Enfin, Clair de terre, longue suite de trente-six minutes, nous présente un hommage à la musique concrète, cette musique qui se monte en studio et se projette en salle, comme le cinéma, selon l’expression de François Bayle. Les nouvelles façons d’appréhender la vie qu’ont pu provoquer les premières images de la Terre vue de l’espace avaient été précédées par les nouvelles façons de concevoir le son que proposait la musique concrète. C’est la vision d’un monde qui change et, c’est bien connu, en acousmatique, on voit mieux les yeux fermés. Évidemment, le thème de l’œuvre appelle l’utilisation de sons aux textures évocatrices mais de ces bruits, Normandeau forge un poème symphonique qui ne se prive pas d’avoir par moments recours à la pulsation et qui se termine même, tel un salut solennel au XXe siècle, sur un air de cornemuse.


Surprise à la parution du disque Humeur de facteur d’Yves Beaupré. C’est que le compositeur n’est pas une figure connue du monde de la musique électroacoustique, mais plutôt des cercles de musique baroque, où on louange son habileté à… fabriquer des clavecins… Suivant un parcours peu orthodoxe pour un compositeur de musique électroacoustique, Beaupré se consacre en effet à la fabrication de clavecins, épinettes et virginals depuis une vingtaine d’années 13, activité à laquelle il a commencé à s’intéresser au sortir d’études en interprétation clavecin à l’Université de Montréal. Évidemment préoccupé par la sonorité des instruments qu’il conçoit, le facteur a voulu en superviser la prise de son lors de séances d’enregistrement et a développé naturellement une passion pour la manipulation des objets sonores. Sa note biographique ne spécifiant pas d’études en composition, nous en déduisons qu’il est sans doute autodidacte. Les matériaux de base utilisés ici ont été enregistrés dans l’atelier du facteur et les multiples outils qu’il doit utiliser fournissent au preneur de son une matière riche.

Si les références au cinéma sont monnaie courante lorsqu’il est question de ce type de musique, Beaupré, lui, préfère évidemment une autre métaphore. La construction d’une pièce de ce type exige un travail tout aussi précis que celle d’un clavecin; dans les deux cas, les éléments bruts doivent «être manipulés, triturés, […] coupés, recoupés dans tous les sens 14» avant de seulement approcher le produit fini. C’est Beaupré l’interprète qui a influencé la forme sous laquelle se présente Humeur de facteur, calquée sur le modèle d’organisation des Livres pour le clavecin de François Couperin, divisés en «ordres» qui contiennent eux-mêmes un nombre variable de pièces. On a donc ici un ordre dans lequel «chaque pièce, malgré son unicité, est partie intégrante du tout 15». Les titres choisis pour les pièces sont certes moins évocateurs que ceux de Couperin, qui les nommait La majestueuse, La ténébreuse ou La lutine. On a ici La beauséjour, La pelots point ou La DDB, titres qui ne s’accompagnent pas d’explications, à l’auditeur donc de leur donner un sens.

Le disque que présente Yves Beaupré a quelque chose de rafraîchissant, qui n’est probablement pas étranger à une certaine inexpérience de la part du compositeur, qui dote à l’ensemble d’une esthétique très personnelle.


empreintes DIGITALes complète son catalogue 2001 en publiant des travaux récents du doyen des électroacousticiens québécois. Le disque de Francis Dhomont Cycle du son 16, ajoute à cette année diversifiée un regard sur le médium lui-même, de sa naissance à ses développements les plus récents.

L’œuvre, en quatre volets, date de 1998, année qui marqua le cinquantième anniversaire de l’«invention du son» par Pierre Schaeffer au Studio d’essai de la RTF. Dhomont emprunte d’ailleurs à ce dernier, ainsi qu’à de nombreux autres «inventeurs du trésor», comme il les nomme, une partie du matériel sonore utilisé. Les Objets retrouvés (1996) sont un hommage direct à Schaeffer, en forme de paraphrase à son Étude aux objets. AvarArsSon (1998), véritable Who’s Who de la musique concrète est un coup de chapeau aux Bayle, Chion, Henry, Parmegiani, Stockhausen, etc. Novars (1989) met en relation la «musique nouvelle» de Schaeffer et l’Ars Nova de Guillaume de Machaut et, enfin, Phonurgie (1998) annonce la poursuite de l’aventure, avec de nouveaux moyens, certes, mais en demeurant fidèle «à l’esprit des premiers concerts de bruits 17».

Francis Dhomont a acquis une telle maîtrise du langage de la musique concrète que ce Cycle du son prend l’allure d’une véritable fête pour l’oreille. Et si chacun des volets est une réussite en soi, le tout est effectivement bien plus grand que la somme de ses parties. C’est que, comme le prouvaient déjà nombre de ses œuvres précédentes (du Cycle de l’errance à la Frankenstein Symphony), Dhomont est extrêmement à l’aise dans la grande forme. L’unité du matériau de base, assurée par l’utilisation des emprunts à Frankenstein Symphony et les retours/rappels qui se font d’une œuvre à l’autre, permettent à l’auditeur de suivre le chemin tracé par le compositeur… les yeux fermés.

Vibrant hommage aux collègues, le Cycle du son est aussi un splendide témoignage de l’amour du métier par l’un de ses plus dignes représentants. Non pas un regard embué par la nostalgie, mais plutôt une fière mesure du chemin parcouru, résumé pas quelqu’un qui va droit au but.


Notes.

1. Yves Daoust, Bruits, empreintes DIGITALes/Diffusion i Média, 2001 (IMED 0156).

2. Francis Dhomont, Cycle du son, empreintes DIGITALes/Diffusion i Média, 2001 (IMED 0158).

3. Gilles Gobeil, … dans le silence de la nuit…, empreintes DIGITALes/Diffusion i Média, 2001 (IMED 0155).

4. Robert Normandeau, Clair de terre, empreintes DIGITALes/Diffusion i Média, 2001 (IMED 0157).

5. Micheline Coulombe Saint-Marcoux, Impulsion, empreintes DIGITALes/Diffusion i Média, 2001 (IMED 0159).

6. Yves Beaupré, Humeur de facteur, empreintes DIGITALes/Diffusion i Média, 2001 (IMED 0160).

7. Les notes du livret sont de Micheline Coulombe Saint-Marcoux.

8. L’un des fameux «Beau comme…» de Lautréamont, extrait des Chants de Maldoror.

9. Extrait de la notice du livret.

10. Extrait de la notice du livret.

11. Ibid.

12. Voir à ce sujet l’excellent entretien réalisé par Jonathan Prager avec Denis Dufour et publié dans les nos 5 (avril 1997), 6 (septembre 1997) et 7 (mars 1998) de la revue électronique Ars Sonora.

13. Le 3 mai 2002, le claveciniste Luc Beauséjour présentait le 100e instrument de Beaupré, un clavicythérium, à la Chapelle Notre-Dame-de-Bonsecours de Montréal.

14. Extrait de la notice du livret.

15. Ibid.

16. La sortie de ce disque fut retardée à cause d’un problème d’impression de l’emballage. Profitons de l’occasion pour dire quelques mots sur la présentation de ces enregistrements. L’emballage a beaucoup évolué depuis les premières productions de l’étiquette, allant du modèle standard de boîtier en plastique à ces nouveaux boîtiers «Opaks» tout en carton. La nécessité étant mère de l’invention, c’est pour éviter le bris des boîtiers standards lors d’envois postaux que ces mutations se sont opérées. La présentation visuelle est très soignée et les notes de programme, si leur consultation est moins pratique que celle du livret habituel, sont en général assez complètes.

17. Extrait de la notice du livret.

Kritik

Stefan Hetzel, Bad Alchemy, no 40, 1 août 2002

Kritik

ASB, De:Bug, 23 juillet 2002

Das kanadische Label empreintes DIGITALes beschäftigt sich mit Elektroakustik, Musique concrète und Audio Art. All diese Musiken verarbeiten neben den Klängen von Musikinstrumenten auch konkretes Tonmaterial wie Alltagsklänge und gefundene Geräusche. Der Kanadier Yves Beaupré ist nicht nur Cembalo-Bauer und -Spieler, sondern auch Klangsammler. So finden sich auf seinem Debüt neben Saiteninstrumentensounds auch im Rechner bearbeitete Klänge von Holz und Holzwerkzeugen. Francis Dhomont ist Pionier der elektroakustischen Musik und Schüler von Pierre Schaeffer. Die Herkunft der in „Cycle du son“ verwendeten Originalsounds ist im Gegensatz zu Beauprés Musik durch die elektronische Bearbeitung nicht mehr festzustellen. Bei allen Unterschieden im Umgang mit dem Klangmaterial ergeben sich zwei sehr dichte und spannende Hörstücke zwischen abstrakten Soundcollagen und instrumentalem Hörspiel. Oder einfach „Kino für die Ohren“, wie Francis Dhomont seine Musik nennt. 4/5

4/5

Kritik

T™, Black, no 28, 1 juillet 2002

Review

Jeremy Keens, Ampersand Etcetera, no 2002_8, 20 juin 2002

Born in 1926, Dhomont is the oldest artist on the impressive empreintes DIGITALes catalog (most were born in the 50s and 60s). His experience and ease with the language of musique concrète/electroacoustic writing is demonstrated clearly on this understated but compelling collection of pieces from 1998, incorporating works from 1989 and 1996. As one of the founders of the field, he originally worked with magnetic wire (the original tape) and since 1963 has produced only works for tape. This combination of experience and medium creates a more measured music without some of the fragmented flourishes that computers can bring to the form.

This disk is something of an homage to Pierre Schaeffer, and incorporates sounds from his Étude aux objets, amongst other musicians and ‘celebrates sound and musique concrète.’ My musical education is lacking, and I can’t recognise all the references, but it is a pleasure none the less. In Objets retrouvés we have a warm, analogue introduction that slowly flows as mysterious noises emerge in volleys, hovering on the edge of recognition. AvatArsSon is in six parts, and dedicated to ‘the inventors of the treasure’ (some of whom are named) and traverses ‘some of the stages of the sound odyssey.’ Each part is distinct in structure and method: Paysages opens with a naturalistic sampled village then shifts into manipulation, Voix is not surprisingly a complex voiced based piece while Avatars is buzzy dits and electronica and À suivre… takes long tones and buzzing. A fascinating journey which those more knowledgeable can mine. There seem to be two modes in Novars - one is lyrical ringing tones with washes and a pulsating cloud, while the other is more percussive, swirling, more effected. The two forms alternate, flirting with recognisability and dancing away in this light duet. Finally Phonurgie is more dense with hollow sounds, whistles, bleeps, fluttering wings and a darker feel created from similar sounds to those which have come before. Distorted strings, voices a light swirl and fade. A classic(al) musique concrète album, very listenable and endlessly satisfying.

A classic(al) musique concrète album, very listenable and endlessly satisfying.

Critiques

Catherine Perrey, Ici Montréal, 13 juin 2002

Francis Dhomont est un électroccousticien de renom. On retrouve sur ce disque plusieurs pièces produites entre 1989 et 1998 et qui ont été publiées pour le cinquantenaire de la musique concrète. Ceux qui connaissent quelque peu l’univers de Dhomont auront un bel aperçu de son travail sur les dix dernières années. Des pièces sont devenues célèbres dans le milieu électroacoustique, on pense notamment à Objets retrouvés, AvatArsSon, ou Novars. Il est ainsi aisé de faire des ponts entre les sons, les structures, les textures et de comprendre les liens qui unissent ces différents axes, mais surtout d’effleurer la méthode Dhomont. Voyage vertigineux, plongée sonore, pour mieux nous immerger ou coeur du son.

Voyage vertigineux, plongée sonore, pour mieux nous immerger ou coeur du son.

Review

Graeme Rowland, Brainwashed, 2 juin 2002

What can you say about 76-year old composer Francis Dhomont? You could say he’s been given lots of prizes for his noises. You could say he talks a good acousmatic game theory. You could say he wears an eyepatch over his right eye. He first grabbed my attention with his Frankenstein Symphony on Asphodel, a plunderphonic acousmatic journey on which he skillfully cut up and stitched together various excerpts from works by his French Canadian contemporaries. He now tips his hat to perhaps his biggest inspiration. This sound cycle is a fiftieth anniversary homage to musique concrète pioneer Pierre Schaeffer, specifically the first movement of his Étude aux objets, from which Dhomont has sourced his raw materials. There are many furtive similarities to the Schaeffer original, but Dhomont stretches the journey out almost twice as long and eschews Schaeffer’s violent tape splice edits, focusing and magnifying curiously questioning speaker panning whirls into successive new smoothed out seascapes. In the opening funeral march, Objets retrouvés, the sounds seem to be asking themselves what they are, curious to find themselves hanging around their own echoes. Dhomont breathes new life into them and gives them celebratory purpose. The second cycle AvatArsSon paints in the sky from a more varied and clattering palette. Sounds loom into the foreground, shimmer and mutate. Latterly choral vox limbo over glugging mystery spools. Bells ring out across the city full of gleeful honking taxis, soon washed away by tidal waves. This is the most cinematic of the four cycles, in that more untransmuted sound sources are apparent than in relatively abstracted sequences elsewhere. The third cycle Novars was the first to be completed and is the hub around which the others rotate, but since it is sequenced after Objets retrouvés despite being completed seven years earlier, it seems like an extended version thereof. Phonurgie hones and magnifies elements from the previous cycles casting long late summer evening shadows and deep pool reflections, folding mystery into myth. Latterly it seems as if several glass instrument orchestras are playing cut up fragments in reverse as they sink into the sea. A little recurring chuckle is a mirthful reminder of how much fun listening can be.

Kritiek

SVS, Audiotest, no 11, 1 juin 2002

Het Franse label empreintes DIGITALes biedt onderdak aan een resem al dan niet obscure avantgardekunstenaars waarvan Robert Normandeau en Hildegard Westerkamp de bekendste zijn. Met Cycle du son betoont Francis Dhomont eer aan de legendarische geluidskunstenaar Pierre Schaeffer. Het vierdelige stuk maakt zowel gebruik van samples uit Schaeffers legendarische compositie Études Aux Objets, als geluiden uit Dhomonts eigen klankencollectie. De akoestische clash van die twee werelden is een onheilspellend, maar altijd boeiend geluidsdecor vol glashelder resonerende klankspelen.

Humeur de facteur van Yves Beaupré is een klankencollage opgebouwd uit timmerhokgeluiden: geluid afkomstig van en gemaakt door allerlei voorwerpen, gereedschap, hout en dies meer. Die bronnen worden vervolgens via elektronica van hun identiteit gestript en tot functioneel element van de compositie gebombardeerd. Het resultaat blijft over de hele lijn intrigerend en stuwt je door een vaak hallucinante dimensie van overheerlijke klankschepsels.

De Nieuw-Zeelander John Young dwingt de luisteraar zijn van wonderlijke details voorziene La limite du bruit met een hoofdtelefoon te beluisteren. Zo fladderen de ratelende, druppelende en schurende klankjes van Pythagoras’s Curtain je trommelvlies in. Even fascinerend is ’Inner’ dat aanvangt met het geluid van iemand die zijn adem inhoudt. Klassieke avantgarde/musique concrète die boeit van a tot z.

Review

Frans de Waard, Vital, 23 mai 2002

Canadian composer Francis Dhomont, whose previous work has been released by the same label, thought it to be about time to pay hommage to 50 years of musique concrète. That is around 1998, because three out of four works were composed then and it has been then 50 years ago that Pierre Schaeffer composed his first work using daily sound material (a.o. derived from sounds from trains in his Cinq études de bruits (Five Etudes of Noise)). Dhomont harks back to the same sound materials for all four pieces as Schaeffer used. Of course through the use of the new techniques it all sounds very different. Whereas the original “Five Etudes” last 15 minutes or so, this CD takes up 50 or so minutes. In Novars Dhomont samples the sounds of Schaeffer and plays around with them, either by time stretching, filtering, looping etc. And this is what’s going on in the three other pieces as well. Dhomont has a very classical approach to the material, his approach is not very different or new then from most of the other composers on empreintes DIGITALes. Much reverb, oscillators and filters transform the sound in tumbling parts that fall over each other. Not a bad thing, but in every sense, classical.

Where’s the CD Review?

Matthew McFarlane, Where’s the Beat?, 6 mai 2002

Francis Dhomont has become legendary both in his native France and his adopted Canada. As one of the founders of what many call the “Montréal School” of acousmatics, Dhomont’s musical style is all his own. How exciting therefore that empreintes DIGITALes has released another disc of his music. This disc is comprised of four linked works: Objets retrouvés, AvatArsSon, Novars and Phonurgie. Each piece pays homage to the history of musique concrète and electroacoustics. Novars strikes me as the strongest of the three. Dhomont has clearly constructed this piece with a lot of thought about musical structure. Quotations of Schaeffer and Machaut never sound forced or inconsistent with the other material. Moreover, it is Dhomont’s placement of sound, the use of repeated gestural fragments and his fabulous feeling of sonic space that makes not only Novars but in general the whole disc wonderful. Without a doubt more difficult than his previous discs like Forêt profonde Dhomont always draws us to his unique sonic environment.

Dhomont always draws us to his unique sonic environment.

Review

François Couture, All-Music Guide, 1 mai 2002

Francis Dhomont’s first album since the critically acclaimed Forêt profonde in 1996, Cycle du son was released in late 2001 and consists of a cycle of four works premiered in 1998. At the time the composer was 72 years old. Taking a cue from the celebrations surrounding the 50th anniversary of the “advent” of musique concrète, he created a rich work that takes a look at the distance electroacoustic music has crossed during that time. But Cycle du son is not a historical overview. Instead it integrates concepts, forms and pet sounds from the main figures of the genre, all done with much subtlety. The roots of the work are found in part three, Novars. Created in 1989, it used sound sources from Guillaume de Machaut’s Messe de Nostre Dame and Pierre Schaeffer’s Étude aux objets. The cycle stemmed from this piece and all movements are interlocked with quotes and the use of similar sound sources and references. Objets retrouvés is a short re-reading of Schaeffer’s Étude aux objets, the first musique concrète “classic.” Its elegance tells much about Dhomont’s respect for the man. AvatArsSon is the strongest work here and ranks among the man’s best. Revisiting other composers, Dhomont actually offers a synthesis of his own music, from the formalism of his Cycle de l’errance to the dreamy confusion of Forêt profonde (it even includes speaking voices, a trademark of his own work). Phonurgie concludes the set with a look forward, avoiding nostalgic sentimentality. This album may not be as strong as some of his previous efforts, but it will still please fans of Dhomont and aficionados of electroacoustic music. His touch, so easily recognizable (in the movements, the colors, the narrative), remains strong.

His touch, so easily recognizable (in the movements, the colors, the narrative), remains strong.

Soundcheck Review

Philip Clark, The Wire, no 220, 1 mai 2002

Canadian electroacoustic composer Francis Dhomont offers a 50 minute cycle of pieces paying tribute to musique concrète pioneer Pierre Schaeffer. Describing the opening piece as a “funeral march”, Dhomont shapes a paraphrase out of material from the latter’s Étude aux objects. AvatArsSon draws a trajectory between Schaeffer and those composers he has influenced, including Xenakis, Stockhausen, Berio and Luc Ferrari. The third piece suggests a connection between Schaeffer and the 14th century French composer Guillaume de Machaut. This being a cycle, the final section, Phonurgie, draws all the various strands together. Dhomont’s piece is superbly crafted and does everything an electroacoustic composition should, but is that really enough?

Dhomont’s piece is superbly crafted…

Review

Ingvar Loco Nordin, Sonoloco Record Reviews, 1 avril 2002

Francis Dhomont is — oblivious of his noble age (born 1926) — always and forever the young at heart (characteristics that he shares with Stockhausen and Bayle and Dylan!) Check, for example, his lively participation on the CECdiscuss mailinglist. He is as active as ever in his sound art too, which this new release on empreintes DIGITALes is ample proof of.

I was looking forward to meeting this good old Maestro in St. Petersburg this coming summer of 2002, when the first “Russian International Festival of Electronic, Electroacoustic, Experimental and Avantgarde Music — Electroshock” is taking place in St. Petersburg under the direction of the proprietor of Electroshock Records; Mr. Artemiy Artemiev of Moscow. Dhomont is one of the many composers and musicians attending this exciting festival, but… Artemiy Artemiev has decided to host the event simultaneously with the Stockhausen Courses in Kùrten outside Cologne, and since I have been asked to attend there (when Stockhausen calls, you do come!), I will miss out on the encounter with Francis Dhomont, who nonetheless is one of my true heroes of electroacoustic art. Hopefully, Mr. Artemiev will check his schedule better next year, if the St. Petersburg Festival will reappear as an annual event. Once upon a time the cultural axis of Europe was an arch from Paris across Berlin to St. Petersburg, and perhaps the time to revive this cultural flow has come now. Let’s hope so, for it was a vibrant, fruitful cultural axis before the Russian Revolution.

The gentleman Francis Dhomont arrives on this CD with a humorous twinkle in his eye, and part of the shine of his art is this mixture of seriousness and humor, in an almost burlesque, Rabelaisian style. This goes straight to the heart of the listener, and the inside of Existence is repainted with the acoustician’s sonic sable brush, lots of stars twinkling and a small table with a lamp and one chair placed out in the black void of space, centering attention to words being scribbled by good intentions and seasoned with the salt of this earth…

How good it is that one of these gentlemen with a French beret and a wine glass in his hand, gauloise between his lips, has risen from the café table and walked right into our sound reproduction devices with the art of his poetic mind! Welcome, Monsieur Dhomont!

Francis Dhomont’s artistic traces go back to people like Ginette Waldmeier, Charles Koechlin and Nadia Boulanger. At about the same time as Pierre Schaeffer, in Paris in the late 1940s, Dhomont independently discovered what could be done sound-wise with magnetic wire; musique concrète being born. In the long run Dhomont gave up traditional instrumental composition to dedicate himself completely to tape work; electroacoustic composition. He lives in a flux between Canada and France; another cultural axis of today, especially in the art of acousmatic electroacoustics, which in France and Canada is especially prolific and poetic.

Dhomont also writes theoretical texts and essays, and his antecedents show an editorship of L’espace du son published by Musiques & Recherches in Belgium and Électroacoustique-Québec: L’essor published by the Canadian magazine Circuit. Dhomont has also in his career produced many acousmatic radio programs for Ina-GRM of Radio France, and he has co-produced a Canadian radio series entitled Voyage au bout de l’inouï (“Journey to the Unheard-of”)

Dhomont — in the CD booklet (which of course in the case of empreintes DIGITALes is a fold-out hard-paper contraption, which is utterly original and extremely innovative as well as… pleasant! — and packed with information) — goes on to describe the first of the four parts of Cycle du son; Objets retrouvés (“in memoriam Pierre Schaeffer”): “Both a lamento and a funeral march, this paraphrase of Pierre Schaeffer’s Étude aux objets is not without connection to ornate, figures choral style. Three voices (in the contrapuntal sense of the term), developed from elements drawn from the first movement of the Étude [Objets exposés], embroider and animate the long values of the original subjects that make up the “choral”, which constitutes the fourth voice of the polyphonic composition. The choice of a classical form, so important in Bach, was a conscious one that was designed to honor the memory of Schaeffer. […]

And so here we have one giant of this art form celebrating another one!

I listened to the original Étude aux objets by Pierre Schaeffer from the Ina-GRM issue before shifting into Objets retrouvés, concentrating on Objets exposés, and it is of course really a mimicry to begin with, but then I loose myself in the beauty of it all, only waking up to clear reminiscences here and there, where Schaeffer and Dhomont act like soul-mates, though on different planets or in different dimensions — or maybe just separated by a thin, semi-transparent layer of time-lapse, through which only telepathy can penetrate, abiding to the law of non-local connections (Fritjof Capra: The Tao of Physics), which says that occurrences on the atomic level millions of light-years away affect events here, just as clear and distinct as if you yourself slammed your fist into the table to drive home a point in an argument — simply showing that things may not always — or ever! — be as they appear, because appearance is just a convenient way to work perception, which is our way of co-existing with the environment, for practical reasons, but maybe not for any other reasons…

Anyway, Dhomont’s Schaeffer-music is lightheartedly explorative, bouncing through a jumble of suddenly appearing sonic spheres and cubes, like in a Nintendo arcade game, or in an adventure of virtual reality. The sounds are classical electronic bodies, appearing, receding, reappearing, changing shapes and density, conveying a solid sonic joy of investigation, and the double vision of Schaeffer-Dhomont dances around the stage like Stockhausen’s Lucipolyp in Luzifers Zorn (“Lucifer’s Fury”) from Montag aus Licht (“Monday from Light”).

This piece is similar to the sight of a child ripping the clothes from a scare-crow out in the farm field, dressing up in the old rags and staggering towards the horizon; playful, spiritual in a special way, very magical… ceremonial even… the child of all ages…

Track 2 is AvatArsSon; a longer work of 18 minutes. Francis Dhomont has given it a lengthy subtitle: “in six connected parts: Fondation; Avatars; Voix; Aventures; Paysages; À suivre… to the inventors of the treasure… Bayle, Berio, Chion, Dufour, Ferrari, Henry, Malec, Parmegiani, Reibel, Risset, Schaeffer, Stockhausen, Teruggi, Varèse, Xenakis, Zanési… and others too numerous to name…”

Surely my heart, which largely resides in the body of electroacoustics, beats a little extra at the enumeration of all these great composers, who each and every one has meant so much…

The jolting, bouncing tendencies keep up, but joined by thermal shocks and timbral layers, as Henryean doors of French sheds creak (Variations pour une porte et un soupir) and areas are opened and closed, whooshing and wheezing atmospheres closing in and opening up; small rooms expanding, the walls shooting out in four directions to the horizon and below, the ceiling lifting into the stratosphere… and suddenly you’re in a summer meadow where a child sits in the grass, as fragments of thoughts flutter around you like a cloud of butterflies; a cloud that explodes, powder of wings setting like a mist around you… and vibrating planes and percussive electronic rhythms merge with watery ascents and descents, your fingers plucking at the spokes of a racing bike wheel at a section of Tour de France that runs straight through your cerebral cortex, where electrical charges transmit messages through the neurons like meteorites across a winter’s sky…

Thin layers of ice move in above and below each other at different speeds in this music, causing auditory hallucinatory effects, kaleidoscopically tightening and opening, in a breathe of the sound waves.

Reverse glass paints with thin lines on transparent surfaces, as the sun rises and blinds you with one single ray of light out of the Tibetan high plateau, suddenly hitting hard on your retina, like the light of enlightenment in your post-life Bardo, towards an imminent rebirth… and there’s something reassuringly magical in AvatArsSon as the boy’s voice of Gesang der Jünglinge opens up Stockhausen’s innocent face and curious eyes, penetrating your honesty down to the last drop of coffee-powered creativity…

A maze of barbed wire — or vibrating stainless pots in a restaurant kitchen — introduce voices, and then the sudden “Dies irae” of Michel Chion’s Requiem… and so many other quotes intertwined in this barbed wire existence of magnificence across the misty expanses of World War I battlegrounds…

Rolling rocks move like La Mémoire des Pierres by Gabriel Poulard, rocks and pebbles sliding, rolling, bouncing down a decline below an Icelandic glacier in one of Björk’s most gravel-haunting pieces (Aurora from Vespertine; a masterpiece if you’ve ever hiked hard to get to the edge of a glacier in Lapland or in Iceland!), until a minute section from Denis Dufour’s Bocalises — the ultimate glass music! — twists and bulges the sonic field in crystalline refractions of audio… when a terrific havoc breaks out, throwing cardboard boxes filled with styrofoam around the room, like a Picus viridis causing panic in an ant-mound…

Sirens in the distance and close-up wineglass-rim pings leave room for remnants of coarse sounds falling around you like demolition debris, and tender, tapping bounces of brittle rolling spheres sharpens your attention even more… when church bells toll and crowds in narrow lanes and hooting cars pass by in a carnival or demonstration flurry… only to submerge you into the local shipwreck in the harbor inlet, and all local fish swarm your sight…

AvatArsSon is a masterly and lustful reflection on the evolution of acousmatics!

Track 3 is Novars, of which it has already been said that it is the first of the pieced herein to be composed (1989), and that it has been released before. Dhomont has given this also a subtitle: “to music concrète and Pierre Schaeffer, its unfortunate inventor” — and I believe it was Schaeffer who called himself that; “the unfortunate inventor of musique concrète”, and it is a well-known fact that Schaeffer in his older age stood back from his earlier achievements…

Soft and polished, gently swirling tonalities open this long (19 minutes) work, clearly mirroring some of Schaeffer’s Étude aux objets, but this time around bringing Schaeffer’s aspects way up to the present moment, in high class, reflecting, introverted strands of audio; Dhomont gently and swiftly applying precise timbral nuances with his electronic brush, as the light of day falls in through the many colors of the tinted church windows of his music, projecting rectangles and rhomboids of colored light across the stone floor of the spiritual expanse of the church association… where cats would lick their paws, were they only let in…

The sacral illusions keep up, as the music gets a bit rough, retreating into a side-crypt filled with brown, unshapely sounds of unsettled arguments and bitter feelings, the furniture moving in kinetic automation in this ill-spirited force-field, almost like in Ákos Rózmann’s Crypt With Table and Chairs or La Monte Young’s Poem for Chairs, Tables, Benches etc. There is furniture at un-rest in this section of the music. An exorcism of sorts is called for… if we’re going to sweat this out, tepee style, medicine man style… and sure enough, a relative calm returns, with minor glitching frictions appearing between time-layers, between now and right before and a long time ago… but the landscape opens up in fresh-air views of canyons and mountains, as vibrations of stylized woodpeckers salute the forested north, be it in Canada, Scandinavia or Russia; many creatures live there which we will never see, and the smell of resin greets us in fresh fragrances out of the awesome expanses of coniferous forests in Dhomont’s sound-painting.

A wild, almost medieval dance — a gigue of brutal, harsh upheavals — follows, in which love and death grab at each other in an almost even show of force, while shooting grains of sharp, metallic audio move outwards in gravitational trajectories — and it gets calmer again… after the catharsis…

Indian sandalwood incense rises towards the ceiling of my Scandinavian room, and in the music torch lights flicker in a cave in France, where prehistoric paintings are about to be discovered… and life is richer than can ever be understood by the living…

The concluding last track of the four is Phonurgie, which Dhomont has equipped with a dedication: “to Inés Wickmann and her found objects”. Inés Wickmann is a Colombian sculptor and artist who lives in Montréal, Canada, married to Francis Dhomont. An interesting project that Wickmann has participated in is the Breathe Project, which also has a bearing on the reviewer’s native Sweden.

The initial gesture is the same, but then an eerie ring rinses your mind like Harpo Marx’s handkerchief, as thudding, drilling sounds even mimic all too familiar mobile phone irritations… but maybe this is simply reminiscences of short-wave communications… Many grainy properties appear here, like were you emptying sacks of green peas on the industrial conveyor belts of earlier and almost forgotten decades…

Jet engine magnitudes fill the space completely, big fuselages taxiing out on concrete runways until flapping birds’ wings envision feathered bodies dispersing in all directions…

Hectic jumbles of entrapped sounds move about madly inside the sonic magicians electronic bottle, reaching speeds that in real life would heat up the confined space to melting of the glass, which would flow out in gluey shapes, like Salvador Dali’s melting watches…

Dhomont’s sound art has many properties in common with Gaudi’s architecture in Catalonian Barcelona; the prohibition of bourgeois, degenerative 90 angles, the unexpected and uneven distribution of weight and mass, nonetheless balancing out in mysterious calculations of mechanics of materials, like in Sagrada Familia’s exclamation of a joyous, triumphant “Sanctus! Sanctus! Sanctus!”

… the shine of his art is this mixture of seriousness and humor, in an almost burlesque, Rabelaisian style. This goes straight to the heart of the listener…

Review

Anatoly Motkin, Vesty, no 12, 21 mars 2002

Critique

François Tousignant, Le Devoir, 2 mars 2002

La démarche de Francis Dhomont se révèle toujours d’une singularité exceptionnelle. Parfois, au gré d’un concert ou d’une radiodiffusion, on entend une pièce, plus ou moins courte. Le propos en est anecdotique, plus abstrait, souvent interrogateur. C’est toujours bien fait, tellement que parfois on reste sur sa faim. C’est que, fin alchimiste, Dhomont ne révèle ses formules que par bribes à son auditoire. Sa vraie force — il l’a assez souvent prouvé par le passé — se situe au rang de la fresque. Ce Cycle du son le démontre, encore une fois, avec une incroyable maestria. Je passe par-dessus l’analyse descriptive de chacun des mouvements; le compositeur en offre une sur la pochette, généreuse autant que pertinente et brève. Concentrons plutôt notre regard acoustique sur ce dernier chef d’œuvre en date.

Il y a chez Dhomont une sorte de trinité présidant à l’œuvre que la technique transcendée du médium acousmatique met encore plus en évidence dans cette musique de grande maturité. D’abord, il faut parler de la structure de sa musique. Même un néophyte rébarbatif à cette forme d’art peut comprendre ce qui se passe dans l’instant, et en saisir le sens. Du ludique au presque agressif (mais pas trop), de l’inquisitif au réconfortant, de l’identifiable à l’inouï, les moments s’enchainent et s’articulent. On n’en comprend pas toujours le sens ou la nécessité. Alors, la mémoire se met en branle, cette mémoire que Dhomont, à l’instar de Proust, semble tant solliciter pour mieux saisir et inventer le monde.

Nous entrons dans le monde du formel, de la construction. Chacun des instants entendus se met à prendre un relief et en imprime un nouveau sur ce qui s’en vient, ce qui est, ou ce qui encore parfois se répéte. On entend une démonstration du fonctionnement de la perception sonore qui semble ne viser qu’un but: la communication d’une idée. Donc, à la troisième étape, celle qui différencie le véritable artiste du manipulateur de boutons: le domaine indescriptible en mots de l’intuition concrétisée en œuvre musicale. Est-ce satisfaisant? Certes, mais là n’est pas le propos; c’est enrichissant. D’autant plus que ce Cycle du son ne se gêne pas pour citer des classiques du genre (en fait, il s’agit d’une sorte d’hommage posthume à Pierre Schaeffer combiné à une célébration du jubilé du genre d’art qu’il a inventé). Si vous ne les reconnaissez pas, ce n’est pas très grave car les aspérités stylistiques vont vite renseigner l’auditeur attentif sur la direction que prend la musique selon la nature (ou la constitution) du son et le traitement qu’on y applique.

On a donc affaire au résultat des réflexions d’un aussi grand théoricien que technicien — chose rare en ce monde électroacoustique, qu’il transpose tout naturellement dans l’univers des sons, un peu à la manière des visions abstraites beethovéniennes, de certains contrapuntistes de la Renaissance ou des avancées de Webern. L’exploit se hisse tellement haut que l’Idée domine radicalement et poétiquement la quincaillerie mise en branle pour donner naissance à la musique.

Pendant près d’une heure, Dhomont force l’attention. Voici donc l’avantage du disque. Car si on perd sur ses deux haut-parleurs la variété de l’orchestre de diffusion utilisé en salle, vous avez tout loisir, dans cette magnifique réalisation sur deux pistes, de prendre votre meilleur fauteuil et de vous y installer au moment où vous vous sentez le plus disponible à faire le petit effort exigé pour gravir cette montagne magistrale.

Au Cycle du son de Dhomont, on doit répondre par le «cycle de notre écoute». Là, la profondeur d’un univers se déploie galactiquement, rejoignant presque les conceptions astrophysiciennes du monde. Encore une fois, Dhomont réussit le miracle d’éviter le piège de la facilité, nous faisant saisir l’insaisissable qu’il recherche et auquel il touche, nous emmenant avec lui dans ses aspirations.

Encore une fois, Dhomont réussit le miracle d’éviter le piège de la facilité, nous faisant saisir l’insaisissable…

Review

Randall Smith, The WholeNote, no 7:5, 1 février 2002

Recollecting a sonic spirit that has evolved over 50 years of imagining, visioning and sensing, Francis Dhomont’s new CD Cycle du son takes us back to the roots of an unusual art form and returns us to the here and now, intact and enlightened. We are summoned by the jolt, forced to hear the distinctive characteristics of musique concrète of old before being led confidently into the present. After all, the first composition Objets retrouvés is a memorial to one of the inventors of the medium, Pierre Schaeffer.

Collectively the four compositions included here provide a sonic history of acousmatic art. The classic sounds are intertwined and juxtaposed with new inventions providing a palette of rich colours and dynamic tones.

Francis Dhomont, who divides his time between his native France and Canada, delicately weaves a kaleidoscope of sound objects, evolving fluidly and freely through a maze of juxtapositions and contrasts. From the waves of an ocean to the ripple created by a single drop of water he dramatically takes the listener through an experience that is both terrifying and serene. Dhomont’s skillful resources do not end with capturing the sound abjects themselves, however; even with such complex and dynamic sound material his attention to pitch relation and form leaves one firmly convinced of his mastery.

If I were asked to recommend a single CD to introduce one’s ear to the world of musique concrète, I would say Cycle du son. What Pierre Schaeffer revolutionized in France, Francis Dhomont continues to explore to new heights and this is a CD about which I can say without reserve, everything works.

If I were asked to recommend a single CD to introduce one’s ear to the world of musique concrète, I would say Cycle du son.

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