The Electroacoustic Music Store

Connexion Louis Dufort

  • Total duration: 65:25
  • UCC 771028005123
  • Canada Council for the Arts • SODEC

Décap: Prix Ars Electronica 2001 — Mention

Prix Opus 2000-01: Disque de l’année — Finaliste

Félix 2001: Musique électronique — Nomination

MiMi 2001: Musique électronique — Nomination

Object, body, color and sound anecdote give rise to plays of perception that envelope the listener.

Connexion

Louis Dufort

IMED 0051 / 2000

Some Recommended Items

In the Press

  • François Couture, electrocd.com, March 22, 2004
    Québécois electroacoustic music has earned a place in the hearts of avant-garde music lovers everywhere…
  • PYM, Peace Warriors, no. 18, January 1, 2002
    Il faut savoir gré au label canadien empreintes DIGITALes de proposer un catalogue de musiques électroacoustiques de qualité…
  • Réjean Beaucage, Voir, November 8, 2001
    … chaudement recommandé…
  • Rigobert Dittmann, Bad Alchemy, no. 38, September 1, 2001
  • MB, Testcard, no. 10, August 20, 2001
  • Zipo, Aufabwegen, no. 31, August 20, 2001
  • Julien Jaffré, Monotrains & Satellites, no. 6, August 8, 2001
    Ses compositions électroacoustiques et atmosphériques sont empruntes d’angoisse, d’images pesantes et d’accalmies majestueusement fluides et dynamiques…
  • Gianfri, Darklife, no. 6, August 8, 2001
  • Julien Jaffré, Jade, August 1, 2001
    La limpidité de ses travaux offre un profond vertige soucieux d’allier tradition et modernité… Impressionnant.
  • François Couture, All-Music Guide, August 1, 2001
    … an artist who could rise up to become a singular member of the electroacoustic community.
  • xenya, De:Bug, May 24, 2001
  • Wolfgang Fuchs, Skug, no. 47, May 9, 2001
  • Ingvar Loco Nordin, Sonoloco Record Reviews, May 5, 2001
    A point of stark listening pleasure is reached…
  • Stewart Gott, Flux Europa, April 1, 2001
    An education for the ears and a tonic for the mind…
  • Andy Hamilton, The Wire, no. 206, April 1, 2001
    … four dazzling dramatic compositions…
  • Jeremy Keens, Ampersand Etcetera, no. 2001_6, April 1, 2001
    … sheer exhuberance.
  • Tom Wilms, L’entrepôt, March 10, 2001
    … hybrid and unbridled musical experimentation…
  • Henry Schneider, Vital, no. 258, January 15, 2001
    … quite impressive…
  • Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 46, December 1, 2000
    Sa musique enlace l’auditeur, le transperce, saisit ses sens…
  • Richard di Santo, Incursion Music Review, no. 016, November 19, 2000
    … these recordings have piqued my interest…
  • Geert De Decker, Sztuka Fabryka, November 1, 2000
    Strong electronic music full of tension.
  • Catherine Perrey, Ici Montréal, no. 4:1, September 21, 2000
    Du mouvement, de l’allant. Bref de l’électroacoustique habitée et invitante.

Electroacoustics, the Quebecois Way

François Couture, electrocd.com, March 22, 2004

The grass is always greener on the other side of the fence, right? Wrong — at least when it comes to electroacoustics, the beautiful province of Quebec compares very well to any other region of the world. Call me chauvinistic, I don’t care: Quebec is home to several composers of tremendous talent and influential professors.

My goal is not to turn this article in an analytical essay, but, as a music reviewer and unstoppable listener, I am convinced that there is such a thing as Québécois electroacoustics. Despite the stylistic variety among our composers, I detect a Québécois “sound,” something that sounds to me neither British nor French or German; something that calls to me and speaks to me in a language more immediate and easier to understand.

This “unity in diversity” is probably, at least in part, due to the lasting influence of a small number of key composers whose academic teachings have shaped our younger generations. I am thinking first and foremost of Francis Dhomont and Yves Daoust. So let’s begin this sound path with a Frenchman so Québécois at heart that he was awarded a prestigious Career Grant from the Conseil des arts et lettres du Québec. I can sincerely recommend all of Dhomont’s albums: his graceful writing, his narrative flair and his intelligence turn any of his works into fascinating gems. I have often publicly expressed my admiration for Forêt profonde (including in my first Sound Path, so I will skip it this time), but Sous le regard d’un soleil noir, his first large-scale work, remains an international classic of electroacoustic music, and his more recent Cycle du son shows how close to perfection his art has grown — the piece AvatArsSon in particular, my first pick for this Sound Path.

If Dhomont’s music is often constructed following large theoretical, literary and sociological themes, Yves Daoust’s works lean more toward poetry and the anecdote. Most of his pieces betray his respect for the abstractionist ideals of the French school, but his seemingly naive themes (water, crowds, a Chopin Fantasia or a childhood memory) empower his music with an unusual force of evocation. His latest album, Bruits, also displays a willingness to grow and learn. One is tempted to hear the influence of his more electronica-savvy students in the startling title triptych.

To those two pillars of Quebec electroacoustics, I must add the names of Robert Normandeau and Gilles Gobeil. Normandeau is a very good example of what I consider to be the “typical” Québécois sound: a certain conservatism in the plasticity of sounds (the result of the combined influence of the British and French schools); great originality in their use; and an uncanny intelligence in the discourse which, even though it soars into academic thought, doesn’t rob the listener of his or her pleasure. My favorite album remains Figures, in part because of the beautiful piece Le Renard et la Rose, inspired by Antoine de Saint-Exupéry’s novel Le Petit Prince – and also because of Venture, a tribute to the Golden Age of progressive rock (a pet peeve I share with the composer, might I add). As for Gobeil’s music, it is the wildness of wilderness, the turmoil of human passions, the sudden gestures, the copious splashes of sonic matter thrown all around. If La mécanique des ruptures remains an essential listen, his most recent album Le contrat, a collaboration with guitarist René Lussier, stands as his most accomplished (and thrilling!) work to date.

These four composers may represent the crème de la crème of academic circles, but empreintes DIGITALes’ catalog counts numerous young composers and artists whose work deeply renew the vocabulary of their older colleagues.

I would like to mention Fractures, the just released debut album by Christian Bouchard. His fragmented approach seems to draw as much from academic electroacoustics as from experimental electronica. Thanks to some feverish editing and dizzying fragmentation, Parcelles 1 and Parcelles 2 evoke avant-garde digital video art. I also heartily recommend Louis Dufort’s album Connexions, which blends academic and noise approaches. His stunning piece Zénith features treatments of samples of Luc Lemay’s voice (singer with the death-metal group Gorguts). I am also quite fond of Marc Tremblay’s rather coarse sense of humor. On his CD Bruit-graffiti he often relies on pop culture (from The Beatles to children’s TV shows). His piece Cowboy Fiction, a “western for the ear” attempting to reshape the American dream, brings this Sound Path to a quirky end.

Serious or facetious, abstract or evocative, Québécois electroacoustic music has earned a place in the hearts of avant-garde music lovers everywhere. Now it is your turn to explore its many paths.

Québécois electroacoustic music has earned a place in the hearts of avant-garde music lovers everywhere…

Critique

PYM, Peace Warriors, no. 18, January 1, 2002

Il faut savoir gré au label canadien empreintes DIGITALes de proposer un catalogue de musiques électroacoustiques de qualité, quoique certains choix esthétiques soient — comme nous allons le voir — assez discutables. C’est que nous avons affaire à une musique fondamentalement académique — cela dit sans intention péjorative —, domaine dans lequel il n’est pas toujours évident de faire la part d’authenticité et la part de frime. Le disque de Louis Dufort illustre parfaitement le mélange d’agacement et de fascination que provoque sur moi cette musique: fascination pour ce déluge de sonorités, très belles et surgies de nulle part, agacement à l’égard de cet arrière-plan conceptuel un peu douteux: «discontinuité continue», «foisonnement formel de la forme», etc. Bien entendu, ce ne sont que des mots (écrits dans le livret), mais nul doute qu’ils sont à la fois responsables et révélateurs de la frigidité qui se dégage à l’écoute du disque, la pièce Zénith exceptée. Une frigidité moins évidente au premier abord chez Hans Tutschku. Extrémités lointaines (1998), la composition qui ouvre le disque, trahit une brillante maîtrise du matériau acoustique: des ambiances prélevées dans quatre pays d’Extrême-Orient (Singapour, Indonésie, Philippines, Thaïlande) sont intégrées avec brio dans une «structure compositionnelle très condensée» (T.) qui fonctionne comme une invitation au voyage. Il est néanmoins dommage que cette invitation ne soit effective qu’à compter des dernières minutes de la pièce, remarquables, au cours desquelles chaque élément acousmatique trouve l’indépendance et la place qui lui revient, là où au contraire la maturité de la pièce tendait à fondre les sonorités dans une espèce de bourrasque sonore. Tout aussi inspirée, la pièce Les invisibles (1996) part d’une idée trés intéressante: la reconstruction électronique de miniatures instrumentales préalablement composées. Double écriture qui enrichit considérablement le discours, pour le plus grand plaisir de l’auditeur. Le problème se pose lorsque voix et texte viennent mettre leur grain de sel dans tout cela: il s’agit pour Tutschku de «reproduire musicalement des sensations qui se dégagent à la lecture d’un texte sans faire une illustration de ce dernier» (T.), c’est-à-dire, implicitement, faire abstraction du sémantisme au bénéfice de la «matérialité» du langage verbal, «la compréhension du texte devenant secondaire» (T.) Que la voix ne soit plus qu’un matériau acousmatique comme un autre, je n’ai rien contre; il est vrai que notre élocution verbale recèle une musicalité inouïe. Mais la question est bien, sinon celle de la signification sémantique, celle du sens. Dans Sieben Stufen (1995, poème de Georg Trakl), c’est malheureusement la structure, et la structure seule qui est le dépositaire de ce sens, et il faut avouer que cela ne réussit pas franchement au résultat. Car, au bout du compte, entendre une voix humaine décomposée, déconstruite, déstructurée (tous les verbes avec le préfixe «dé-» que vous pounrez imaginer) à l’excés, tout cela au service d’un discours certainement bien argumenté, ne rend justice ni au texte, ni à la musique. Alors, à quoi bon tant de peine? finit par se demander l’auditeur. Là où le travail de Tutschku cherchait à fondre les sources dans une espèce de grand maelström sonique, celui de Marc Tremblay choisit au contraire de révéler les sonorités dans leur caractère brut, dans une perspective de collage, de «bruit-graffiti». Néanmoins, la démarche systématiquement adoptée par le compositeur a de quoi agacer: il s’agit de prélever dans le réel un objet ou une situation, si possible qui fait du bruit; exemple: la voiture (Vroum,1997), les toilettes (Résidus (clip dadaïste), 1995), le téléphone (… Ceci est un message enregistré… ,1994), les pièces de monnaie (L’argent. Toujours l’argent!, 1990), et de juxtaposer sans grande grâce toutes les sonorités qui peuvent en émaner… C’est volontairement anecdotique, nous dit le compositeur à propos de Vroum. Autrement dit: rassurez-vous, si vous n’aimez pas, c’est fait exprès! Grand signe de réussite (à tous les coups on gagne)! Bien plus convaincants sont les «multiples soundings» de Randall Smith, inspirés pour la plupart par la géologie, les mouvements tectoniques de la terre. Dès le début de Inside out, la tonalité est donnée: l’auditeur est propulsé dans une gigantesque course effrénée qui, plus tard, s’avère toujours revenir au même point de départ (l’effet Dupond/t dans le désert, en quelque sorte), toujours se résoudre dans un ultime accord majeur ironique. Au sein de ce déluge de vitesse, acoustique et électronique, mélodie et atonalité, rythme et arythmie ne cessent de se télescoper. Si chez Tutschku, cette synthèse tendait un peu trop vers la «bouillie» électroacoustique, les soundscapes de Smith conservent au contraire tout leur relief. Du dialogue entre violoncelle et électronique, parsemé de réminiscences de Bach (Continental rift) jusqu’aux mille grouillements organiques de Liquid Fragments, et à l’effrayant remue-ménage de Elastic Rebound, tout l’art de Smith a la précision d’un biologiste sur sa table de travail, le tranchant d’un scalpel de dissection, mais également — et heureusement — l’inspiration d’un véritable artiste.

Il faut savoir gré au label canadien empreintes DIGITALes de proposer un catalogue de musiques électroacoustiques de qualité…

Nouvelle vague

Réjean Beaucage, Voir, November 8, 2001

Yves Daoust contribuait en 1978 à la fondation de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ). Il dirigera par la suite durant une dizaine d’années les destinées du premier organisme canadien voué exclusivement à ce genre. Aujourd’hui, il y revient à l’invitation du directeur artistique actuel, Alain Thibault, pour participer ce samedi 10 novembre à la troisième édition de l’événement Elektra. Daoust y présentera en création sa pièce Bruits, triptyque environnemental qui donne également son titre au troisième disque que le compositeur fait paraître chez empreintes DIGITALes et qui sera lancé juste avant le concert. La pièce, commande du Sonic Arts Network (Royaume-Uni), est une sorte de carte postale sonore des rues et ruelles de Montréal: cris d’enfants, bruits de la circulation et rumeurs citadines y sont littéralement passés au hachoir pour produire ce que le compositeur appelle un «smog sonore». C’est sans aucun doute l’œuvre la plus ‘bruitiste’ de Daoust jusqu’à maintenant. L’œuvre sera présentée à l’ACREQ dans une version pour huit canaux avec un support vidéographique de Jean-Sébastien Durocher.

Le disque que Daoust s’apprête à lancer mérite certainement d’être chaudement recommandé à toute personne qui serait curieuse et chercherait à se renseigner sur la musique électroacoustique. Que le titre Bruits ne vous effraie pas. Les quatre pièces présentées ici représentent autant de sous-genres et Yves Daoust y démontre magistralement son grand talent de manipulateur sonore. On y retrouve une magnifique version de la pièce Impromptu, déjà entendue en format «pour bande seule» sur son précédent disque Musiques naïves, mais retravaillée ici en version «musique mixte» avec des interprètes de choix: Jacques Drouin au piano et Lorraine Vaillancourt… au synthétiseur! La pièce La Gamme est une musique électronique réalisée en 1981 sur les «machines à triturer les électrons» du Groupe de musique expérimentale de Bourges. Enfin, Ouverture, commande du GMEB pour le Bicentenaire de la Révolution française, mêle narration et illustration sonore, et rappelle par son thème Le Trésor de la langue de René Lussier. empreintes DIGITALes fera également paraître simultanément des disques de Robert Normandeau et Gilles Gobeil, deux autres piliers de la musique électroacoustique d’ici, disques sur lesquels nous reviendrons. Yves Daoust enseigne depuis 1981 au Conservatoire de musique et d’art dramatique du Québec, où il a développé un programme de composition électroacoustique.

Preuve qu’il exerce dans ce domaine-là aussi un grand talent, c’est l’un de ses étudiants qui clôturera la soirée avec une pièce qu’il ramène d’Autriche où elle a obtenu une mention lors de la dernière édition des prestigieux Prix Ars Electronica. Louis Dufort nous présentera en effet Décap, une «réflexion sur la décadence de l’homme» en partie tirée de la musique composée pour la chorégraphie Le Cri du monde, de Marie Chouinard, et dont nous avons pu entendre une première version lors de la série de concerts Rien à voir (7) en mars 2000. Également au programme: Tom Sherman et Bernhard Loibner avec leur projet vidéo/musique Nerve Theory et le très attendu Markus Popp, alias Oval, détenteur d’une seconde place aux Prix Ars Electronica 2001.

… chaudement recommandé…

Kritik

Rigobert Dittmann, Bad Alchemy, no. 38, September 1, 2001

Kritik

MB, Testcard, no. 10, August 20, 2001

Musik & Kultur

Zipo, Aufabwegen, no. 31, August 20, 2001

Ein Quell der ungewöhnlichen Sounderlebnisse ist das kanadische Label empreintes DIGITALes, welches fernab reißerischer Methoden in fast wissenschaftlicher Akribie eine Serie mit elektroakustischer Musik von preisgekrönten Komponisten herausgibt. Alle vier CDs stammen von relativ jungen, in der Grauzone zwischen freier Improvisation und akademischer Komposition operierenden Künstlern. Die Klänge sind oft nach kompositorischen Gesichtspunkten einander einverlebt, bleiben aber wild und jederzeit überraschend. So kann man sich hier bedienen nach Herzenslust. Vielleicht etwas schnöde klingt Traces von Adrian Moore. Hier hört man zu oft die surrenden, schmachtenden Sauglaute eines Computers, der die reale Welt in sich aufnimmt und „Musik” herausspuckt. Clonky, aber eben auf ernste Weise; können auch Matthew Ostrowsti und andere. Grandios ist das Werk von Jonty Harrison, dem Leiter des elektroakustischen Instituts in Birmingham. Seine Sammlung von Stükken (fast alle um die 15 Minuten lang) verbindet befremdliche Geräusche mit Klängen derAußenwelt, ohne letztere als reine Projektionsfläche zu verwenden. Die Töne aus den verschiedenen Sphären interagieren und treten in eine Kommunikation. Stark! Die klanglichen Extreme in diesem Viererpack stammen von Denis Smalley. Er bricht mit den Konventionen der Akademika, wonach Töne zwar schräg und abstrakt ausstaffiert sein dürfen, aber bitteschön nicht stören sollen. Sein Werk scheut sich nicht vor häßlichen Momenten, harschen Brüchen und fast industriellem Lärm. Dabei bleibt alles dunkel wie das geheimnisvolle Cover der CD. Louis Dufort wirkt in seinen Stücken wie jemand, der die Regeln des Genres kennt und sie mit genauem Gehör exekutieren will, um hinter ihnen liegendes Potential zu erhellen. Die gelingt ihm am trefflichsten in der Komposition Zénith, die mit pochenden Tönen arbeitet, die sich gegen schrille aber auch flirrend-weichzeichnende Atmosphären behaupten müssen.

Space Age

Julien Jaffré, Monotrains & Satellites, no. 6, August 8, 2001

empreintes DIGITALes est le fer de lance de la musique électroacoustique au sens où Métamkine pourrait la définir. Dirigé par Jean-François Denis, il est partagé avec SONARt qui lui distingue davantage les créations instrumentales de studio.

Chez empreintes DIGITALes, le radicalisme esthétique est une constante, plaçant d’emblée les productions du label au rang d’objet d’art. Un soin apporté aux pochettes et aux disques, qui sonne comme un engagement quasi éthique, si ce n’est idéologique. Toute cette génération de curieux trouve à présent un réel épanouissement, mûrisseent de quelques années de pratiques laborieuses, de doutes successifs, dans le jeu de la construction de Ieur univers respectif.

On peut ajouter l’influence de l’école française concrète (Schaeffer) référence évidente et revendiquée, notament par Jonty Harrison, même s’ils s’inscrivent en réaction à l’académisme, à l’hermétisme et à la doctrine de la technique. Ces auteurs ont le mérite de considérer l’époque pour elle-même et non à travers des mythologies douteuses ou fantasmées.

Louis Dufort, 31 ans, premier prix du conservatoire de Montréal, compositeur de la compagnie de Marie Chouinard, est un brillant iconoclaste. Il aime ainsi à intégrer des éléments non-musicaux dans sa trame musicale: «Objets, corps, couleurs et anecdotes sonores donnent lieu à des jeux de perception dans lesquelles est immergé l’auditeur. Les matériaux sonores sont ainsi trafiqués pour en soutirer des profils musicaux où poésie et représentation narrative du son servent de balises à l’élaboration de l’œuvre.» La limpidité de ses travaux offre un profond vertige soucieux d’allier tradition et modernité. Ses compositions électroacoustiques et atmosphériques sont empruntes d’angoisse, d’images pesantes et d’accalmies majestueusement fluides et dynamiques dans le même temps. Comme si Francisco López signe la BO de La machine molle sur Ant-Zen. Impressionnant.

Ses compositions électroacoustiques et atmosphériques sont empruntes d’angoisse, d’images pesantes et d’accalmies majestueusement fluides et dynamiques…

Review

Gianfri, Darklife, no. 6, August 8, 2001

More “academic” Canadian avant-garde comes by Louis Dufort, who has realised three quarters of Connexion between the conservatory and the faculty of music of the University of Montréal. The structure of this work is essentially an alternation of quite to silent moments and assorted noises of the cracking to hissing to percussive variety, with a couple more dramatic interludes of apocalyptic nature beginning to crop up halfway the third track Zénith. The last of the four tracks, Décap, incorporates, in addition to the aforementioned ingredients, some obsessive loops and industrial elements in a 24-minute long exhausting cavalcade.

Chronique

Julien Jaffré, Jade, August 1, 2001

Louis Dufort, 31 ans, premier prix du Conservatoire de Montréal, compositeur de la compagnie de Marie Chouinard, est un brillant iconoclaste. Il aime ainsi à intégrer des éléments non-musicaux dans sa trame musicale: «Objets, corps, couleurs et anecdotes sonores donnent lieu à des jeux de perception dans lesquelles est immergé l’auditeur. Les matériaux sonores sont ainsi trafiqués pour en soutirer des profils musicaux où poésie et représentation narrative du son servent de balises à l’élaboration de l’œuvre». La limpidité de ses travaux offre un profond vertige soucieux d’allier tradition et modernité. Ses compositions électroacoustiques et atmosphériques sont empruntes d’angoisse, d’images pesantes et d’accalmies majestueusement fluides et dynamiques dans le même temps. Comme si Francisco López signé la BO de «la machine molle» sur Ant-Zen. Impressionnant.

La limpidité de ses travaux offre un profond vertige soucieux d’allier tradition et modernité… Impressionnant.

Review

François Couture, All-Music Guide, August 1, 2001

Louis Dufort’s first CD revealed an original electroacoustics composer who, while relying heavily on the type of acousmatics created within the walls of Music faculties, managed to give his pieces an unusual delinquent twist. What other composer asked the singer of a death metal band to supply sound sources? You can hear the grunts of Gorguts’ Luc Lemay on Zénith and Décap. Dufort did not tear down the wall between the two forms of expression, but he sure found in Lemay a surprising interpreter. When his voice appears, the piece gains in dramatic intensity. Along with the human voice, machines hold an important place in Dufort’s art. Pointe-aux-Trembles was inspired by the refineries of East-end Montréal, while from parts of Décap arise temporary industrial rhythms. Maybe it has to do with the fact that the latter was first created for a choreography by Marie Chouinard (it stands very well on its own). Transit is the most conventional work of this set, an acousmatic study on “continuous discontinuity” (the composer’s choice of words). Less striking mostly because of its weaker structure, it still contains intriguing sounds and textures. Connexion makes a very strong debut from an artist who could rise up to become a singular member of the electroacoustic community.

… an artist who could rise up to become a singular member of the electroacoustic community.

Kritik

xenya, De:Bug, May 24, 2001

Soundscapes der imaginären Art, kaum faßbar wie die Titel selbst, und dennoch besteht da eine Verbindung, eine luftige zwar, wie die herumschwirrenden „luminous particles“ in Transit (1998), die zu einer „continuous discontinuity“ zusammengemorpht immer wieder die Klangmaterie beschneiden, „crevasses between sky and sky“ figurieren. Hierzwischen kann sich so etwas wie Übergang ereignen. Zénith (1999) ist eine „formal expansion of form“, die den Klang und seine Entwicklung von Spannung und Entladung, „rupture/catharsis“ ebenso betrifft wie das sphärische Umherschweifen der Singstimme, bis sie dann semi-phonetisch an Gestalt gewinnt. Oder ein kühles environment von Feuer und Öl spuckenden, in der Sonne glitzernden Raffinerieanlagen nahe Pointe-aux-Trembles (1996), wo die Zeit stillzustehen scheint, die große „maman machine“ beschworen wird, „amène moi“! Und die Verknüpfungen, die diese Maschine pars pro toto zwischen „elasticity/contraction“ (Décap, 2000), zwischen den vier Plateaus vollzieht, bleibt zwar unmerklich, kaum sichtbar, aber es funktioniert. 3/5

Kritik

Wolfgang Fuchs, Skug, no. 47, May 9, 2001

Elektroakustik sagen die Einen, Ambient die Anderen. Schwammige Begriffe, die aber doch das Spektrum des kanadischen Labels empreintes DIGITALes gut beschreiben. Verzeiht uns die Schubladen.

Wenn ich die Gemeinsamkeiten, oder besser die Parallelen der mir vorliegenden Veröffentlichungen auf empreintes DIGITALes beschreiben müsste, so könnte das mit der Umschreibung »Walk In The Park« eventuell gelingen. Gemeint ist damit der Verweis auf Brian Enos Parkbank-Aufnahmesessions, in denen dieser nicht unbekannte Vertreter der sogenannten Ambientmusik – unter welchem Aspekt hier Ambient beleuchtet wird, sei der Unvollständigkeit halber mal ausgelassen – Ausschnitte aus dem täglichen Treiben im Central Park mit seinem Aufnahmegerät konservierte und einer nachträglichen Studie unterzog, in deren Verlauf er jeder Klangprobe einen Wiedererkennungswert abringen konnte.

Bei Louis Dufort und Denis Smalley werden Bahnhöfe, Industrieanlagen und Flugplatzeinflugschneisen in den Klangraum aufgenommen bzw. dieser um jene Komponenten erweitert. Dieses konkrete Material wird aber nicht nur in zitathaften Einsätzen einem musikalischen Prozess zugeführt, sondern aus seinem ursprünglichen Rahmen herausgerissen, um mehr oder weniger manipuliert und veredelt in die Chronologie der aufgezeichneten Geschehnisse rückgeführt zu werden. Daraus ergeben sich abgeschlossene Klangreisen mit durchaus vertrauten Spannungsbögen – man stelle sich etwa eine spätnächtliche U-Bahnfahrt vom Wiener Stephansplatz mit Linienwechsel nach Floridsdorf vor –, die ein passives Hören (Klangtapete) sehr gut abblocken können.

Kompositorisch strenger und vielleicht auch arithmetischer gehen die Labelkollegen Adrian Moore und Jonty Harrison mit ihrem elektroakustischen Hantieren vor. Der 32-jährige Moore, ehemaliger Student bei Jonty Harrison an der Universität von Birmingham, gliedert seine Werke auf»Traces« grob in drei Klassen: »those verging towards the abstract«, »those focusing upon re-hearing natural sound-objects« –»Study in Ink« ist das Ergebnis einer musikalischen Studie eines Markerstiftes auf einer Tafel und die Auswirkungen des Austrocknens dieses Stiftes auf dessen Klangverhalten – und »the radiogenic«. Letztgenannter Kategorie weist Moore sein Stück»Sieve« zu, in dem er das eingesetzte Material von Information, Sound und Bedeutung in Bezug auf den Verwendungszweck zu entkoppeln versucht. »If one forces listening at the wrong moment, the clarity of the listening experience changes and something ‘musical’ can sometimes be heard”. Auch bei Jonty Harrisons»Évidence matérielle« steht der Interpretationsfreiraum für den Hörer in einem interessanten Verhältnis zu den vom Musiker intentierten Assoziationsketten. Manche Passagen klingen nach Herumirren auf Straßen zur Rushhour, aus unterschiedlichen Positionen betrachtet. Hinter den Kulissen schöpft Harrison jedoch aus einem umfangreichen Fundus an Tools, etwa aus Holz und Metall im Spannungsfeld zu rein elektronischem Instrumentarium.

Dieses gekonnte Reduzieren auf die akustischen Ereignisse an sich und das damit einhergehende Fördern und Fordern des Hörens macht das mittlerweile elf Jahre alte Label empreintes DIGITALes zu einer wichtigen Plattform für zeitgenössische Elektroakustik.

Review

Ingvar Loco Nordin, Sonoloco Record Reviews, May 5, 2001

Louis Dufort was born in Montréal 1970, which makes him one of the younger diffusers of an acousmatic French-flavored tradition of quite an impressive age by now! He has an inclination towards other disciplines as well, like painting, cinema and contemporary dance. He is currently occupied with working for the Marie Chouinard Contemporary Dance Company, being the composer of the choreographic music for Le cri du monde (2000).

It is very nice indeed to welcome younger composers into electroacoustics, ensuring that the idiom is furthered and developed, never to fall back entirely on past evolvements, but always to seek new ways of sonic expression to intrigue the mind and the imagination, not least the emotions.

Transit (1998) commences with a brittle, vibrating commotion of glassy sounds, fondling your perception, soon to be joined by rougher murmurs and gliding forces, again abruptly stopping, only to let little specks of sounds tickle… The composer indicates that this piece makes use of “continuous discontinuity”, which pretty well describes the overall scheme of the events, with suddenly receding and gradually reappearing auditive events.

A lot of motion is in motion, i.e. sections of motion move inside a larger movement, with inserted static fields, an example readily recognizable at 4:37, where Stockhausenesque Kurzwellen-static engulfs the listener and completely obliterates the line of events that preceded it. At 5:35 an even more static static emerges, sounding much like distortion from an overloaded speaker; a sort of standing-wave event. Just a little later sounds resembling voices or choirs emerge, inside the standing wave phenomena. It’s quite attractive, connecting back to sound pioneers like Rune Lindblad and his noise works from the early 1970s (unknown to most). All of a sudden all this gives way to pure musique concrète, or even soundscape music, with the sound of the wind on the microphone, steps through some kind of forest underbrush, with the added pleasures of brittle sounds of glass; maybe glass beads. The winds hiss; you feel the summery atmosphere – as if you’re sitting under the canopy of a weeping willow, hidden from the outside world, as the wind sweepsthrough the hanging leafy branches, and you hear someone walking by, down towards the lake, where a canoe is waiting. Impressionism!

I doubt whether Dufort had any specific plan when he composed this work. I think he worked intuitively – and that’s just fine! I live my whole life intuitively, and I have survived so far… It’s a very imaginative piece, Transit – and the title does allow for a great freedom of expression, which is why the concluding vision of a helicopter taking of inside a swarm of circling angels isn’t out of place at all!

Pointe-aux-Trembles (1996) starts with a heavy panning of screams and voices, very soon loosing out to a single line of meditative inclinations, soaring in a linearity towards the horizon, becoming the horizon; you in the middle of your world, looking around… Sweeping events, fluctuating between transparency and dense fog, appear; then disappear into a near-silence (even with earphones).Dufort’s poetic introduction goes: Prologue; Introspection; Elle (She); Lumière (Light); Prière (Prayer). Night beneath the glittering refineries, time stands still, I am but a lost child on the gravel of Pointe-aux-Trembles. “Machine Mother take me.” Guttural machine-like repetitions cut like factory fears through the piece a few minutes inside it, and I get associations to Jean Schwarz’s Makinak (1994). My own experiences from the Oxelösund Steelworks at the Baltic coast rise like smoke stacks through these passages too…

Very silent pitches lead on to other ghastly machineries, where the smell of asphalt and crude oil mixes with the salty winds from the Atlantic – and you’re lost in your surviving technique, ground down to abarren industrial structure of steel and smoke and showers of glowing trajectories of welding sparks inechoing halls disappearing down hazy perspectives …

Towards the end of the piece the mind retreats from the outer world of the crude ugliness of necessity, into the inner space of nose-tip hypnosis, in a preview of a here-after to come to all, before the re-entry into the material world…

Zénith (1999) is the third piece on the CD, starting of like the collected choir of the angels, at a distance – but surely in a state of ultimate bliss… but soon the angels transform into somewhat lower beings; sparkling fairies, in and out of vision, encircling the breath of the viewer, the listener… in a fairy tale of your childhood, or in a childhood dreamscape that you were hurled into after you fell asleep when your mother read to you at the bedside… Long gone golden age… a secret landscape of the child, recurring herein this Dufort music, ever so lightly, ever so gentle, ever so… desperate (in the ears of a hopelessly grown-up adult…). A fairy comes up close, hovers at ear-level and breathes hard into your mind, an “aaaaah” of age-old proportions, smacking you at an incredulous speed through any number of dimensions, all purely spiritual – and the afterglow of bells applies a golden layer across the mindscape…until a Bardo Thödol scare-creature growls at you full-blast, but if you remain on your path you may be liberated, lifted out of this succession of deaths and births and deaths and births… fear not! The fairies gulp and hick-up as you safely pass the scary parts of your dreamscape into a more somber state, where a certain control is offered you, even in the frantic noise-layers in which the scare-creature growls at you again in an unexpected recurrence, which can’t hurt you, though, as you’ve learned. The voices of Marie Chouinard and Luc Lemay were used in the composition.

The last piece is the longest; Décap (2000) with its 24 minutes. Dufort calls it “a study for wrists and ankles”! It has to do with elasticity and contraction, and the beginning is a fearless leap into – it seems – over-amplified samples of frictional events from – maybe – balloons, taking on the guise of some kind of heavily leaking air-vent, turning, after a little while, into percussive occurrences of a plastic pop-music flair. Whispering voices, on the verge of groaning, appear all around your ears, all around your hat. The Bardo Thödol scare-creature of last piece has made it over into this work, but he is joined by the chanting voice of some kind of priest, and the percussion of buckets. Part of the music of Décap is excerpted from the music for Le cri du monde, and the voices of Marie Chouinard, Émilie Laforest and Luc Lemay were used. It is amazing how the use of language, of sheer vocalisms and consonants, can raise the experience of a sounding work like this to magnificent levels of excellence! This is definitely my favorite among the piece on this CD, even though the others are great works too – but the repetitious (and other) utilization of human vocal sounds, distorted, cut-up and refined, places this piece in a class by itself. Admittedly, vocals were used in Zénith too, but they’re applied with more sophistication here. I have a special ear for sound poetry, and reflections of that art are apparent in Décap, in an atmosphere of oral cavities, smacking lips and sprays of saliva protruding like the volcano eruptions on Jupiter’s moon Io. A point of stark listening pleasure is reached when Louis Dufort applies chorus effects to already manipulated vocal noise sounds! Far out! At times I even feel like I’m at one of the gargantuan feasts ofthe crude medieval heroes of Rabelais, digging in to the food with saliva running out of the corners of my mouth! Rock n’ roll! Or is it a case of exorcism at a village football game in Stigtomta?

A point of stark listening pleasure is reached…

Review

Stewart Gott, Flux Europa, April 1, 2001

A recording that kicks off with shrill tinkling comparable to Maryanne Amacher’s Sound Characters and comes to a dramatic conclusion reminiscent of Come to Daddy period Aphex Twin clearly knows no barriers. From classical, to noise, to avant-garde mouth music, to drum ’n’ bass, the genres and sub-genres are all represented here, thick and fast on each other’s heels in a glorious welter of exquisitely produced sound.

The young Canadian composer Louis Dufort has a fascination with cinema and a history of involvement with contemporary dance that in part explains the extraordinarily visual nature of his work. This is nowhere more true than the remarkable Pointe-aux-Trembles, the second of the four pieces presented here, which gives a vivid picture of Montréal oil refineries glittering against the night sky. A marvellous sense of movement and depth is given in the exhilarating shifts from noise to silence and back again. This is industrial music at its best, demanding total concentration. Elsewhere Zénith sounds like Edgar Varèse on acid, all billowing sheets of electronics and feverish incantations, uneasy and ethereal. Transit thumps and nags in disjointed throbs that come together cogently. Décap, with its Stimmung gabbles, its furious shouts and growls, its Wagnerian bluster, its frenetic rhythms that drop over an abyss into edgy silences, is totally unnerving.

An education for the ears and a tonic for the mind, a chance to see clear visions with your eyes shut tight.

An education for the ears and a tonic for the mind…

Classical

Andy Hamilton, The Wire, no. 206, April 1, 2001

The most coherent of the three empreintes DIGITALes discs reviewed here, and — a sign of times — the only one by a composer who’s not an academic. It’s also the only one with any suggestion of a groove — in this case industrial. Louis Dufort divides his time between composing for a contemporary danse company, and producing works of “unbridled musical experimentation,” such as these four dazzling dramatic compositions from 1996-2000.

… four dazzling dramatic compositions…

Review

Jeremy Keens, Ampersand Etcetera, no. 2001_6, April 1, 2001

Louis Dufort, born in 1970, is a year younger than Moore (god, that makes me feel old), and from Montréal rather than the UK. He also has a different general approach — his pieces have more variation in volume and density and he has a strong interest in using the voice — usually sampled and stretched, but recognisable. The variation within the pieces again emphasises the difficulty in description per se. Transit is a piece “that makes use of continuous discontinuity,” and it does shifting between high ringing tones with cluttering and rushes behind; into a descending tinkling and ringing with voices; machinelike rhythms, unstable, clickings, tones and a buzz; banging and the voices of a lost chorus; clatter quiet; slow wind, rebuilding, more voices to a squeaky climax and then quiet fade. Unstable and decentred. The mode of Pointe-aux-Trembles is more obvious in this “impression of the refineries of East-end Montréal” with its regular ebbing and flow — we are getting periods of factory-like loud rhythm with noisy loops of machines, sirens and trains (is that a voice in there?) interspersed with quieter sections, perhaps between the refineries with soft high tones. There are programmatic titles which approximate to the changes I noted — and a nice long fade. With Zénith the voice becomes more prominent — high singing tones open it, and the main body of the piece uses voiced notes throughout. It builds slowly from the almost solo start adding soft tinklings to a first climax of voice and ‘orchestra,’ cymbals crash, horns swirl. Some mouth-sounds shift into a loud, aggressive phase which includes some growling voice which is a cross between death-metal and Mike Oldfield’s Neanderthal man on Tubular Bells. And it seems way out of place here (it reappears on Décap). The ending is surer, with an angelic choir of voices. Finally Décap at 24 minutes, described as “a study for wrist and ankles,” is partly excerpted from a dance piece, and is more rhythmic in both its overall structure (like Pointe-aux-Trembles it shifts between active, loud phases and quieter contemplative ones) and in the local approach. The opening could be from a glitch collection as strong attack whooshes with long fades, pulsey percussion and whispering drive us into the piece. From here we alternate between percussive active parts and more moody, tonal components. In addition to the gruff voice, there are also voice loops where syllables are repeated into nonsense and layered interplaying choirs. The whole builds through some minor climaxes to a big percussive shimmering looped conclusion.

So two complex albums, sonically fascinating. The similarity in their descriptions ‘continuous discontinuity’ and ‘shaping form continuously’ should prepare you for the active and involved listening expected of you. Not for easy-listening background pleasure, but for focussed attention.

… sheer exhuberance.

Review

Tom Wilms, L’entrepôt, March 10, 2001

Louis Dufort studied electroacoustic compositions in Montréal. Now he spend his time with composing for Marie Chouinard contemporary dance company, his work for the artistic committee of ACREQ, and the creation of hybrid and unbridled musical experimentation.

In meantime I’ve been looking in some literature, I can’t say that I know much about electroacoustics. So I’m now searching were it comes from or what intentions it have. Maybe someone can help me with some information (kriswilms@hotmail.com). It is my intention to write a little article about it.

Transit (1998), the first composition on Connexion, is described by Louis Dufort as: “A work that makes use of continuous discontinuity.” What is the meaning of something like that? It has something to do with discontinuity: the structure seams to be irrational. So the structure is discontinue. There has to be continuity in this discontinue structure: same sounds come always back, always manipulated in other ways. Lather on there also come voices in the composition.

Pointe-aux-Trembles (1996) is rather a gentle piece, where the stress is on silence or something that seems to be silences.

Zénith (1999): ‘the formal expansion of form’ as Louis Dufort describes it, seems more organic than for example Transit.

There is a smooth Décap (2000), a composition for the composition ‘Le cri du monde’ of Marie Chouinard (more exactly ‘A study for wrists and ankles’) is a much more aggressive piece that in his heaviness sometimes reminds on the John Zorn project ‘God.’ In the piece, drum’n bass seems to be an important influence.

… hybrid and unbridled musical experimentation…

Review

Henry Schneider, Vital, no. 258, January 15, 2001

Louis Dufort composes for the Marie Chouinard contemporary dance company, works with the artistic committee of ACREQ, and explores hybrid and unbridled musical experimentation. Connexion is his first release of electroacoustic music and contains four compositions: Transit (1998), Pointe-aux-Trembles (1996), Zénith (1999), and Décap (2000).

Spanning 4 years of musical explorations, each piece is unique. Transit is an abstract composition that jumps around from metallic alarm clock-like bells, descending whines, processed noise, and wordless vocals. At times it sounds like it could be destroying your speakers. The liner notes state that Transit is “a work that makes use of continuous discontinuity.” Pointe-aux-Trembles is a quiet piece comprised of high frequency sounds and is an impression of the refineries at Eastern Montréal’s. Zénith, as the name implies, is a Ligeti styled composition that slowly builds to a loud climax culminating with demonic mutterings. The final composition, Décap, is Dufort’s study of wrists and ankles and is for the Marie Chouinard dance troupe. It is quite impressive and I could swear that I heard samples from The BeatlesRevolution 9 and Pink Floyd’s Ummagumma (the studio album). If not sampled [Dufort says it is not], then Dufort duplicated some of the studio tricks used 30 years ago on these albums.

… quite impressive…

Critique

Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 46, December 1, 2000

Jeune compositeur électroacousticien de Montréal, Louis Dufort, nous offre ici un échantillon de son travail de ces dernières années. Les quatre pièces de ce recueil, qu’elles soient à finalité purement musicale, ou, tel Décap, le support d’une chorégraphie, ont entre elles une certaine affinité. Celle-ci réside d’abord par les sonorités, proches du bruit blanc, mais loin de toute uniformité, car elles sont plus ou moins étirées ou compressées, affectées quelques fois de rythmes trépidants ou se noyant dans des espaces de silence inattendus pour resurgir avec un dynamisme renouvelé quelques secondes plus tard. L’auditeur semble ainsi passer constamment d’une forme d’expressionnisme un peu bruitiste vers une abstraction plus impressionniste. Cela est particulièrement le cas de Pointe-aux-Trembles, illustration sonore d’un complexe pétrochimique.

L’autre aspect notable, c’est la force et la conviction avec laquelle Louis Dufort assène son propos. Sa musique enlace l’auditeur, le transperce, saisit ses sens, bref, le captive par le jeu constamment mêlé entre la linéarité de la trame sonore et les divers effets en surimpression, tantôt purement électroacoustiques, tantôt fait de voix retravaillées. Une connexion impressionnante…

Sa musique enlace l’auditeur, le transperce, saisit ses sens…

Review

Richard di Santo, Incursion Music Review, no. 016, November 19, 2000

This new disc from empreintes DIGITALes compiles four pieces by Louis Dufort, a Montréal-based electroacoustic wizard, composed between 1996 and 2000. Dufort manifests his passion for electronic music, cinema, painting and contemporary dance in his electroacoustic works. His own description of his music emphasises the narrative qualities in his work: “Object, body, colour and sound anecdote give rise to plays of perception that envelope the listener. Sound material is used in this way to draw forth musical outlines in which poetry and the narrative representation of sound serve as markers in the development of the work.” It is therefore only fitting that his work carries a particularly “theatrical” component, suggesting all the movement of a story, but enacted solely through the use of abstract sound. Each of these compositions presents an intense sound environment, buzzing with activity and motion. The themes are of paradoxes (“continuous discontinuity” in track 1), opposites (“elasticity/contraction” in track 4), and self reflexive exercises (“the formal expression of form” in track 3). All manner of sounds are used in arrangements that forever keep you on the edge of your seat. You never have time to relax your perception, as each of these compositions demands your undivided attention. Although there is an immense host of extremely fascinating sound constructions (Dufort’s concrete sounds all share a certain clarity that fits perfectly in my ears), I occasionally found the arrangements to be a little too busy and chaotic for my liking. Still, these recordings have piqued my interest to see what Dufort’s theatre pieces are like; since he often composes for the Marie Chouinard contemporary dance company, it would be interesting to see how his music, itself so very theatrical and expressive, can work together with a more physical stage presence.

… these recordings have piqued my interest…

Review

Geert De Decker, Sztuka Fabryka, November 1, 2000

This release [Louis Dufort’s Connexion] contains 4 tracks of strange and difficult music. You have got to take time and attention while listening to this music. Let us call the tracks again compositions.

The compositions are made of a secure mix of sounds who all create a various atmospheres. The atmosphere can go from ambient towards electronic worlds. The use of silence is also explicit in the compositions, the sounds are mostly not mixed. A certain sound comes up and slowly creates an atmosphere and then the mood of the music transforms from one second to another. Electronic worlds are created with noisy and high tune sounds that are tickering around, music transforms quickly and a flood of sounds comes to you. Moments of silence build up the atmosphere and creates a very strong tension in the compositions. Strong electronic music full of tension.

Strong electronic music full of tension.

Review

Catherine Perrey, Ici Montréal, no. 4:1, September 21, 2000

Louis Dufort is a very talented dabbler. Passionate about electronic music, he is also interested in cinema, painting and contemporary dance. As a matter of fact, the last piece of this disc [Connexion (Connection)], Décap, is based on music composed for [a choreography by] Compagnie Marie Chouinard. This disc presents no long drones but tight and rhythmical montages and relevant use of voice samplers (including Ms Chouinard’s). Full of movement and moving forward. In brief: vivid and welcoming electroacoustics. (8,5/10)

Du mouvement, de l’allant. Bref de l’électroacoustique habitée et invitante.

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