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On dit que le gazon du voisin est toujours plus vert que le nôtre, mais quand il s’agit d’électroacoustique, croyez-moi, le Québec n’a rien à envier aux autres régions du monde. Accusez-moi de chauvinisme, je n’en ai cure: le Québec abrite nombre de compositeurs de grand talent et de professeurs influents.
Je ne veux pas m’embarquer dans un exposé analytique, mais, en tant que critique et auditeur invétéré, il existe pour moi une électroacoustique québécoise. Malgré la diversité stylistique de nos compositeurs, je perçois un «son» québécois, quelque chose qui, pour moi, n’est ni britannique, ni français, ni allemand; quelque chose qui m’appelle et me parle dans un langage plus immédiat, plus facile d’écoute.
L’origine partielle de cette unité dans la diversité découle probablement de l’influence de quelques compositeurs-clé dont l’enseignement en milieu universitaire a marqué la relève d’ici. Je pense d’abord à Francis Dhomont et à Yves Daoust. Commençons donc cette piste d’écoute avec ce Français si québécois qu’il s’est mérité une bourse de carrière du Conseil des arts et lettres du Québec. Je peux recommander en toute franchise tous les disques de Dhomont: sa grâce, son sens narratif et son intelligence font de chaque pièce un objet d’émerveillement. J’ai souvent exprimé mon admiration pour Forêt profonde (y compris dans ma première piste d’écoute, je n’y reviendrai donc pas), mais Sous le regard d’un soleil noir, sa première grande œuvre, demeure un classique de l’électroacoustique internationale, et son Cycle du son, beaucoup plus récent, témoigne d’un art raffiné à la perfection — la pièce AvatArsSon, en particulier.
Si l’œuvre de Dhomont s’est élaborée à partir de grands thèmes théoriques, littéraires et sociologiques, celui d’Yves Daoust tient plutôt de l’anecdote et de la poésie. La plupart de ses pièces montre une filiation aux idéaux abstractionnistes de l’école française, mais l’apparente naïveté de ses sujets (l’eau, la foule, une Fantaisie de Chopin ou un souvenir d’enfance) donne à sa musique une charge émotive inusitée. Son plus récent disque, Bruits, fait preuve aussi d’une volonté de croissance (on dénote dans la suite titre une certaine influence de ses étudiants) et contient une pièce au sujet politico-historique (Ouverture, sur les relations France-Québec) qui peut très bien accrocher l’auditeur néophyte.
À ces deux noms d’une importance incontestable, il faut ajouter ceux de Robert Normandeau et de Gilles Gobeil. Normandeau représente bien ce que j’entends par un son québécois: un certain académisme dans la plasticité des sons (qui trahit l’influence des Britanniques et des Français), une originalité dans leur utilisation, une intelligence du propos qui, si elle pousse vers la réflexion académique, n’en aliène pas l’auditeur pour autant. Mon disque préféré demeure Figures, qui comprend la superbe pièce Le Renard et la Rose, construite à partir du roman Le Petit Prince, ainsi que Venture, un hommage à l’âge d’or du rock progressif (une marotte que je partage avec le compositeur, faut-il préciser). Gobeil, c’est la folie des grands espaces, la violence des passions humaines, les gestes brusques, les masses sonores lancées à la volée. Si La mécanique des ruptures demeure une écoute essentielle, son récent disque en collaboration avec René Lussier, Le contrat, représente son travail le plus accompli (et fascinant!).
Si ces quatre compositeurs représentent la crème du milieu académique, on trouve aussi au catalogue d’empreintes DIGITALes de jeunes compositeurs et des artistes dont le travail renouvelle en profondeur le discours électroacoustique de leurs collègues.
Mentionnons Fractures, le premier disque, tout frais, de Christian Bouchard, dont l’approche éclatée tient autant de l’électronica expérimentale que de l’électroacoustique universitaire. Ses suites Parcelles 1 et Parcelles 2 évoquent l’art vidéo numérique par leur fébrilité et leur fragmentation. Je recommande aussi chaudement l’album Connexions de Louis Dufort, qui mélange approche académique et bruitisme. La pièce Zénith, dans laquelle il utilise la voix du chanteur death-metal Luc Lemay (du groupe Gorguts), est simplement stupéfiante. J’aime beaucoup aussi l’humour un peu cru de Marc Tremblay. Son Bruit-graffiti fait un usage fréquent de la culture pop (des Beatles à Passe-Partout). Sa pièce Cowboy Fiction, un western pour l’oreille qui remodèle le rêve américain, conclut à merveille cette piste d’écoute.
Sérieuse ou facétieuse, abstraite ou évocatrice, la musique électroacoustique québécoise s’est taillée une place de choix sur la scène internationale. À vous maintenant d’en explorer les multiples facettes.
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Il faut savoir gré au label canadien empreintes DIGITALes de proposer un catalogue de musiques électroacoustiques de qualité, quoique certains choix esthétiques soient — comme nous allons le voir — assez discutables. C’est que nous avons affaire à une musique fondamentalement académique — cela dit sans intention péjorative —, domaine dans lequel il n’est pas toujours évident de faire la part d’authenticité et la part de frime. Le disque de Louis Dufort illustre parfaitement le mélange d’agacement et de fascination que provoque sur moi cette musique: fascination pour ce déluge de sonorités, très belles et surgies de nulle part, agacement à l’égard de cet arrière-plan conceptuel un peu douteux: «discontinuité continue», «foisonnement formel de la forme», etc. Bien entendu, ce ne sont que des mots (écrits dans le livret), mais nul doute qu’ils sont à la fois responsables et révélateurs de la frigidité qui se dégage à l’écoute du disque, la pièce Zénith exceptée. Une frigidité moins évidente au premier abord chez Hans Tutschku. Extrémités lointaines (1998), la composition qui ouvre le disque, trahit une brillante maîtrise du matériau acoustique: des ambiances prélevées dans quatre pays d’Extrême-Orient (Singapour, Indonésie, Philippines, Thaïlande) sont intégrées avec brio dans une «structure compositionnelle très condensée» (T.) qui fonctionne comme une invitation au voyage. Il est néanmoins dommage que cette invitation ne soit effective qu’à compter des dernières minutes de la pièce, remarquables, au cours desquelles chaque élément acousmatique trouve l’indépendance et la place qui lui revient, là où au contraire la maturité de la pièce tendait à fondre les sonorités dans une espèce de bourrasque sonore. Tout aussi inspirée, la pièce Les invisibles (1996) part d’une idée trés intéressante: la reconstruction électronique de miniatures instrumentales préalablement composées. Double écriture qui enrichit considérablement le discours, pour le plus grand plaisir de l’auditeur. Le problème se pose lorsque voix et texte viennent mettre leur grain de sel dans tout cela: il s’agit pour Tutschku de «reproduire musicalement des sensations qui se dégagent à la lecture d’un texte sans faire une illustration de ce dernier» (T.), c’est-à-dire, implicitement, faire abstraction du sémantisme au bénéfice de la «matérialité» du langage verbal, «la compréhension du texte devenant secondaire» (T.) Que la voix ne soit plus qu’un matériau acousmatique comme un autre, je n’ai rien contre; il est vrai que notre élocution verbale recèle une musicalité inouïe. Mais la question est bien, sinon celle de la signification sémantique, celle du sens. Dans Sieben Stufen (1995, poème de Georg Trakl), c’est malheureusement la structure, et la structure seule qui est le dépositaire de ce sens, et il faut avouer que cela ne réussit pas franchement au résultat. Car, au bout du compte, entendre une voix humaine décomposée, déconstruite, déstructurée (tous les verbes avec le préfixe «dé-» que vous pounrez imaginer) à l’excés, tout cela au service d’un discours certainement bien argumenté, ne rend justice ni au texte, ni à la musique. Alors, à quoi bon tant de peine? finit par se demander l’auditeur. Là où le travail de Tutschku cherchait à fondre les sources dans une espèce de grand maelström sonique, celui de Marc Tremblay choisit au contraire de révéler les sonorités dans leur caractère brut, dans une perspective de collage, de «bruit-graffiti». Néanmoins, la démarche systématiquement adoptée par le compositeur a de quoi agacer: il s’agit de prélever dans le réel un objet ou une situation, si possible qui fait du bruit; exemple: la voiture (Vroum,1997), les toilettes (Résidus (clip dadaïste), 1995), le téléphone (… Ceci est un message enregistré… ,1994), les pièces de monnaie (L’argent. Toujours l’argent!, 1990), et de juxtaposer sans grande grâce toutes les sonorités qui peuvent en émaner… C’est volontairement anecdotique, nous dit le compositeur à propos de Vroum. Autrement dit: rassurez-vous, si vous n’aimez pas, c’est fait exprès! Grand signe de réussite (à tous les coups on gagne)! Bien plus convaincants sont les «multiples soundings» de Randall Smith, inspirés pour la plupart par la géologie, les mouvements tectoniques de la terre. Dès le début de Inside out, la tonalité est donnée: l’auditeur est propulsé dans une gigantesque course effrénée qui, plus tard, s’avère toujours revenir au même point de départ (l’effet Dupond/t dans le désert, en quelque sorte), toujours se résoudre dans un ultime accord majeur ironique. Au sein de ce déluge de vitesse, acoustique et électronique, mélodie et atonalité, rythme et arythmie ne cessent de se télescoper. Si chez Tutschku, cette synthèse tendait un peu trop vers la «bouillie» électroacoustique, les soundscapes de Smith conservent au contraire tout leur relief. Du dialogue entre violoncelle et électronique, parsemé de réminiscences de Bach (Continental rift) jusqu’aux mille grouillements organiques de Liquid Fragments, et à l’effrayant remue-ménage de Elastic Rebound, tout l’art de Smith a la précision d’un biologiste sur sa table de travail, le tranchant d’un scalpel de dissection, mais également — et heureusement — l’inspiration d’un véritable artiste.
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Yves Daoust contribuait en 1978 à la fondation de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ). Il dirigera par la suite durant une dizaine d’années les destinées du premier organisme canadien voué exclusivement à ce genre. Aujourd’hui, il y revient à l’invitation du directeur artistique actuel, Alain Thibault, pour participer ce samedi 10 novembre à la troisième édition de l’événement Elektra. Daoust y présentera en création sa pièce Bruits, triptyque environnemental qui donne également son titre au troisième disque que le compositeur fait paraître chez empreintes DIGITALes et qui sera lancé juste avant le concert. La pièce, commande du Sonic Arts Network (Royaume-Uni), est une sorte de carte postale sonore des rues et ruelles de Montréal: cris d’enfants, bruits de la circulation et rumeurs citadines y sont littéralement passés au hachoir pour produire ce que le compositeur appelle un «smog sonore». C’est sans aucun doute l’œuvre la plus ‘bruitiste’ de Daoust jusqu’à maintenant. L’œuvre sera présentée à l’ACREQ dans une version pour huit canaux avec un support vidéographique de Jean-Sébastien Durocher.
Le disque que Daoust s’apprête à lancer mérite certainement d’être chaudement recommandé à toute personne qui serait curieuse et chercherait à se renseigner sur la musique électroacoustique. Que le titre Bruits ne vous effraie pas. Les quatre pièces présentées ici représentent autant de sous-genres et Yves Daoust y démontre magistralement son grand talent de manipulateur sonore. On y retrouve une magnifique version de la pièce Impromptu, déjà entendue en format «pour bande seule» sur son précédent disque Musiques naïves, mais retravaillée ici en version «musique mixte» avec des interprètes de choix: Jacques Drouin au piano et Lorraine Vaillancourt… au synthétiseur! La pièce La Gamme est une musique électronique réalisée en 1981 sur les «machines à triturer les électrons» du Groupe de musique expérimentale de Bourges. Enfin, Ouverture, commande du GMEB pour le Bicentenaire de la Révolution française, mêle narration et illustration sonore, et rappelle par son thème Le Trésor de la langue de René Lussier. empreintes DIGITALes fera également paraître simultanément des disques de Robert Normandeau et Gilles Gobeil, deux autres piliers de la musique électroacoustique d’ici, disques sur lesquels nous reviendrons. Yves Daoust enseigne depuis 1981 au Conservatoire de musique et d’art dramatique du Québec, où il a développé un programme de composition électroacoustique.
Preuve qu’il exerce dans ce domaine-là aussi un grand talent, c’est l’un de ses étudiants qui clôturera la soirée avec une pièce qu’il ramène d’Autriche où elle a obtenu une mention lors de la dernière édition des prestigieux Prix Ars Electronica. Louis Dufort nous présentera en effet Décap, une «réflexion sur la décadence de l’homme» en partie tirée de la musique composée pour la chorégraphie Le Cri du monde, de Marie Chouinard, et dont nous avons pu entendre une première version lors de la série de concerts Rien à voir (7) en mars 2000. Également au programme: Tom Sherman et Bernhard Loibner avec leur projet vidéo/musique Nerve Theory et le très attendu Markus Popp, alias Oval, détenteur d’une seconde place aux Prix Ars Electronica 2001.
Ein Quell der ungewöhnlichen Sounderlebnisse ist das kanadische Label empreintes DIGITALes, welches fernab reißerischer Methoden in fast wissenschaftlicher Akribie eine Serie mit elektroakustischer Musik von preisgekrönten Komponisten herausgibt. Alle vier CDs stammen von relativ jungen, in der Grauzone zwischen freier Improvisation und akademischer Komposition operierenden Künstlern. Die Klänge sind oft nach kompositorischen Gesichtspunkten einander einverlebt, bleiben aber wild und jederzeit überraschend. So kann man sich hier bedienen nach Herzenslust. Vielleicht etwas schnöde klingt Traces von Adrian Moore. Hier hört man zu oft die surrenden, schmachtenden Sauglaute eines Computers, der die reale Welt in sich aufnimmt und „Musik” herausspuckt. Clonky, aber eben auf ernste Weise; können auch Matthew Ostrowsti und andere. Grandios ist das Werk von Jonty Harrison, dem Leiter des elektroakustischen Instituts in Birmingham. Seine Sammlung von Stükken (fast alle um die 15 Minuten lang) verbindet befremdliche Geräusche mit Klängen derAußenwelt, ohne letztere als reine Projektionsfläche zu verwenden. Die Töne aus den verschiedenen Sphären interagieren und treten in eine Kommunikation. Stark! Die klanglichen Extreme in diesem Viererpack stammen von Denis Smalley. Er bricht mit den Konventionen der Akademika, wonach Töne zwar schräg und abstrakt ausstaffiert sein dürfen, aber bitteschön nicht stören sollen. Sein Werk scheut sich nicht vor häßlichen Momenten, harschen Brüchen und fast industriellem Lärm. Dabei bleibt alles dunkel wie das geheimnisvolle Cover der CD. Louis Dufort wirkt in seinen Stücken wie jemand, der die Regeln des Genres kennt und sie mit genauem Gehör exekutieren will, um hinter ihnen liegendes Potential zu erhellen. Die gelingt ihm am trefflichsten in der Komposition Zénith, die mit pochenden Tönen arbeitet, die sich gegen schrille aber auch flirrend-weichzeichnende Atmosphären behaupten müssen.
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empreintes DIGITALes est le fer de lance de la musique électroacoustique au sens où Métamkine pourrait la définir. Dirigé par Jean-François Denis, il est partagé avec SONARt qui lui distingue davantage les créations instrumentales de studio.
Chez empreintes DIGITALes, le radicalisme esthétique est une constante, plaçant d’emblée les productions du label au rang d’objet d’art. Un soin apporté aux pochettes et aux disques, qui sonne comme un engagement quasi éthique, si ce n’est idéologique. Toute cette génération de curieux trouve à présent un réel épanouissement, mûrisseent de quelques années de pratiques laborieuses, de doutes successifs, dans le jeu de la construction de Ieur univers respectif.
On peut ajouter l’influence de l’école française concrète (Schaeffer) référence évidente et revendiquée, notament par Jonty Harrison, même s’ils s’inscrivent en réaction à l’académisme, à l’hermétisme et à la doctrine de la technique. Ces auteurs ont le mérite de considérer l’époque pour elle-même et non à travers des mythologies douteuses ou fantasmées.
Louis Dufort, 31 ans, premier prix du conservatoire de Montréal, compositeur de la compagnie de Marie Chouinard, est un brillant iconoclaste. Il aime ainsi à intégrer des éléments non-musicaux dans sa trame musicale: «Objets, corps, couleurs et anecdotes sonores donnent lieu à des jeux de perception dans lesquelles est immergé l’auditeur. Les matériaux sonores sont ainsi trafiqués pour en soutirer des profils musicaux où poésie et représentation narrative du son servent de balises à l’élaboration de l’œuvre.» La limpidité de ses travaux offre un profond vertige soucieux d’allier tradition et modernité. Ses compositions électroacoustiques et atmosphériques sont empruntes d’angoisse, d’images pesantes et d’accalmies majestueusement fluides et dynamiques dans le même temps. Comme si Francisco López signe la BO de La machine molle sur Ant-Zen. Impressionnant.
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More “academic” Canadian avant-garde comes by Louis Dufort, who has realised three quarters of Connexion between the conservatory and the faculty of music of the University of Montréal. The structure of this work is essentially an alternation of quite to silent moments and assorted noises of the cracking to hissing to percussive variety, with a couple more dramatic interludes of apocalyptic nature beginning to crop up halfway the third track Zénith. The last of the four tracks, Décap, incorporates, in addition to the aforementioned ingredients, some obsessive loops and industrial elements in a 24-minute long exhausting cavalcade.
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