Abysses partagés
par Jean-Jacques Nattiez |imed_9633-0001|
«Chaque homme dans tous les hommes
Tous les hommes en chaque homme.»
— Jean-Paul Sartre
Je me suis souvent demandé pourquoi Sous le regard d’un
soleil noir, de Francis Dhomont, me touchait
particulièrement, alors que, en général, je me sens peu d’affinités
esthétiques avec les œuvres électroacoustiques. Peut-être parce que, au-delà
du propos musical, elle nous entraîne dans les abysses de la psychologie
humaine et les profondeurs du moi divisé. Elle s’inspire explicitement des
écrits du spécialiste anglais de la schizophrénie, Ronald D
Laing.
Œuvre à programme, le poème de Dhomont n’a pas
honte du genre musical auquel il appartient: il raconte une histoire, une
chute lente vers la folie. Trois sections, au moins, affichent par leur titre
un lien illustratif avec la théorie de Laing:
Engloutissement, Implosion, Pétrification, et je ne doute pas que
Dhomont ait voulu leur donner des équivalents
musicaux: frémissements de l’eau, octaves vides et obsessives, minerais
sonores.
C’est qu’à la vérité, en y regardant de près, l’œuvre de Laing appelle un prolongement musical. Nous sommes en présence
de livres théoriques, certes, mais où l’on trouve des jeux de mots qui
deviennent vite des ‘inanités sonores’ que le compositeur n’a pas manqué
d’exploiter: «I’m an in divide you all» («I’m an individual»). Et, dans
Nœuds, Laing a traduit en
quasi-poèmes les stratégies complexes de ses patients:
«Cela blesse Jack
de penser
que Jill pense qu’il la blesse
en étant blessé
de penser
qu’elle pense qu’il la blesse
en la faisant se sentir coupable
de le blesser
en pensant (elle)
qu’il la blesse
en étant blessé (lui)
de penser
qu’elle pense qu’il la blesse
par ce fait que
da capo sine fine» 1
La terminologie musicale qui conclut ce texte est significative. Dans un
long développement de six pages («Si c’est à moi ce n’est pas
moi / Si ce n’est pas à moi ce n’est pas moi […]»), Laing a lui-même senti la résonance musicale de son œuvre, ou
tout au moins de l’univers qu’il recréait. Comme pour renforcer le vertige
qui saisit vite le lecteur, il ajoute: «poco a poco accelerando al fine», et
il fait allusion, au beau milieu, à un «changement enharmonique». Dans le
même texte, le si conditionnel devient allitération obsédante: peut-être
a-t-il inspiré, avec la contamination de Wozzeck, le
si — la note cette fois — autour duquel Dhomont a
organisé son œuvre? Le compositeur, en tout cas, n’a pas cédé à la tentation
facile de la musique répétitive et a réussi à traduire en une trame sonore
originale un univers mental insoutenable.
Bien sûr, il faudrait faire l’expérience d’entendre la composante musicale
de l’œuvre sans les citations textuelles dont elle est ponctuée, pour savoir
si, à elle seule, elle réussit à évoquer le monde intérieur du schizophrène.
À la vérité, Dhomont l’a conçue, avec le titre
nervalien qu’il emprunte aux propos délirants d’une patiente, Julie, et avec
des phrases délibérément audibles, comme un dosage équilibré de sons et de
textes où la musique prend un sens précis grâce aux mots, mais où les mots
prennent leur résonance tragique et vécue grâce à la musique.
Car c’est là sans doute l’éminente vertu de ce Soleil
noir: il nous fait partager
de manière immédiate l’inquiétude, l’angoisse, la solitude du
schizophrène; nouvel ‘espace inhabitable’, il nous fait partager sa détresse
et son désespoir. La musique de Dhomont nous propose
l’image sonore d’un monde inaccessible, elle nous convainc de sa réalité.
Il y a là, bien sûr, un paradoxe, puisque dans les termes mêmes de
Laing, «je ne peux pas faire l’expérience de votre
expérience, ni le contraire». Le compositeur, lui, nous dit: ‘Je vous fais
entendre l’expérience que je crois qu’ils ont’, et nous croyons qu’il dit
vrai. Car il parvient, avec ses moyens musicaux propres, à la même réussite
que Laing qui, s’appuyant sur les propos de ses
patients et malgré sa conception existentialiste de l’incommunicabilité, nous
présente une prise de vue intérieure de cet univers mental.
Illusion? Peut-être. Nous ne le saurons jamais. De fait, Sous le regard
d’un soleil noir nous rejoint par quelque chose de plus essentiel. Musique à
programme, avons-nous dit? Oui, mais au sens où les poèmes symphoniques de
Liszt, s’emparant des héros de Goethe, Byron et Shakespeare, donnaient à Faust, Mazeppa et Hamlet, leur pleine
dimension mythique. Dhomont, lui, se saisit de
l’homme post-freudien, et du portrait particulier des schizophrènes, il fait
un mythe plus général par lequel l’homme ‘normal’ se découvre des traits
schizoïdes: le moi divisé, c’est aujourd´hui comme à l’époque romantique,
mais en d’autres termes, le moi de l’homme double.
Ce poème électronique s’inscrit donc dans une tradition musicale bien
précise, mais avec les ressources d’un langage contemporain. Je lui reconnais
l’efficacité narrative du Requiem de Chion et le classicisme de De natura
sonorum de Parmegiani: je veux dire par là
que Dhomont n’a pas déployé toute la panoplie du
‘catalogue des armes et cycles’ du GRM, mais a
exploité, avec économie, les seules combinaisons sonores nécessaires à son
propos qui n’en est que plus efficace.
Au-delà de la schizophrénie, Sous le regard d’un soleil
noir nous parle de nous-même. Il nous dit la solitude terrifiante de
l’homme de tous les jours, comme si nous étions assis au fond de la caverne
et que nous ne pouvions regarder que devant nous.
Mais la caverne, c’est nous.
Jean-Jacques Nattiez, Montréal,
1982-96 [x-96]
|