Pourquoi Tangram, pourquoi
ce titre, je laisse l’auteur s’en expliquer: rien en tout cas
pour moi d’anguleux — et rien même de géométrique — dans
cette pièce éponyme qui me paraît miser, du reste, non sur des formes à
combiner (tout le monde connaît le jeu chinois), sur des figures, mais au
contraire sur un monde de fusion, et de quasi mystique surcharge
matérialiste: sonorité toute de rondeur et de rudesse comme un sac de crin;
le son y moud pour notre extase son grain énorme, nous immerge en sa
plénitude panique (dionysiaque, première), ses bouillonnements
mystérieux…
(Le matériau si dense parfois troué de hurlements de chemin de fer, de
barrissements ou bien de giclements, bruits blancs fusants: il faut cette
dynamique, ces ‘histoires vraies’ pour percer ces hypnoses de la
matière, parfois en très gros plan, abstraite à force de concrétude.)
Autre principe — structurant, coalescent: une rondeur rassurante
mécanique carène tout ce ‘désordre’ (métaphysique), comme un
antidote sans arrêt présent; contrecarre l’entropie
‘naturelle’ par la sérénité répétitive (qui a une saveur
particulière chez Normandeau):
l’élémentaire y est repris, apprivoisé par le ronron de
l’horlogerie des boucles, des processus de studio. Si bien que cette
musique des Éléments (cris de grenouilles, oiseaux de nuit, orage) est en
même temps celle des machines tournantes et des moteurs; les bruits de la
nature, roulés en boule, y sont comme compactés industriellement: les deux
poétiques se mélangent, indissolubles, dans des danses.
Les autres morceaux de ce disque répondent à leur façon à cette manière si
personnelle et la varient (et c’est là qu’apparaît la pertinence
du titre générique Tangram): Tropes nous peaufine un art
de la transition-évasion — par quoi on se retrouve engoncé, enserré
sous des strates, des excroissances — alors qu’on se croyait
l’instant d’avant dans la limpidité la plus totale (Mozart
oblige…). Bédé plus astringent (malgré
quelques vertigineuses distorsions de miroirs convexes: Alice oblige…)
prépare Éclats de voix, la
pièce la plus élaborée, la plus déliée et la plus riche — parce que
réunissant les deux principes: malgré sa dominante fusionnelle (plasticité
captieuse — de mille morceaux broyés-collés) elle est discontinuée par
une machinerie fantasque, la variété la plus grande de ses veines
sémantiques, et quelques rares aspérités charmantes, arêtes vives vocales de
l’enfance.
Emprunté au titre de l’une des œuvres de ce disque, Tangram représente
l’idée selon laquelle on peut donner au réel des formes inédites et
insoupçonnées en quantité presque infinie à partir d’éléments aussi
simples que la voix d’une enfant, le son d’un train qui passe ou
encore de quelques notes de musique classique. Quoique de nature
contrastante, les œuvres présentes sur ce disque ont plusieurs points en
commun.
Le premier de ceux-ci est la nature des sons utilisés qui sont tous, sans
exception, de nature acoustique. La plupart proviennent
d’enregistrements personnels réalisés à l’aide d’un
magnétophone DAT portatif.
Le second point commun est la diffusion multipiste à laquelle ce cycle
d’œuvres est destinée. En effet, le mode de travail en studio a
été élaboré de manière à permettre une diffusion directe de chacune des
pistes de la bande originale (16 pistes, 1/2 pouce, Dolby S) sur un
haut-parleur distinct sans avoir à retoucher les niveaux ou les égalisations.
Le mixage des différentes voies s’opère donc acoustiquement plutôt
qu’électroniquement. Ainsi, la spatialisation des sons fait partie du
processus de composition et l’espace devient un paramètre sonore au
même titre que la hauteur, la durée ou l’intensité.
Le troisième point commun découle directement du second: afin de conserver
autant que possible l’impression d’espace qui se dégage lors de
l’écoute multipiste, nous avons eu l’idée, Jean-François
Denis et moi, de recourir à ce même type de diffusion pour
l’enregistrement en studio. Ainsi, la bande finale stéréophonique de
toutes les pièces (à l’exception de Spleen, composée
ultérieurement), qui a été produite au Banff Centre for the Arts (ingénieurs:
Antonio Oliart et
Stephanie Rogers ;
assistante: Jennifer Lewis ), a
été enregistrée grâce à un système de diffusion à multiples haut-parleurs
simulant le concert.
Enfin le dernier élément et probablement le plus important est la
perspective générale à l’intérieur de laquelle se situe tout mon
travail depuis plusieurs années: celle du cinéma pour l’oreille.
Essentiellement, cette démarche se résume à l’idée de puiser en dehors
du musical, et plus particulièrement dans le monde cinématographique, les
sources d’inspiration et les thèmes qui sous-tendent les œuvres.
Ces thèmes, directement issus des titres mêmes de celles-ci, deviennent les
pôles autour desquels la composition s’élabore et se construit, et
constituent des balises, des points de repères pour l’auditeur
confronté à ce monde de l’inouï.
Les œuvres présentes sur ce disque représente l’essentiel de
mon travail des quatre années s’échelonnant de 1990 à 1993.
Les prix sont en dollars canadiens — 1.00 CA$ ~ 0.98 US$ ~ 0.62
€ ~ 0.49 £ ~ 1.01 AU$ ~ 104.74 ¥ — et incluent la manutention, le port et les
taxes (lorsqu’applicables).