L’œuvre musicale de Gilles Gobeil
s’est caractérisée jusqu’à maintenant par une esthétique de la
rupture où de grands gestes musicaux s’élaborent jusqu’à leur
acmé pour se fracasser aussitôt dans le silence. Il s’agit d’une
façon musicale d’être, de respirer, une marque naturelle, un style,
reconnaissable entre tous et par conséquent, beaucoup plus qu’une
manière. À ce titre la Trilogie
d’ondes porte la marque de l’enracinement profond de cet état
de fait dans la pensée musicale du compositeur.
Le timbre électronique et la résonance acoustique des ondes Martenot
épousent parfaitement le matériau sonore de la bande électroacoustique et en
font donc une œuvre mixte complexe et riche. Par moments le son se
confond presque à celui de la bande, mais ailleurs les ondes se démarquent de
la masse sonore soit par l’expressivité de certaines interventions
mélodiques, soit par le contraste entre l’immatérialité du timbre et la
complexité colorée des matériaux de la bande. Ici, Gilles Gobeil a
choisi le plus souvent de faire appel à la justesse expressive de
l’interprète plutôt qu’à sa seule virtuosité.
Parmi les différentes interventions des ondes, deux thèmes se détachent et
sous-tendent toute la structure; le «thème de l’arrachement» toujours
très imbriqué à la bande et matérialisé par un long glissando ascendant et le
«thème cellule» — ou «thème de l’âme» —, cellule de quatre
notes voisines et détempérées les unes par rapport aux autres.
Voix blanche
Dès le début du mouvement, on reconnaît le thème de l’arrachement avec
sa lente montée dramatique. Vers le milieu émerge le thème de l’âme
très legato. Après son long déroulement, il se présentera d’une façon
plus épelée que linéaire, forme qui deviendra définitive pour les deux autres
volets de la trilogie. Porté par une fine poésie, c’est le mouvement le
plus lyrique du cycle.
Là où vont les
nuages…
Dans ce mouvement, on utilise une technique différente. Les ondes agissent
presque toujours comme déclencheurs d’éléments sonores préenregistrés
qui se juxtaposent au jeu de l’ondiste. À travers les diverses
interventions des ondes, les deux thèmes précités se retrouvent ainsi
transformés et alors plus évocateurs du voyage. C’est un mouvement
empreint de vitalité, ludique, où les masses sonores se construisent et se
déconstruisent quelquefois d’une façon vertigineuse.
La perle et
l’oubli
Inspirée d’un texte initiatique apocryphe du deuxième siècle, cette
pièce est composée de douze séquences dont six sont presque autant de
variations sur la cellule «thème de l’âme» aux ondes. Dans ce mouvement
les ondes personnifient l’âme dans son périple d’incarnation. La
coda finale ramène les deux thèmes de l’arrachement et de l’âme.
Celui-ci, une dernière fois modifié, clôt l’œuvre dans le grave;
sa quatrième note absente semble alors rayonner dans la sombre aura de la
dernière note jouée.
Maurice Martenot
(1898-1980), violoncelliste de formation et radiotélégraphiste pour
l’armée française pendant la première guerre mondiale (1914-18), fut
séduit par la vibration électronique mobile et très pure des nouvelles lampes
triodes avec lesquelles il travaillait.
À l’instar de plusieurs autres chercheurs de cette époque, dont,
entre autres, Lee de Forest
(1873-1961), l’inventeur de la lampe triode qui servira pour
l’Audion, son instrument de 1915, de l’allemand Jorg Mager, du russe
Leon Theremin
(Lev Sergeyevich
Termen, 1896-1993) et son instrument éponyme (de 1917), de Friedrich
Trautwein (1988-1956) et son Trautonium (1930) pour lequel composera
Paul Hindemith
(1895-1963), Maurice Martenot
s’affaire autour de ce son électronique nouvellement apparu dans le
monde. Il cherche à en faire la base d’un véritable instrument de
musique pouvant répondre à la plus fine intention expressive d’un
musicien.
Jusqu’à sa mort en 1980, Maurice Martenot
s’emploiera inlassablement à perfectionner ses ondes. En effet, quel
chemin parcouru depuis le premier instrument de 1928, avec son jeu à
distance, un peu comme le jeu au thérémine, et l’instrument
transistorisé actuel! À travers ces transformations, l’instrument,
toujours monodique, s’additionnera de résonateurs acoustiques et sera
pourvu de deux modes de jeu: l’un à la bague, qui permet de multiples
possibilités de glissandi et l’autre au clavier, qui se prête à une
plus grande virtuosité. La main droite définit les hauteurs et le vibrato
tandis que la gauche, à l’aide d’une touche, façonne les nuances,
les attaques, les phrasés et manipule les onglets des timbres.
D’autres instruments électroniques ont été créés par la suite et
sont omniprésents dans notre univers musical actuel. Le Martenot s’en
distingue par une approche sensorielle intimement liée au système nerveux de
l’interprète et capable de répondre par sa plasticité à sa moindre
intention musicale. On le considère souvent comme l’ancêtre de ceux-ci,
mais il en serait plutôt le confrère un peu marginal: l’esprit dans
lequel il a été créé le rattacherait davantage à la grande lutherie
traditionnelle. C’est sans doute ce qui explique qu’il ait
traversé résolument tout le 20e siècle et que les musiciens
d’aujourd’hui composent toujours pour lui. Après quatre-vingts
ans de présence et fort d’un répertoire riche et abondant, il fait
indubitablement partie intégrante de l’histoire de la musique.
Je tiens à remercier Gilles Gobeil pour la
Trilogie
d’ondes, œuvre inspirée et magnifique qui d’une part
enrichit le répertoire des ondes d’un apport musical incontestable et
d’autre part contribue à créer cette couleur si particulière de la
musique électroacoustique d’ici. Merci au Conseil des arts du Canada
pour son soutien financier.
Les prix sont en dollars canadiens — 1.00 CA$ ~ 0.98 US$ ~ 0.63
€ ~ 0.49 £ ~ 1.05 AU$ ~ 102.50 ¥ — et incluent la manutention, le port et les
taxes (lorsqu’applicables).