The Electroacoustic Music Store

Artists Stéphane Roy

The author of a book on electroacoustic music analysis (L’Harmattan, Paris, 2003), Stéphane Roy holds both a doctorate degree in electroacoustic composition and a PhD in musicology from the Université de Montréal where he has taught electroacoustic techniques and auditory perception for a few years. Back to Canada after spending close to five years in St Louis (Missouri, USA), he has tought music analysis at the Conservatoire de musique de Montréal. Stéphane Roy’s work has received awards from international competitions in Canada, the USA, and Europe. It has been released on a number of labels, including empreintes DIGITALes (Kaleidos, 1996; Migrations, 2003). Stéphane Roy has been invited to present his work in Europe and the Americas.

[ix-10]

Stéphane Roy

Saint-Jean-sur-Richelieu (Québec), 1959

Residence: Brossard (Québec)

  • Composer
  • Journalist

On the Web

Stéphane Roy, photo: Claudine Jomphe, Brossard (Québec), Wednesday, August 20, 2014

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In the Press

L’école de Montréal, 3/4

Bernard Girard, Aligre FM, Dissonances, March 30, 2004

Nous poursuivons notre découverte de la musique concrète, acousmatique produite par ce que l’on appelle l’école de Montréal. Nous avons souligné le rôle de la chaire de composition de musique électroacoustique dans la formation de toute une génération de compositeurs, chaire que Francis Dhomont a occupée pendant de longues années, mais qu’il n’a pas créée. C’est une canadienne, Marcelle Deschênes, qui en fut la première titulaire.

Comme beaucoup d’autres, Marcelle Deschênes a découvert la musique électroacoustique à Paris, au Groupe de recherches musicales de l’ORTF. De retour au Québec, elle a enseigné la perception auditive et a fait une carrière d’artiste multimédia. Elle s’intéresse aujourd’hui à l’intégration des technologies nouvelles aux arts de la scène ce qui l’a conduit à travailler sur un opéra. La discographie de Marcelle Deschênes est, si je ne me trompe, très courte. Je ne connais que deux disques d’elle, ce qui condamne à rêver devant les titres de ses œuvres, titres qui font penser qu’elle ne manque pas d’humour. Je pense notamment à Moll, opéra lilliput pour six roches molles, qui lui a valu un premier prix en 1978 au Concours international de musique électroacoustique de Bourges. Faute de disposer de cet enregistrement, je vous propose une œuvre plus récente, Lux æterna, qu’elle a dédiée à l’état d’âme des scientifiques de Los Alamos. Il s’agit d’une musique écrite, composée pour accompagner des spectacles multimédias qu’elle a réalisés avec Georges Dyens et Renée Bourassa. Comme son titre l’indique, ces spectacles traitent de la lumière, lumière éternelle, lumière primitive. Il est assez rare que des mots évoquant la lumière entrent dans les titres d’œuvres musicales. Il y a les six quatuors à cordes de Joseph Haydn, le Soleil des eaux que Pierre Boulez a composé sur des textes de René Char, les Chroniques de la lumière de Francis Dhomont… Les musiciens semblent préférer la pénombre des nocturnes… Mais il faut naturellement se méfier des titres.

Je ne suis pas sûr qu’un public auquel on aurait demandé de donner un titre à l’œuvre de Marcelle Deschênes aurait spontanément pensé à la lumière éternelle (Lux æterna).

Cette musique n’évoque pas forcément la lumière éternelle telle que nous l’entendons, mais elle paraît en phase avec les projets de Georges Dyens, un artiste qui s’intéresse aux forces telluriques, et pour lequel la lumière est, je cite, «matière révélatrice du monde mais aussi matière modelable au même titre que la glaise possédant un contenu spirituel.»

Marcelle Deschênes n’est pas la seule à s’être intéressée à l’art multimédia. C’est également le cas de Robert Normandeau qui enseigne aujourd’hui la composition électroacoustique à l’université de Montréal après avoir été l’élève de Marcelle Deschênes et Francis Dhomont.

La discographie de Robert Normandeau, né en 1955, est importante. Elle comprend des œuvres acousmatiques mais aussi des œuvres pour le théâtre et des musiques pour la radio.

Normandeau est de ces compositeurs de musique concrète qui se sont beaucoup intéressés à la voix, à son mystère, chaque voix est différente, à son épaisseur, à sa force émotive: les sons fabriqués, construits avec la voix ont toujours quelque chose de plus. Robert Normandeau a composé de nombreuses œuvres à partir de la voix, dont Bédé.

Il s’agit d’une œuvre composée à partir de ces sons, onomatopées, descriptions de bruits de chute, de coups, de sirènes… que l’on trouve dans les bandes dessinées prononcées par une enfant de onze ans. On observera que l’univers que décrit cette pièce courte, elle dure moins de trois minutes, n’est pas d’une grande douceur.

Ces citations de bruits empruntés au monde dessinée illustrent bien l’éclectisme des membres de l’école de Montréal. Robert Normandeau, Gilles Gobeil, Christian Calon, Alain Thibault, Mario Rodrigue… tous ces compositeurs nés dans les années 50 et formés dans les classes de Francis Dhomont et de Marcelle Deschênes ont une culture musicale complexe qui intègre le jazz, le rock et les musiques pop, la pratique de la guitare, de la musique populaire… Je ne veux pas dire que leurs collègues européens formés dans des conservatoires classiques, dédiés à la musique savante, ignorent ces musiques, ils les connaissent et il leur arrive également de les pratiquer, mais il est plus rare qu’ils les intègrent directement dans leur travail.

On trouve explicitement trace de cet éclectisme musical dans Constamment (autoportrait), une œuvre émouvante de Ned Bouhalassa, un compositeur qui a été l’élève de Francis Dhomont et de Kevin Austin. Constamment (autoportrait) reprend des sons familiers qui ont été ceux de l’enfance et de l’adolescence de Bouhalassa auxquels il adjoint une réflexion sur le métissage. Métissage des cultures chez cet enfant né d’une mère bretonne et d’un père algérien, métissage des musiques chez cet amateur de techno dont il nous dit qu’il en écoute quotidiennement et qu’il lui arrive parfois de danser dessus jusqu’aux petites heures du matin.

Constamment (autoportrait) date de 1997. Ned Bouhalassa avait alors 35 ans. Constamment (autoportrait) a été, comme beaucoup d’autres œuvres dont nous parlons aujourd’hui, composée dans le studio du compositeur. C’est une des caractéristiques de la musique de l’école de Montréal qui explique pour partie au moins son ton original. En France, les compositeurs travaillent dans des institutions, l’IRCAM, le GRM, le Grame de Lyon, le GMEM de Marseille… qui mettent à leur disposition des moyens techniques, des matériels, des techniciens et des bibliothèques de son. A Montréal, il en va tout autrement: le studio de l’université est réservé aux élèves et aux enseignants. Une fois diplômé, un musicien qui veut continuer de produire doit créer son propre studio. Ce qui a plusieurs conséquences.

Cela le force, d’abord, à constituer sa propre bibliothèque de son, à se faire reporter, preneur de son, ce qui l’amène à enregistrer son quotidien, son entourage, à travailler sur le motif comme les peintres impressionnistes qui posaient leur chevalet sur les bords de la Seine ou de la Marne. On retrouve, d’ailleurs, chez les compositeurs de l’école de Montréal ce goût pour le plein air, notamment dans ces œuvres que l’on pourrait qualifier de paysages, qui nous décrivent l’atmosphère si particulière de la capitale francophone d’Amérique du Nord. Fête d’Yves Daoust décrit l’été à Montréal. C’est un autre portrait de Montréal que nous propose Stéphane Roy dans Appartenances, une œuvre qui tente de mettre en évidence la richesse culturelle, la polyphonie d’une ville qui parle plusieurs langues, qui accueille et laisse vivre ensemble des gens d’origine très différente, une ville qui, enfin, échappe au conservatisme si fréquent en Amérique du Nord. Il s’agit d’une pièce en trois mouvements qui décrivent successivement les univers latins, celtes et orientaux de la ville. «Appartenances, explique Stéphane Roy, est issue de phonographies de cette mosaïque montréalaise, saisies à la volée lors de promenades dans les rues de la ville. J’ai fait, poursuit-il, usage de ces phonographies comme d’une matière sonore à l’état brut que le travail en studio m’a permis de modeler, de faire dériver vers une expression plus abstraite.»

Normandeau est de ces compositeurs de musique concrète qui se sont beaucoup intéressés à la voix, à son mystère…

La mouvance acousmatique

François Tousignant, Le Devoir, October 16, 2000

Première chose qui saute à l’oreille après le concert de jeudi soir: il y a bel et bien une «école de Montréal» en électroacoustique. Toutes les œuvres entendues au programme participent d’une même approche, celle lancée par Pierre Schaeffer. Cela consiste en le fait qu’il a fallu, pour le nouvel art qu’était la musique faite de sons enregistrés, manipulés ou électroniquement générés, définir un vocabulaire, inventer un solfège et composer un répertoire de sons et de manipulations sonores. Ce dernier point est malheureusement trop souvent confondu avec la composition elle-même, ce qui rend l’art alors un certain art acousmatique stérile.

Le programme s’ouvrait et se fermait avec deux extraits de Francis Dhomont. On ainsi voulu rendre un hommage à celui qui est de plus en plus reconnu comme le «fondateur» de cette école. À l’heure où il œuvrait à la Faculté de musique de l’Université de Montréal, quand on parlait de musique électroacoustique, le membre artistique de l’équation primait sur le technique.

Non seulement la musique de Dhomont reste-t-elle encore belle et jeune, mais diffusée ainsi en salle - Robert Normandeau!, sublime poète de la console! - sa dimension réelle éblouit avec autant de force que de sensualité, d’intelligence que d’inspiration. Peu importe le média, la grande musique, c’est cela. Mémoires vives, du ci-nommé Normandeau, est une pièce un peu rhétorique (je maintiens mon jugement antérieur), mais qui passe mieux en salle qu’au disque - comme tout le reste du programme d’ailleurs; après tout, on n’a chez soi que deux haut-parleurs plutôt que l’armada ici sollicitée et l’espace utilisé. Dommage pourtant que le climat fût brouillé par un impair technique, équivalent du trou de mémoire au concert «habituel» et qui a toutefois démontré que, oui, quelque part, ces machines à musique restaient humaines.

Le plus beau moment, là où vraiment on a senti une succession au maître fondateur, reste les Paysages intérieurs, de Stéphane Roy. Non seulement la «bande» est splendide, mais Normandeau s’est hissé à des sommets d’inspiration interprétative pour la rendre exceptionnellement sensible. On est pris par cette mouvance qui s’ouvre et qui nous ouvre, qui tourne qui appelle, parfois répond, et qui nous dit… que si on fait cette musique, c’est qu’elle doit être faite ainsi car le message ne saurait être livré autrement.

… il y a bel et bien une «école de Montréal» en électroacoustique.

Cet électroacousticien accumule commandes et créations

Dominique Olivier, SOCAN, Paroles & Musique, November 1, 1998

Deux pôles bien distincts orientent actuellement la vie du compositeur Stéphane Roy. D’une part l’électroacousticien compose intensisément accumulant commandes et créations tout en terminant une thèse de doctorat en musicologie. D’un autre côté il s’occupe activement de ses jeunes enfants — quatre ans et 2 mois — en restant à la maison. «Je compose le soir et la fin de semaine» précise Stéphane Roy. Cette entente qu’il a prise avec sa compagne lui permet de poursuivre une carrière déjà bien amorcée avant son départ du pays. «Je suis au Missouri, à Saint Louis, depuis un an et demi mais toutes mes commandes viennent encore du Canada», souligne-t-il. Au moment où je le rejoignais chez un ami, à Montréal, le compositeur enregistrait son œuvre mixte Inaccessible azur pour quatuor instrumental et bande, dans un studio de la Société Radio-Canada. La pièce était créée à Vancouver [par l’ensmeble Standing Wave le 29 mai 1997], et sera jouée, le 11 novembre à Toronto avec l’ensemble Continnum.

Stéphane compose, en ce moment, une autre œuvre pour cet ensemble dont le texte est tiré des Métamorphoses d’Ovide. «C’est un projet qui comprend cinq compositeurs, deux faisant de la musique mixte, dont moi. Après coup, sur ces musiques, un film va être fait. C’est l’inverse de ce qu’on voit habituellement. L’œuvre va quand même être autonome et sera présentée en concert». La création est prévue pour l’automne 1999. Le clarinettiste François Houle, de Montréal, lui a également commandé une œuvre mixte pour clarinette et bande «J’aime beaucoup la musique mixte. Je trouve qu’il y a énormément de choses à explorer du côté instrumental dans l’optique du mélange avec la partie électroacoustique. J’essaie de mettre sur le même plan la partie instrumentale et électro, c’est un peu mon dada.»

Stéphane Roy était de plus l’invité de la 4e édition de Rien à voir, mini-festival de musique électroacoustique organisé par Réseaux, qui a lieu deux fois l’an. Au concert qui lui était consacré, le 28 octobre dernier, on a pu entendre Paysages intérieurs (1988), Récit pour cordes (1998), Crystal Music (1994) et, en création, Trois petites histoires concrètes (1998), une commande de Réseaux inspirée du 50e anniversaire de la musique concrète.

… il y a énormément de choses à explorer du côté instrumental dans l’optique du mélange avec la partie électroacoustique.

Musique électroacoustique

François Tousignant, Le Devoir, January 20, 1996

Encore une fois, je m’excuse pour l’emploi de ce terme générique que plusieurs compositeurs utilisant autre chose que des instruments réfutent ou transforment. Je compte sur leur tolérance pour la non-uniformité du vocabulaire.

C’est la maison empreintes DIGITALes qui mène encore le bal, avec son producteur Jean-François Denis qui, lui, n’a pas froid aux yeux. Une bonne quinzaine de titres à paraître. Des compositeurs d’Europe, notamment Michèle Bokanowski et Hildegard Westerkamp (dont j’attends avec frénésie les résultats de son «écologie sonore»), et, choses à suivre tant par les adeptes que les curieux et les sceptiques, un disque consacré à des œuvres du Montréalais Stéphane Roy et un autre d’un de ses maîtres - un maître en soi -, la réédition sur CD de Sous le regard d’un soleil noir de Francis Dhomont. Entre parenthèses, il paraîtrait qu’une suite à cette œuvre soit en phase de réalisation et qu’on puisse l’éditer vers la fin de l’année. Rêvons et envoyons plein de «vibrations positives» au compositeur.

C’est la maison empreintes DIGITALes qui mène encore le bal…

Articles Written

  • Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998
    … magistral…
  • Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998
    Like the fairy tales themselves, this piece enchants and bewitches; certain enigmatic passages show to what extent the art of sounds is able to explain the unexplainable.
  • Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998
    … evokes in a highly poetic way the idea of departure…
  • Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998
    When we listen to these pieces we discover many things about music, and something of its breathtaking vertigo.

Review

Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998

In the autumn of 1996, the Montréal electroacoustic label [empreintes DIGITALes] released two new compact discs of the French [/] Canadian composer Francis Dhomont. These recordings present the two parts of a large-scale diptych, Cycle des profondeurs (“Cycle of Depths”), which the composer says may eventually expand into a triptych. The first CD is a new edition of Sous le regard d’un soleil noir (“Under the Glare of a Black Sun”), an acousmatic melodrama of more than 51 minutes in duration, realized between 1979 and 1981. The second is entitled Forêt profonde (“Deep Forest”), a more recent melodrama of more than 58 minutes in duration, composed between 1994 and 1996. For those who have followed the work of this important composer of rich electroacoustic works in the French acousmatic tradition (sometimes called “musique concrète”, though the two terms are not really equivalent), it is also worth noting the reissue of the out-of-print 1991 double CD containing his other major opus, Mouvances—Métaphores (“Mobility—Metaphors”). This work comprises two cycles: Cycle de l’errance (“Cycle of Wanderings”) and Les dérives du signe (“The Drift of the Sign”).

Sous le regard d’un soleil noir

Here, the black sun can burn the wings of those such as Icarus, who come too close. This is a tormented work, spotlighting the schizophrenic vertigo of the anguished self. It is not, however, a musical adaptation of a thesis about insanity; rather, this is true program music, extracting from its extramusical subject an expressive substance of a quality rarely achieved in acousmatic music. The probing of the depths, characteristic of psychoanalysis, has inspired this magisterial work in eight sections. The fine quotes heard throughout are taken mainly from the writings of British psychiatrist and psychoanalyst, Ronald D Laing.

In Sous le regard d’un soleil noir, Mr. Dhomont creates an enigmatic and dreamlike atmosphere, with the subject matter centered on the self. The drama is built up as the barrier crumbles between the self and the external world. The inner being is then invaded, or better, sucked into the black hole of schizophrenia: “One is inside then outside what one has been inside. One feels empty […] to eat and to be eaten to have the outside inside and to be inside the outside. But this is not enough […] and inside oneself there is still nothing.”

This is the worrying black sunrise, as torrid as the intensity of the drama it engenders. The drama takes many forms in the work. Among others, there is an obsessive pitch, B, whose timbre serves to express a searing anguish. There is also the breakdown of the self, evoked in the Engloutissement (“Engulfment”) of Section 2 by the immersion in fluid sonorities that are driven on to an asphyxiation of the personality, until only an inarticulate shadow remains at the bottom of the abyss. Then there is the Implosion of Section 4, and the progressive Pétrification of the personality in Section 7. The first sound of Citadelle intérieure (“Interior Fortress”), a heavy door that suddenly slams shut symholizes the walled-in isolation of the personality. Finally, there is the vocal counterpoint at the end of the same section, spread out in space as if this distant voice, fragile and almost inaudible, symbolizes the loss of contact between the self of the individual and the consciousness of its own existence.

… magistral…

Review

Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998

Once upon a time, in a deep, dark forest… Forêt profonde is an acousmatic drama in thirteen sections hased on The Uses of Enchantment by Bruno Bettelheim. Those appatrently innocent stories that bathed our childhood are really trees that hide from us the mysterious roots of the forest the deep roots of the soul that Francis Dhomont probes in his psychoanalytical reading of fairy tales. This composition superimposes a rich counterpoint of voices, texts, and languages. At the heart of its gripping sonic material, alternatively mysterious or reassuring, like a fairy tale, we hear the thirteen episodes march by, keeping us spellbound.

Francis Dhomont plays with archetypes in Forêt profonde, not only the ones brought up by the narration (death, happiness, courage, fear, and so on), but also those that are invoked by the underlying sounds. Thus, the archetype of comforting and appeasement, suggested by tender lullabies, is brusquely broken by the tragic and anguished character of unstable sonic morphologies. Like the fairy tales themselves, this piece enchants and bewitches; certain enigmatic passages show to what extent the art of sounds is able to explain the unexplainable. “What’s happening?” murmurs a strange, anxious young voice at the beginning. An undeniable reality hides behind the words that then reassure the child “‘tis nothing…’tis nothing, dear…try to sleep”—soft comfort which, like the happy endings of the fairy tales, turns us aside from the dark morbidity that hangs over our existence.

If these tow works from a diptych, it is because deep in each forest there burns a black sun. Depth and darkness, linked in a single semantic universe, join together in this Cycle des profondeurs to evoke an existentialist anguish that is our lot to share. While Sous le regard d’un soleil noir was inspired by an affliction that turns toward the pathological, Forêt profonde touches on the imaginary world of childhood and the hidden face of the fairy tales that have peopled it. In both, text and music are so well integrated, each extending its resonanees into the other, that it is impossible to disassociate them. On many occasions, we find a narrator giving “clinical” commentary, but no such dryness is sufficient to disturb the dramatic trajectory of the musical discourse. Rather these commentaries serve to articulate the evolution of the drama, providing clues to the listener for understanding the meanings of the symbols and archetypes deployed in the music.

Both discs are beautifully packaged in newly designed cardboard cases. The well-documented, bilingual booklets run 48 pages each, and include a listing of all citations and bibliographical references, and a detailed chronology of Mr. Dhomont’s works from 1972.

Like the fairy tales themselves, this piece enchants and bewitches; certain enigmatic passages show to what extent the art of sounds is able to explain the unexplainable.

Review

Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998

Mouvances~Métaphores was first released in 1991, but has long been out of stock. empreintes DIGITALes / DIFFUSION i MéDIA has released a second edition of this double-CD set. Completed between 1982 and 1989, this work contains two large cycles, Cycle de l’errance and Les dérives du signe. The new edition includes some remixing and a complete repackaging; the discs are now sold separately rather than together, and the original booklet, which ran to over 200 pages, has been divided between the two, with the lengthy, but by now outdated, tribute celebrating Francis Dhomont’s 65th birthday relegated to the status of collector’s item.

Cycle de l’errance evokes in a highly poetic way the idea of departure, of travel—real or imagined—and the existential sadness associated with it. Three works make up this cycle: Points de fuite (Vanishing Points), 1981 … mourir un peu (… dying a little), 1984; and Espace / Escape (a bilingual anagram, “espace” meaning “space”), 1989. Here, Mr Dhomont was in part inspired by his own experiences, as witnessed by his program note: “wandering both in its proper and figurative meanings — movement, change, mobility, roving dreams upheaval, and revivals—all weave the very material of my life.”

… evokes in a highly poetic way the idea of departure…

Review

Stéphane Roy, Computer Music Journal, no. 22:2, June 1, 1998

The other cycle, Les dérives du signe, includes four works Novars, 1989; Chiaroscuro, 1987; Météores (Meteors), 1989; and Signé Dionysos (Signed Dionysus), 1986, rev. 1991. These pieces make subtle play on the ambiguity generated by shifts in meaning. We find here misappropriations of pre-existing musical sources in Novars and Chiaroscuro, the synaesthetic transfer of the sensations of speed and kinetic energy in the morphological shapes of the sound materials in Météores and the clouding of the paths that lead from natural sounds to novel, artificial sounds in Signé Dionysos.

It is evident that Mr. Dhomont has a predilection for musical eyeles. Their themes allow us to understand some of the aesthetic concerns he has wanted to explore in his art. Throughout his treatment of these subjects, however, Francis Dhomont has never tried to preseribe any specifie way to listen to his music. Indeed, there is a perpetual concern in his music to encourage different listening strategies: formal, referential, programmatic, and so on. He has even tried to create unity between those diverse dimensions that can shape the musical work during the listening process. The program note Points de fuite serves as evidence of that fact:

Audition/reading on many Ievels:

1. Technical (kinetic study: glides in tessitura, mutations of masses, of densities; modifications of timbre; energetic eruption/dispersion; spatial mobility).

2. Impressionistic (encounters, crossings, fusion of heterogeneous events which carry similar connotations; trajectories, velocities, displacements; the near and the distant; the passage)

3. Symbolic (flight: running away; departure, wandering, lapse obliteration. The horizon, Kafka: Disappearing America).

4. Ad libitum…

To sum up, in these four CDs covering almost two decades of achievement, Francis Dhomont offers us acousmatic works of real substance that transcend very well the technological orientation implied by such music. When we listen to these pieces we discover many things about music, and something of its breathtaking vertigo.

When we listen to these pieces we discover many things about music, and something of its breathtaking vertigo.

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