The Electroacoustic Music Store

Artists Jean-François Laporte

Jean-François Laporte is a Quebecois artist, active on the contemporary art scene since the middle of the 1990s. He pursues an hybrid approach integrating sonic arts, musical composition, performance, interpretation, installation and digital art. Trained initially at the Université de Montréal (Québec), then at the IRCAM (Paris, France), he builds his compositional approach on active listening and observing of the reality of each phenomenon.

For the last ten years, he has invested a lot of energy to the development and to the building of new musical instruments that he integrates to his works and, since 2002, to his installations. He also works in collaboration with contemporary dancers.

Since he started in 1993, Jean-François Laporte has written more than sixty works that were premiered and performed both nationally and abroad. Him and his works have also received numerous prizes, of which many were given by the Conseil québécois de la musique (CQM), as well as first prizes to the international competitions Luigi Russolo (2003) and Citta’ di Udine (2004).

He is the founder, artistic and general director of Productions Totem contemporain (PTC), and his works are published by Babel Scores Publishing.

[viii-13]

Jean-François Laporte

Québec, 1968

Residence: Montréal (Québec)

  • Composer
  • Performer (invented instruments)

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In the Press

Jean-François Laporte: Philosophe du son

Laurent Catala, Octopus, February 1, 2009

Bien qu’estampillé compositeur électroacoustique, le Québécois Jean-François Laporte est avant tout un philosophe du son, un chercheur qui traque au cœur de la matière une authenticité qui l’a conduit à développer une réflexion très particulière autour d’instruments acoustiques inventés. Une démarche éminemment personnelle, mais néanmoins partagée, qui sera au cœur de sa performance le 26 février prochain au Point éphémère dans le cadre du festival Octopus — Inventeurs d’instruments.

«La musique, je ne l’invente pas. Elle existe naturellement.» À écouter, Jean-François Laporte, on devine rapidement que son statut de compositeur électroacoustique n’est pas une fin en soi. Musicien inventif, chercheur, philosophe presque, Jean-François Laporte a développé une expérience musicale personnelle qui tend à nourrir son expérience de vie.

C’est dans la recherche d’une certaine authenticité que la musique occidentale a un peu claquemurée dans un académisme formaliste qu’il situe son travail. Il perçoit celui-ci dans une grande complicité avec la matière sonore, dans le sillage d’une expérience familiale dans le domaine de la construction qui l’a rendu perméable à la notion de matériau. «Je suis plus intéressé par le son que l’instrument. J’ai eu beaucoup de difficultés avec l’enseignement instrumental, ça me paralysait beaucoup. Je trouve que dans notre culture occidentale, on a un peu mis la musique dans une boîte. On a développé des instruments où les impuretés ne sont plus là. Ça ne correspond pas à la réalité, alors que dans la musique extra occidentale, le souffle par exemple est intégré dans l’instrument, les parasites font partie de la musique et la rapprochent d’une réalité concrète.»

Du coup, venir à la musique électroacoustique pour travailler davantage sur le son en lui-même dans les années 90, avec des pièces comme Prana (1998), est apparu comme une évidence. Un choix en partie déçu et qui a conduit le compositeur à s’intéresser rapidement à un aspect instrumental beaucoup plus insolite. «À cette époque, j’ai fait beaucoup d’enregistrements in situ, dans des cathédrales, des bateaux, des silos, mais je trouvais ça trop virtuel, ça ne me donnait pas l’expérience de vie que je recherchais.»

Guidé par son attrait pour l’innovation et les nouvelles sonorités Jean-François Laporte se remet donc à l’instrumentation, mais en suivant son propre sens créatif. «À la base, inventer des instruments était un peu une provocation, un rapport de force. Dans le domaine de l’électroacoustique, je pensais qu’on pouvait créer des instruments d’une autre façon, et même faire autre chose que des instruments.» Jean-François Laporte écrit alors toute une série de pièces, pour joueurs de billes ou pour joueurs de baudruches (Dégonflement), puis en vient progressivement à inventer de nouveaux instruments pour des installations comme Khôra ou des pièces à quarante musiciens comme Tribal en 2002.

«À la base, inventer des instruments était un peu une provocation, un rapport de force.»

Des instruments ludiques et précis dans leurs potentialités

À la fois ludiques et particulièrement précis dans les potentialités timbrales qu’ils induisent, ces instruments prennent des formes diverses: Tu-yo, sorte de tubes recouverts d’une membrane de latex vibrante apportant une grande flexibilité en terme de résonance et de changements de paramétrage; Flying Cans, cannettes de bière perforées attachées au bout d’une corde et dont la vitesse de rotation module des harmonies; bols recouverts d’une membrane en latex sur laquelle souffle l’interprète; trompes-sax, liant un tube rigide à l’embouchure d’un saxophone, offrant ainsi une coloration sonore particulière (La plénitude du vide, en 2000): orgue de sirènes, instrument à vent continu incorporant sirènes de bateau et de camions avec une pédale de contrôle d’intensité.

«Je ne suis pas quelqu’un de possessif», précise Jean-François Laporte. «J’aime mettre à jour mes inventions pour en faire bénéficier les autres compositeurs.» Aussi, pour pérenniser ses instruments inventés et ses installations sonores, ainsi que pour soutenir le montage de pièces non conventionnelles les incorporant, Jean-François Laporte fonde en 2003 la structure Ensemble Totem Contemporain. C’est dans ce cadre qu’il continue de perfectionner ces instruments, travaillant notamment en ce qui concerne les bols et les Tu-yo sur des processus d’automatisation avec électro-vase et moteurs. «Je voulais retravailler une pièce comme Tribal mais avec un nombre réduit de musiciens sans diminuer pour autant le nombre d’instruments. C’est là que j’ai découvert tout le potentiel d’automatisation, de contrôle et de possibilités sonores, en terme de hauteurs, que je ne soupçonnais pas.» Un choix de davantage de contrôle pour toujours et encore se rapprocher de la nature intime du son et qui se traduit encore dans ses plus récents travaux sur des systèmes d’intelligence à partir de micros glissés dans ses instruments. «Cela permet un retour très précis sur ce qui se passe au niveau vibratoire, en terme d’intensité de sons que je peux traduire avec mon ordinateur.»

Dans le prolongement de ses recherches sonores, la matérialisation scénique reste néanmoins essentielle pour un créateur qui voit dans le concert un «événement total». «Quand je fais des concerts, j’ai envie de créer de la magie, de trouver de nouvelles dimensions spatiales en m’adaptant à de nouveaux lieux», comme ce fût le cas lorsqu’il dissémina Tu-yos et sirènes volantes autour de la place Royale de Montréal à l’occasion d’une performance. Une transposition sur les planches en quelque sorte de son désir de «nourrir son expérience de vie» qui va immanquablement se traduire lors de son concert du Point éphémère le 26 février prochain, où quatre œuvres insolites devraient être au programme: Rituel, une pièce à la Flying Can; Close Encounter, pour bol et traitement en temps réel, Waves, une composition pour deux Tu-yos et Spin, qui met en scène table tournante [tourne-disque] amplifiée et détournée. De quoi nourrir également notre propre “expérience sonore”, assurément.

Tilt!

Réjean Beaucage, Voir, November 9, 2006

Éric Mattson organise des concerts qui font le pont entre les pionniers des musiques expérimentales et ceux qui suivent leurs traces. Des mises à jour nécessaires. Quand la machine fait «tilt», c’est qu’elle reçoit trop d’information, qu’elle ne répond plus. Submergés comme nous le sommes par d’incessants flots d’information, nous en venons quelquefois à oublier le passé pour nous concentrer uniquement sur le moment présent, quitte à penser réinventer la roue.

Pour court-circuiter ce cercle vicieux, Éric Mattson recycle le passé en présentant des soirées hommages à des expérimentateurs d’hier, soirées auxquelles il convie aussi des artistes d’aujourd’hui qui poursuivent, souvent sans trop le savoir, le chemin ouvert par leurs prédécesseurs. Une démarche didactique qui remet les pendules à l’heure. «Didactique, répète-t-il, ça voudrait dire qu’il y a vraiment une volonté d’instruire… Ce n’est pas là que se situe la base du projet. Je veux surtout créer des rapprochements entre des artistes par des thématiques, ou, dans le cas de la série TILT, autour de disques qui ont été importants pour moi. Évidemment, comme ce sont des disques atypiques, ils peuvent encore aujourd’hui être découverts par beaucoup de monde, et là, oui, dans ce sens, on peut dire que c’est didactique. J’achète encore des disques tous les jours, alors forcément, je fais moi-même des découvertes que j’ai envie de partager, et en sachant ce qui s’est déjà fait, on peut aller plus loin.»

Le troisième programme de la série tourne autour des musiques électroacoustiques de la compositrice Micheline Coulombe Saint-Marcoux (1938-85), dont le travail sera évoqué par Jean-François Denis, qui fera entendre des extraits du disque Impulsion (Empreintes Digitales). On entendra ensuite Steve Bates, Diane Labrosse et Nelly-Ève Rajotte, qui présenteront leur propre travail. «J’ai bien dit aux artistes invités qu’ils n’avaient pas à se sentir dans l’obligation de ‘rendre hommage’, parce que s’ils sont là, c’est qu’il y a déjà une analogie entre leur propre travail et celui de l’artiste du passé dont on aura présenté le travail juste avant.»

Le quatrième programme est centré sur l’inventeur Hugh Le Caine (1914-77), un scientifique canadien qui a développé au Conseil national de recherche du Canada plus d’une vingtaine d’instruments de musique électronique. «Lorsque j’ai invité Jean-François Laporte pour ce concert, il ne connaissait pas vraiment le travail de Le Caine, bien qu’il ait remporté le Prix Hugh-Le Caine du Concours des jeunes compositeurs de la Fondation SOCAN en 1997. Et j’ignorais que Freida Abtan, aussi invitée, avait déjà réalisé une pièce inspirée par Le Caine!» Le troisième larron de cette soirée sera le platiniste Martin Tétreault, et le travail de Le Caine sera présenté par Gayle Young, sa biographe. «Il y aura aussi Goodiepal, poursuit Mattson, qui s’est ajouté parce qu’il passe par ici avant d’aller donner un concert aux États-Unis. C’est un artiste danois très original, un inventeur extraordinaire dont le travail s’inscrit parfaitement dans le cadre de cette soirée.»

Éric Mattson: «En sachant ce qui s’est déjà fait, on peut aller plus loin.»

Des concerts qui laisseront peut-être à leur tour des traces sur disque, Éric Mattson étant aussi derrière l’étiquette Oral.

En sachant ce qui s’est déjà fait, on peut aller plus loin.

Review

Jeremy Keens, Ampersand Etcetera, no. 2001_18, November 1, 2001

Metamkine seem to have returned to normal scheduling — the last one we looked at was in 2001_04. To recap for the uninitiated, the collection “Cinema pour l’oreille” is a growing set of 3” cds which engage with the diverse electroacoustic, musique concrète genre. The format allows for a focused presentation. There was a slight production hiatus after 25, but with a new cover format and a retrospective sampling (Mantra have returned as strong as ever.

And this is a great release — as the name suggests it is a more stable piece: it is 22 minutes of engrossing minimal drone based sound. It ends with a bell briefly peeling, which suggests that the previous sounds are possibly processed ringing. However what we hear after a brief spooky opening that sounds like a lift and then a gathering of buzzing sounds that build into a strong deep drone. It has a sense of pulsing beat in it, and swirling around are lighter, higher overtones and other puttering drones.

This forms the base for the whole piece, with subtle and more obvious changes throughout — at around 10 minutes it settles into a deep and mysterious mood, or at 15 when a rapid ringing joins in and continues to the fade: while there is a continual weaving of elements between figure and ground. I have listened to this at least 6 times since picking it up a couple of days ago, and am constantly drawn into its slow unfolding and refolding. The sound palette is restricted but the pace and mod are hypnotic: as you would expect from a mantra. Highly recommended member of an essential series.

Highly recommended member of an essential series.

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