The Electroacoustic Music Store

Louis Dufort More from the Press

In the Press

Concert électrochocs: poésie musclée

Pierre-Luc Senécal, Voir, April 15, 2016

Jeudi soir, une cinquantaine de personnes s’étaient réunis dans la Salle multimédia du Conservatoire de musique de Montréal pour apprécier la musique de deux de ses professeurs. Enseignant tous deux la musique électroacoustique au Conservatoire, Louis Dufort et Martin Bédard offraient une programmation de quatre pièces, rassemblant deux styles très différents d’une musique acousmatique de qualité.

Champs de fouilles occupe une place particulière dans le catalogue de Martin Bédard. Cette commande pour le 400e anniversaire de la ville de Québec, la plus saluée de toutes ses compositions, était l’occasion pour le compositeur d’avoir une approche moins abstraite que ce qu’il fait à l’habitude. Inspiré par les fouilles archéologiques menées à Québec durant sa visite, Bédard a intégré dans sa pièce des sons enregistrés dans la ville (marteaux-piqueurs, train de passage, vol des oies blanches) mais aussi des échantillons d’une pièce de Monteverdi datant de 1608, année de la fondation de Québec. Une fois ces sons transformés par des outils numériques et assemblés dans un logiciel, ce n’était pas une carte postale sonore qui était offerte, mais plutôt une métaphore musical, sorte de Québec rêvé. Très gestuelle, cette musique est marquée par des «croustillements» de métal, des blocs de sons virevoltant sur les haut-parleurs, des trames pesantes qui se subliment en vapeur d’harmonie, comme si l’on découvrait des trésors sonores enfouis sous la terre.

Avant de présenter Kissland, Bédard mentionnait, lors d’une conférence d’avant-concert, sa pièce Métal fatigue, composée en 2012. Il partageât avec nous les apprentissages découlant de cette pièce qui, malheureusement, pêchait par son excès de sons. Dans Kissland toutefois, en création ce soir-là, les gestes musicaux sont plus épurés et clairs. La musique respire et la ré-écoute confirmerait sans doute que l’œuvre a réussi là où Métal fatigue a manqué. Plus d’un aura remarqué le niveau de diffusion assez conservateur de la part de Bédard, de même que des graves plutôt envahissantes.

À l’inverse, Louis Dufort a opté pour un niveau sonore assourdissant mais des basses ciblées avec précision. Dans Into the forest my wounded arms wide open, Dufort met la table en nous malmenant avec un rythme de basse fantastique. Cet héritier de la musique électronique nous fait taper du pied énergiquement avec ses beats couillus, jusqu’à ce qu’un geste énorme et déchirant, comme un tutti d’orchestre, nous plonge dans un torrent d’instruments à cordes, de cui-cui d’oiseaux et de chuintements bruités. Ça éclate. Ça arrache. Ça sature, mais ce fou du son s’en fout. Ce soir, avec Dufort, on ne fait pas dans la dentelle!

2e preuve à l’appui: Tombeau de Claudio Monteverdi, sa seconde pièce de la soirée. Inspiré par les œuvres de Monteverdi, compositeur du XVIe-XVIIe siècle, Dufort présentait une pièce électronique rappelant la proposition de Necropolis, composé par le suédois Åke Parmerud. Dans les deux cas, les compositeurs se sont plus à passer dans le hachoir des extraits de pièces classiques afin de les ré-arranger et se les ré-approprier. Ainsi, avec des mélodies de synthétiseur bien cheesy à la Tron et des coups de kick viandeux, Dufort nous concocte un cheeseburger techno facilement digérable et surtout très satisfaisant. La fin, plus douce, repose sur des rythmes de voix fragmentées. Apprêté à la sauce électronique moderne, ce segment respire, se superposant avec d’autres trames éthérées qui rappellent justement l’écriture contrapuntique propre à la musique de la Renaissance et du baroque.

… deux styles très différents d’une musique acousmatique de qualité.

Louis Dufort: À l’intérieur du son

Guy Marceau, SOCAN, Paroles & Musique, December 21, 2013

De l’infiniment petit à l’infiniment… sonore, la formule sied bien au compositeur Louis Dufort. Car à tenter de savoir ce qui inspire le créateur en électroacoustique, sans être réducteur, équivaut presque à percer le secret du Boson de Higgs! Qu’importe, puisque dans son cas, la démarche est souvent plus importante que le résultat.

Ce n’est pas un hasard s’il n’a jamais manqué de travail depuis sa sortie de l’Université de Montréal en J997, année où la Fondation SOCAN le récompensait pour sa pièce Concept 2018957. Quelque 60 créations originales plus tard pour les principaux ensembles de musique contemporaine, ici et en Europe, un poste d’enseignant au Conservatoire de musique de Montréal et une collaboration de presque 20 ans avec la danseuse et chorégraphe Marie Chouinard, voilà un acteur bien en vue de la scène artistique contemporaine.

Sa nouvelle création, une cinquième commande en carrière de l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), donne le prétexte parfait pour tenter de comprendre le maelstrom dans lequel plonge son esprit au moment de créer. Le 24 janvier prochain, il présentera Les corpuscules agglutinés pour 10 instruments acoustiques. Préambule et explications du principal intéressé: «Aujourd’hui, je parle beaucoup plus en termes d’énergie et de matière plutôt que simplement de structure de notes, lance Louis Dufort, qui travaille dans une certaine abstraction. Il y a un temps où je faisais de la musique à programme, comme sur mon premier album connexion (empreintes DIGITALes), des pièces très dramatiques et narratives (Zénith, 1999, œuvre acousmatique) où l’on pouvait percevoir une histoire défilante. Je donnais à l’auditeur des vecteurs perceptifs très forts et faciles à saisir, comme du cinéma pour oreilles. J’étais dans ce paradigme, mais ça a vraiment changé.» On peut placer cette césure dans la période 2.0 du compositeur, et la situer au début des années 2000. «Ce qui a vraiment changé, c’est son désire de trouver de la beauté dans la structure plutôt que dans un aspect extramusical.

Musique organique et organicité

Il poursuit: «J’accède à l’intérieur du son pour entrer dans la matière et en faire d’autres sons. L’ordinateur nous permet maintenant de pénétrer la note. Par exemple, si on fait l’analyse d’une note de trompette, on se rend compte que les premières millisecondes sont du bruit, mais qui font partie du son.» Son terreau d’inspiration passe donc maintenant par l’infiniment petit, alors qu’il découvre une nouvelle sensibilité. La biologie, la configuration des éléments de la nature ramenés dans ses plus infimes détails (vus sous la loupe du microscope, notamment), les vues macroscopiques des micro-organismes et l’organisation chaotique naturelle des éléments sont devenus des modèles structurels pour les assises de sa musique.

«À force de jouer en temps réel avec l’ordinateur, on est littéralement en symbiose avec la matière; il y a une co-émergence entre le compositeur, son écoute, sa perception, et son contrôle paramétrique sur le son. Ma main contrôle les paramètres du son, qui me renvoient une image perceptive, et cette image va contrôler les changements paramétriques que je vais faire.» Louis Dufort précise qu’il applique aussi ce processus à ses œuvres mixtes, à la vidéo dans une approche syncrétique, non littérale, avec la musique. «Le mouvement de la vidéo est entrepris par le mouvement des ondes produit par le son. À mettre deux médiums dans une même relation dynamique permet cette connexion directe et physique entre le son et l’image, alors que le visuel suit la courbe dynamique du son pour obtenir une synchronicité.»

Dans le spectre sonore

Voilà pour l’explication. Mais pour Les corpuscules agglutinés, Louis Dufort appliquera son processus d’écriture à des matériaux acoustiques. «Je remarque que mon écriture pour les instruments acoustiques devient de plus en plus épurée, dans la recherche de l’harmonique, d’une musique plus spectrale, modale, au sens des modes anciens. Et on le remarque aussi chez la communauté des jeunes compositeurs qui ne recherchent plus tant les dissonances qu’on retrouvait dans l’écriture musicale des années 60 ou 70. Ces dissonances se sont adoucies. J’ai envie (et je nesais pas si je vais y arriver!) de créer une œuvre sur une notee, poursuit-il en riant, et de travailler seulement sur le timbre, la couleur.»

Bien que l’œuvre soir encore en chantier, la spatialisation est déterminée: les musiciens ne seront pas sur scène, mais positionnées tout autour du public. «Dans Les corpuscules agglutinés, je veux rester dans le microscopique, et faire entendre des particules sonores; la spatialisation rend possible cette musique immersive: particules sonores, corpuscules, agglutination, masse. C’est le concept global de la pièce.»

D’ici la fin de l’année scolaire, Louis Dufort travaille sur certains projets personnels en vidéo / audio qu’il aimerait bien faire circuler dans les festivals internationaux européens. Siégeant au conseil du festival Elektra, voilà une courroie de transmission idéale pour les musiques et productions visuelles technologiques qu’il explore de plus en plus. «En mai, je tire la “plug” pour me lancer, et aussi travailler sur des nouvelles œuvres pour un prochain album chez empreintes DIGITALes. Et puis j’ai envie de voyager, mon fils a maintenant 18 ans!» Par ailleurs, la musique composée pour le spectacle de Marie Chouinard (Gymnopédies et Henri Michaux: Mouvements) continuait-elle aussi à voyager outre-mer en novembre et décembre ainsi que janvier prochain en France, Belgique, Pays-Bas, et Hongrie. Du reste, Louis Dufort écrit beaucoup, question de documenter ses processus de travail, et de laisser une trace en publiant le fruit de ses recherches dans des revues spécialisées. La connaissance de la création pure en musique contemporaine ne s’en portera que mieux!

J’accède à l’intérieur du son pour entrer dans la matière et en faire d’autres sons.

Louis Dufort: vous avez bien dit néguentropique?

Alain Brunet, La Presse, February 21, 2013

Quatuor à cordes, bande électroacoustique, vidéo de synthèse en 3D: telles sont les composantes de l’œuvre pluridisciplinaire que suggère Louis Dufort, ce vendredi à la Salle Bourgie. Présenté une première fois en juin 2011, Quatre histoires néguentropiques est le seul projet du genre intégrant toutes les pratiques créatives du compositeur.

Louis Dufort rappelle son rapport à la danse contemporaine:

«Une mes activités artistiques consiste à créer des environnements sonores pour cette discipline; à ce titre, j’ai créé les sons d’une dizaine de productions de Marie Chouinard. Ce qui explique la participation de Lucy M May, qui travaille avec Marie. Il y a deux ans, cette dernière faisait partie du spectacle — alors que Lucy sera seule, cette fois.»

Louis Dufort rappelle sa pratique de vidéaste d’art:

«Depuis tout petit, je m’intéresse aux arts visuels et aux œuvres immersives. Ça fait au moins une quinzaine d’années que j’intègre de la vidéo à mes œuvres. À MUTEK, par exemple, j’ai fait une performance pour 10 écrans. Ça s’inscrit dans un continuum.»

Continuum… néguentropique, Louis Dufort?

«Néguentropique, répond-il, est l’inverse d’entropique. Cela désigne une force permettant de maintenir les parties d’un ensemble au lieu de laisser se dissiper. Dans le cas de ce projet, il s’agit de réunir les différentes pratiques et les faire évoluer de manière cohésive.»

Quant à la musique pour bande électroacoustique et le quatuor à cordes Chorum (Emmanuel Vukovich et Lizann Gervais, violons, Marina Thibeault, alto, Raphaël Dubé, violoncelle), le compositeur l’a envisagée selon les explications qui suivent:

«J’ai voulu ouvrir une parenthèse à mon travail que je qualifierais de maximaliste, c’est-à-dire assez complexe, touffu, inspiré de l’approche systémique. Cette fois, au contraire, j’explore la simplicité à travers quatre «histoires», musiques plutôt ambient qui peuvent se rapprocher de la musique répétitive américaine ou du minimalisme techno d’artistes comme les Suédois Adam Beyer et Cari Lekebusch, de l’Italien Marco Carola. Musiques répétitives, abrasives, très groovy, qui génèrent une sorte de transe. Il y a un fond de groove dans mes affaires!»

Plus précisément, la musique de ces «histoires néguentropiques» se décline comme suit:

«J’ai créé des motifs répétés à la manière d’ostinatos. Les parties éthérées de la pièce se transforment à travers des ritournelles dont l’amplitude ne cesse de croître, mais sans processus de déphasage à la Steve Reich. Ainsi, j’ai cherché à atteindre une sorte de stabilité d’écoute, suspension totale propice à des changements de dynamique.

«Harmoniquement, toutes sortes de choses se produisent pour le quatuor à cordes. Pour ce, je me suis entre autres inspiré de l’harmonie des sphères (Pythagore), qui défend cette idée que l’univers se conçoit sur des rapports numériques harmonieux. Plus concrètement, cette musique est plutôt modale, soit d’apparence plus ancienne; cela diffère de la musique classique européenne (tonale). Dans cette même optique, le jeu du quatuor à cordes peut rappeler des musiques baroques ou anciennes — absence de vibrato, évocation de la viole de gambe ou même de bois flûtés, etc. Un jeu très délicat, en quelque sorte. Enfin, en guise d’opposition, les parties du quatuor sont entrecoupées de musiques électroacoustiques qui durent environ deux minutes et qui se veulent des contreparties très dynamiques.»

En somme?

«Pour que la totalité d’un tel spectacle puisse présenter de la complexité, chaque discipline impliquée doit présenter des formes simples d’apparence. Présentées de manière plus éthérée, plus lente, moins bousculée.»

Alors? On respire par le nez (guentropique!) et on ouvre bien grand les yeux et les oreilles…

Musique d’ameublement

Réjean Beaucage, Voir, February 12, 2009

La musique de Louis Dufort sur disque, au Festival Montréal en lumière ou au Festival Montréal/Nouvelles Musiques (MNM). Incontournable.

L’étiquette empreintes DIGITALes lançait [au début] de l’année 2008 Matériaux composés, deuxième disque de Louis Dufort qui présente un style assez différent de ce que l’on trouvait sur le précédent (Connexion, 2000).

«Le premier disque était axé sur une recherche d’émotions fortes, explique Dufort, avec une écriture presque wagnérienne, pour aller chercher le drame, l’émotion vive, dès la première écoute. Sur le deuxième, le travail est davantage axé sur le mouvement. J’ai voulu laisser plus de place aux allégories et aux métaphores.» Grâce au format DVD-Audio, on peut écouter le disque aussi bien en stéréo qu’en 5.1, un format qui permet de goûter pleinement le travail de l’électroacousticien.

Mais la musique de Louis Dufort s’écoute aussi en salle, et on pourra le faire en ouverture du Festival Montréal en lumière, alors que la Compagnie Marie Chouinard présentera une reprise de la plus récente œuvre de la chorégraphe, Orphée et Eurydice: «On l’a beaucoup retravaillée, commente le compositeur, alors ce sera presque une création! Il y a toujours de la performance chez Marie, mais ici il y a un aspect un peu plus théâtral, il y a d’ailleurs un narrateur qui raconte une partie du mythe d’Orphée, il y a un éclatement de la forme qui se reflète aussi dans la musique. J’ai fabriqué une «musique d’ameublement» à la Satie, avec beaucoup d’échantillonnages d’instruments anciens. J’étais inspiré par l’idée de la Grèce ancienne, bien sûr, mais aussi par le mythe du couple, à travers le Moyen Âge et la Renaissance. J’ai aussi échantillonné la trompettiste Manon Lafrance, et par moments, il y a cent Manon Lafrance!» La collaboration entre Dufort et Chouinard dure depuis déjà plusieurs années et s’avère très fructueuse, et extrêmement variée. «On ne se dit jamais: “Faisons quelque chose de différent”, ça se fait de façon très naturelle.» Ajoutons que le compositeur travaille actuellement avec la chorégraphe sur son prochain projet pour lequel on la retrouvera en solo! À voir (et entendre) plus tard cette année.

Ajoutons enfin que l’on pourra découvrir une nouvelle œuvre mixte de Louis Dufort lors du prochain concert de l’Ensemble contemporain de Montréal+, le 21 février dans le cadre de MNM, et que l’on peut découvrir la musique de ses élèves au Conservatoire de musique dans la toute nouvelle salle multimédia de l’institution (c’est le premier concert qu’on y donne), ce jeudi 12 février, 20h.

J’ai fabriqué une «musique d’ameublement» à la Satie, avec beaucoup d’échantillonnages d’instruments anciens.

Music is Movement

Gayle Young, Musicworks, no. 101, June 1, 2008

[Article Summary] Louis Dufort’s videomusic piece Épochè, presented at Montréal’s Elektra Festival in 2008, encapsulates his experience of sound as duration and movement in space. The video, created in 3D programming, and presented on a huge screen, features music comprising transformed and abstracted brass sounds, sometimes massive and sometimes ethereal. His newest recording, Matériaux composés, is a DVD-Audio disc featuring 5.1 surround sound, which provides a three-dimensional listening space for the home listener. Dufort has collaborated with choreographer Marie Chouinard, creating major works which have received international recognition. He is also a member of Montréal Sound Matter, an artist collective that has produced several concerts and sound installations. He increasingly feels drawn to the sounds of acoustic instruments, inviting musicians to record in his studio. He has composed works for Quatuor Bozzini, Quasar saxophone quartet, and Ensemble de flûtes Alizé, among others. For Dufort, music is an aural and experiential phenomenon with links to the oral tradition of story.

For Dufort, music is an aural and experiential phenomenon with links to the oral tradition of story.

Festival international de musique actuelle de Victoriaville: Day 3

John Kelman, All About Jazz, May 21, 2007

With a festival as inherently risk-taking as the Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV), it’s a given that some shows will work better than others. There may also be failed experiments, but it’s to the festival’s credit that it doesn’t rely on the tried-and-true. Invariably, even the less-successful performances are, at the very least, worth checking out.

Day three of the 24th edition of FIMAV was all about operating without a safety net — and, as usual, within a wide array of musical contexts — with some of this year's most and least successful shows yet. […]

Victoriaville matière sonore

Contrasting with Signal Quintet’s performance, Victoriaville matière was a strong idea on paper that didn’t always succeed in the implementation. The premise was good: construct a forum for a number of composers/sound artists to create individual pieces based on field recordings made around the Victoriaville area. Have the process overseen by renowned experimental blender of natural and industrial sounds, Francisco López, and link the pieces together into a single work with a broader overriding arc. In addition to López, Aimé Dontigny, Louis Dufort, Chantal Dumas, Steve Heimbecker, Mathieu Lévesque, Hélène Prévost and Thomas Phillips all contributed to the 90-minute show.

Similar to the Theresa Transistor performance on Day Two, but in the larger Colisée venue, the artists were placed in the center of the hall, surrounded on all sides by the audience and with a sound system facing in around the periphery of the hall. With the equipment setup on a riser with minimal blue lighting, there was little for the audience to watch, encouraging it, instead, to simply absorb the sounds without visuals and to find meanings on a more personal and imagination-driven level.

The eight pieces were linked by a nature recording of birds, used to allow one artist to leave the center stage so that the next could take his/her place. Other than FIMAV CEO and Artistic Director Michel Levasseur’s usual spoken introduction to the show, there was no applause between pieces, nor was there any announcement of order of events, so it was impossible to know whose pieces belonged to whom.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied. Like Theresa, equal importance was given to where individual sounds appeared and to how they traveled around the aural landscape. The problem was that, to a large extent, the approaches used were obvious and often overly dramatic. Lacking the nuance of Signal Quintet (and, because these were solitary pieces, the interaction of the earlier performance), the overall levels were high, the sounds often overly dense and the collages often too busy for the listener to sense any sort of unified statement.

Sometimes it’s good to make the audience come to the music rather than the other way around, and a better balance of dynamics and more discernable narrative for each piece would have made the entire show more successful. Still, credit is due for an imaginative experiment that, some shortfalls notwithstanding, was well worth pursuing.

Intriguing sounds were many and diverse, ranging from the natural to the artificial, and there was considerable processing applied.