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Artistes // Érick d’Orion

  • Articles sur Érick d’Orion

    Les critiques de disques se retrouvent dans les pages de chaque disque (via l’onglet discographie).

    3 août 2016
    Par Catherine Genest in Voir (Québec), 3 août 2016

    Texte

    «L’étrangeté et l’esthétique vintage inhérente au monde des foires fait corps avec l’art actuel. Un exercice de développement de public tout simplement génial»

    Une fête foraine décalée réunissant BGL, Diane Landry, Érick d’Orion et plusieurs autres.

    L’étrangeté et l’esthétique vintage inhérente au monde des foires fait corps avec l’art actuel. Un exercice de développement de public tout simplement génial, rêvé puis concrétisé par les commissaires Vincent Roy (EXMURO) et Ève Cadieux.

    Imaginez: vous marchez paisiblement sur Grande Allée, sur la portion hors du buffets de discothèques, puis tombez nez à nez avec un enclos rouge et jaune, ses lumières qui scintillent à la nuit tombée et jusqu’à 23h, ses roulottes de gitans, l’odeur des hot dogs, son carrousel central métallique. Immédiatement appâté, et sans trop savoir de quoi il s’agit, vous faites vite de gagner le parc d’attraction, cette version tordue d’un parc éphémère de Beauce Carnaval, mais qui en reprend les mêmes codes esthétiques.

    «Quessé ça?»

    D’abord étrenné à Calgary en 2012, Le Carrousel du décadent et Ô combien ludique trio BGL se stationne dans le parc du MNBAQ pour d’innombrables tours de pistes à donner le tournis. Oserez vous déposer votre popotin dans le panier d’épicerie?

    Une autre héroïne locale, en la personne de la douce Diane Landry, présente pour sa part une œuvre mécanico-sonore intitulée Le bouclier magique. L’expérience, à la fois surnaturelle et relaxante, donne l’impression d’aller à la rencontre d’un gentil fantôme.

    Mais ce qui trouble, ce qui marque le plus, c’est Le Musée de la mort du singulier (vraiment un euphémisme!) photographe torontois Jack Burman. L’artiste canadien articule sa pratique vraiment deep autour d’un genre de dialogue entre le monde des vivants et celui d’outre-tombe. Ses œuvres, des portraits de gens décédés, glacent le sang tout en nous laissant avec une drôle de sensation d’apaisement au sortir de la caravane. On devine, ça fait drôle de l’écrire, que le croqueur d’images a un profond respect pour ses sujets inertes et souvent démembrés ou décapités.

    Je ne me souviens pas d’avoir été aussi dérangée par l’art, chose excessivement rare de nos jours puisque tous les tabous me semblaient transcendés jusqu’ici… D’autant plus qu’après coup, on m’a appris que le type ne retouchait pas ses photos. Ces couleurs surannées, ce sont les vraies!

    Vincent Roy et Ève Cadieux ont misé sur la peur, la curiosité, la fascination, pour bâtir ce corpus d’œuvres (essentiellement des installations) présentées jusqu’à ce dimanche le 7 août sur les Plaines d’Abraham.

    Je laisse le mystère planer quant aux autres propositions, toutes plus déconcertantes les unes que les autres, celle de Joan Fontcuberta étant même fortement déconseillées aux jeunes de moins de 18 ans. Je n’ai, moi-même, pas pu y rester longtemps.

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    29 juillet 2016
    Par Yves Leclerc in Le Journal de Québec (Québec), 29 juillet 2016

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    ««J’ai fait de la capture de sons à La Ronde et dans la section manèges des Galeries de la Capitale, et j’ai enregistré des spectacles de feux d’artifice à Montréal pour en faire une masse sonore liée aux ambiances des fêtes foraines», a expliqué l’artiste Érick d’Orion

    Il n’y aura pas d’Expo Québec cet été, mais l’esprit de la fête foraine est bien en vie, jusqu’au 7 août, au parc du Musée national des beaux-arts du Québec.

    Oubliez les manèges traditionnels, les jeux d’adresse douteux et la barbe à papa, l’exposition Humanorium — L’étrange fête foraine, présentée par EXMURO arts publics, est un clin d’œil moderne au passé.

    Cet événement en art actuel, ouvert tous les jours, de 13 h à 23 h, propose neuf attractions mises sur pied par des artistes de Québec, Montréal, Toronto et Barcelone.

    On peut faire un tour dans un carrousel déjanté, fabriqué avec des clôtures de sécurité et des paniers d’épicerie, visiter un Musée de la mort, regarder des photos de gens qui manipulent leurs corps et qui s’affichent sur le web et se faire raconter une histoire ou sa destinée par une voyante à partir de cartes qu’elle a créées.

    Le Petit Acousmonium est une petite cabine où, dans la noirceur, on peut entendre un maelström sonore de sons liés aux parcs d’attractions.

    «J’ai fait de la capture de sons à La Ronde et dans la section manèges des Galeries de la Capitale, et j’ai enregistré des spectacles de feux d’artifice à Montréal pour en faire une masse sonore liée aux ambiances des fêtes foraines», a expliqué l’artiste Érick d’Orion.

    Regard sur l’être humain Vincent Roy, directeur général et artistique d’EXMURO, a eu l’idée de cette fête foraine hors du commun et gratuite, lors d’une visite à Expo Québec, avec sa fille, il y a sept ans.

    «On est allé dans une maison des horreurs dans une roulotte. Ça coûtait autour de 8 $ pour deux personnes et la moitié des affaires ne fonctionnaient pas. Il n’y avait aucun feeling et c’était décevant. J’ai pu voir l’arrière du décor et ça m’a donné l’idée d’en faire une version artistique», a-t-il raconté, aujourd’hui, lors d’un point de presse.

    Une idée qui a été lancée, qui a évolué et qui a fait son chemin pour en arriver à Humanorium — L’étrange fête foraine.

    Vincent Roy croit que cette initiative a du potentiel pour se promener un peu partout à Québec, au Québec, au Canada et sur la côte Est américaine.

    «Je vois cette installation se bonifier et vivre durant 10 ans. C’est une exposition qui se situe entre l’inquiétant et le ludique. Humanorium, c’est un regard sur l’être humain, ses beautés et aussi ses failles. Il y a des malaises et des questionnements», a-t-il poursuivi, précisant que certains pavillons demandent une supervision parentale.

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    15 mai 2015
    Par Jérôme Delgado in Le Devoir (Québec), 15 mai 2015

    Texte

    «… et ses sons non formatés…»

    Le Festival international de musique actuelle de Victoriaville, et ses sons non formatés, prend son envol.

    Il pleuvait à boire debout, ce lundi matin. Mais place Sainte-Victoire, espace de verdure au cœur de Victoriaville, rien ne semblait arrêter la musique. Si l’auditoire se faisait rare, les interprètes, eux, ou plutôt elles, ne cessaient de jouer. Elles? Des installations sonores, ou des machines de toutes sortes, si vous préférez, fabriquées avec des objets aussi dissonants que des portes de «chars», des piscines gonflables ou des… arbres.

    Il pleuvait et pleuvait lors de ce premier jour du volet arts visuels — n’ayons pas peur des paradoxes — du Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV). Volet distinct du reste de la programmation: le FIMAV ne débutait officiellement que trois jours plus tard.

    Les «installations sonores dans l’espace public» sont ici une chose bien à part. Pas besoin de billet d’entrée, ni d’horaire fixe, elles se découvrent presque au hasard d’une promenade. Ou d’une randonnée cycliste puisque, sur cette place Sainte-Victoire, dominent la «vélogare» et la Route verte — ou sentier Transcanadien.

    «La musique actuelle peut prendre d’autres formes qu’un spectacle. C’est ce que j’essaie de montrer, dit Érick d’Orion, artiste et commissaire depuis 2011 de l’exposition sonore du FIMAV. Beaucoup de compositeurs ont une pratique en installation et travaillent le son comme matière première.»

    Pour le festival, le volet visuel et sonore est une formidable vitrine. Et, plus que jamais en cette édition, une porte d’entrée. Sur le bord de la piste cyclable, une dizaine de portières de voitures trônent, bien debout, comme un monument coloré à la «cour à scrap». Il s’agit d’une installation signée Sarah L’Hérault, intitulée 124 portes de chars. Sa musique? Une bande qui émet les sons associés à cet objet, de l’alarme déclenchée par son ouverture au claquement émis par sa fermeture.

    «On venait à peine d’installer les portes qu’un cycliste s’est arrêté», confie Érick d’Orion, convaincu que l’homme, une fois descendu de son vélo, venait d’ouvrir ses oreilles à tout le festival. D’une certaine manière, selon le commissaire, les installations font aussi «connaître les formes de musique qui ne sont pas formatées». «Les gens rigolent, et c’est tant mieux.»

    Une grande part du succès de ces installations repose sur les groupes scolaires. En 2014, une trentaine d’entre eux étaient passés les voir. Lundi, malgré la pluie, des écoliers faisaient déjà le parcours. Selon Érick d’Orion, les enfants aiment à ce point leur visite qu’ils reviennent avec leur famille. Les statistiques du FIMAV ne disent pas le contraire: sur les 16 000 festivaliers de l’édition 2014, on considère que 11 000 se sont pointés place Sainte-Victoire.

    Diversité de propositions

    Érick d’Orion a retenu sept propositions, dont la majorité s’expérimentent en plein air. Il a voulu offrir une vaste étendue de ce qui se fait en musique, entre des compositions plus électroacoustiques, ce qu’il appelle le «old school», des œuvres «plus tape-à-l’œil» et d’autres davantage du type bricolage et animées par l’imprévu et l’accidentel.

    Place Sainte-Victoire, il y a bien un kiosque à musique, et c’est abrité sous son toit que le piano trafiqué, renversé et démembré par Nataliya Petkova laisse frapper ses marteaux. Pas loin de ce kiosque, le parc possède aussi sa piste de breakdance. C’est autour d’elle, cachés derrière une baie d’arbres, que résonnent les haut-parleurs de l’œuvre Duramen, de Martin Bédard et Georges Forget. Le titre de la pièce évoque la partie interne de l’arbre, et c’est donc celui-ci ou ceux-là qui s’expriment à travers des airs envoûtants, type new age.

    Dans un espace sous forme de rotonde, les passants découvriront Fenêtres, d’Alexis Bellavance. Il s’agit de trois bassins d’eau (des piscines gonflables) sur lesquels flottent des miroirs. Simple en apparence, l’œuvre est d’une belle complexité. La musique qui en émane, le déplacement des miroirs, le reflet du ciel, tout est relié et ces trois oasis d’eau forment tout un orchestre.

    Plus proches du spectacle, avec un début et une fin, les installations de Patrick Saint-Denis et de Danys Levasseur mettent en scène des androïdes musicaux. Celle du premier, à voir à la vélogare, offre une gigue à base d’accordéons. L’autre, à dénicher derrière un centre communautaire, est un festin audiovisuel basé sur la mécanique d’instruments nés par l’assemblage de déchets industriels. À la fin du numéro de Réserve phonique, on a presque le goût d’applaudir.

    On comprend que les écoliers veuillent y revenir.

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    13 mai 2015
    Par Manon Toupin in La Nouvelle Union (Québec), 13 mai 2015

    Texte

    «Une installation sonore électroacoustique enveloppante qu’il faut expérimenter sans faute.»

    Pour une sixième année consécutive, le FIMAV propose, dans sa programmation, des installations sonores dans l’environnement du parc Sainte-Victoire. C’est l’occasion de découvrir des créations intrigantes, mais aussi invitantes.

    Le circuit propose cette année sept arrêts afin d’apprécier des œuvres musicales qui viennent s’intégrer à l’environnement. Les artistes ont opté, en grande majorité, pour des objets de la vie courante avec lesquels ils sont parvenus à créer une poésie musicale. Le commissaire aux installations, Érick d’Orion, a expliqué que l’équipe prenait de l’expérience en la matière. «Cette année, on remarque aussi moins de complexité technique», a-t-il souligné.

    Il faut dire qu’il n’est pas nécessairement évident de trouver des artistes prêts à venir installer leurs œuvres pour le FIMAV. Le fait que quatre d’entre elles soient installées à l’extérieur, faisant face aux intempéries, peut en décourager certains. Aussi, ces installations sonores sont destinées, en majorité, à un grand public qui n’est pas nécessairement habitué à ce genre artistique.

    Érick a donc opté pour des œuvres simples qui captent rapidement l’attention des passants. «Il faut des installations accessibles, ajoute-t-il, et solides lorsqu’elles sont installées à l’extérieur.»

    Pour le commissaire, le rêve serait d’approcher les artistes une ou deux années à l’avance et leur attitrer un endroit spécifique. Ainsi, l’œuvre serait réalisée spécifiquement pour le lieu. Déjà cette année, deux installations ont été faites de cette façon. Il y a 124 portes de chars de Sarah L’Hérault et Duramen de Martin Bédard et Georges Forget qui répondent à ces critères.

    Les installations sonores ont été montées sous la pluie dimanche dernier, et il a fallu attendre mercredi matin avant que le beau temps soit de la partie. À ce moment, les groupes d’élèves ont commencé leur visite du circuit, appréciant chaque œuvre expliquée par des bénévoles chevronnés. En tout, 31 groupes scolaires ont réservé une visite (le même nombre que l’an dernier) et on espère 12 000 visiteurs, tout comme en 2014.

    Une visite du circuit

    Les passants seront peut-être attirés par les portières de voitures, installées tout près de la piste cyclable. Il s’agit de l’œuvre de Sarah L’Hérault présentée en première mondiale et intitulée 124 portes de chars. Il s’agit en fait de huit portières de vieilles voitures installées aux abords de la piste, qui émettent toutes un son différent. Ça peut être un bruit de déverrouillage, un klaxon, un démarreur, bref des sons reliés aux véhicules automobiles. Le tout présenté dans un ordre qui en fait une joyeuse mélodie. «C’est un peu la porte d’entrée des installations sonores», dit Érick en souriant.

    Les visiteurs voudront peut-être poursuivre le circuit dans la salle d’exposition de la Bibliothèque Charles-Édouard-Mailhot qui accueille l’œuvre de Mark Lowe intitulée Singularity. Il s’agit d’une vidéo sonore un peu hypnotique qui présente un double vortex. Dans le noir presque total, une vidéo propose un premier vortex, créé par le retrait d’un bouchon dans une baignoire pleine d’eau. Une trame sonore, diffusée par des bandes magnétiques, vient ajouter à l’ambiance qui invite à la réflexion.

    Installations sonores

    Du côté de l’agora (derrière la bibliothèque), Duramen intrigue les passants. L’œuvre, composée par Martin Bédard et Georges Forget, n’est que sonore. Rien à voir. Il ne faut que s’installer au milieu de l’agora et se laisser entourer par la composition des deux musiciens. Les haut-parleurs ont été cachés dans la haie qui donne un effet «surround». «C’est du cinéma pour les oreilles, une allégorie du bois et des arbres», ajoute le commissaire. D’où le nom de l’œuvre «Duramen» qui est la partie interne de l’arbre. Une installation sonore électroacoustique enveloppante qu’il faut expérimenter sans faute.

    Le kiosque à musique, de son côté, propose Composition en V+ de Nataliya Petkova. Il s’agit de deux pianos, les tables d’harmonie plus précisément, réduits à leur plus simple expression. Avec des moteurs, les cordes présentent des sons et une discrète mélodie.

    Derrière la Vélogare, c’est l’installation d’Alexis Bellavance qui attire l’attention. Elle est formée de trois petites piscines munies chacune d’un haut-parleur et d’un miroir. Le visiteur pourra donc entendre ce trio inhabituel où l’eau vient aussi amplifier les sons de grenouilles et d’eau. L’œuvre s’intitule simplement Fenêtres puisque le miroir vient refléter le ciel comme s’il s’agissait d’une fenêtre.

    Dans la Vélogare, c’est Patrick Saint-Denis qui a installé Pentafold. Une joyeuse œuvre formée de cinq accordéons (tous identiques) et qui viennent former un chœur robotisé. Un élaboré système informatique permet de présenter une pièce puis des pauses ou les accordéons soupirent en même temps avant de reprendre le boulot et animer les amateurs.

    Finalement, il ne faut pas manquer la saveur locale des installations sonores, du côté du Centre Emmaüs. Présentée en première mondiale et en collaboration avec le Grave, l’installation du Chestervillois Danys Levasseur impressionne. Avec ses cinq sculptures sonores qui offrent une pièce musicale d’une quinzaine de minutes. «Danys a mis quatre années de travail avant de présenter sa première installation et sa composition Réserve phonique», explique Érick d’Orion.

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    14 novembre 2013
    Par Catherine Genest in Voir Québec (Québec), 14 novembre 2013

    Texte

    «Érick d’Orion, figure de proue de l’art audio à Québec, y signe pour une première fois des compositions dédiées à un spectacle de danse contemporaine.»

    Plus qu’une trame de fond, la musique de Bach se fera entendre au-delà des enregistrements sur lesquels on pèse sur play. Érick d’Orion, figure de proue de l’art audio à Québec, y signe pour une première fois des compositions dédiées à un spectacle de danse contemporaine. Loin de se contenter d’un simple remixage, d’Orion s’est approprié Bach et l’a façonné comme on concasse la pierre sortie d’une carrière. Des créations originales au-dessus desquelles flotte le fantôme de Johann Sebastian.

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    16 octobre 2012
    Par Sylvie Nicolas in Le Devoir (Québec), 16 octobre 2012

    Coupure de presse

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    13 octobre 2012
    in Info-Culture (Québec), 13 octobre 2012

    Texte

    «La mise en scène est astucieuse. Les projections vidéos sont surprenantes et prenantes.»

    Existentialisme ou surréalisme? Bien difficile à dire.

    La pièce La chute du piano présentée à la salle Multi de la coopérative Méduse a intrigué la centaine de spectateurs samedi soir le 13 octobre.

    Un heureux mélange pluridisciplinaire et multimédia d’une durée d’environ 45 minutes.

    Il est très difficile d’en tirer une conclusion. Par contre nous pouvons dire que le jeu et le texte des comédiens se limitent au strict minimum. Les textes étant récités par une voix dite ‘off’. La mise en scène est astucieuse. Les projections vidéos sont surprenantes et prenantes. Les effets sonores sont adéquats. On nous a dit que «nous avions des oreilles pour voir» et que même si «une question est bonne, il ne faut pas la gâcher en lui donnant une réponse».

    Chacun doit faire sa propre évaluation de ce spectacle. Ou était-ce une représentation?

    Synopsis

    Il est question d’un piano qui chute, d’une auteure qui chute, d’un chanteur qui se tient sur un point élevé, d’un danseur étendu par terre. Il est question d’un philosophe et d’un musicien qui discutent du projet de faire un spectacle dont le sujet (et le titre) serait la chute du piano. Ce philosophe et ce musicien, Gilles et John, sont des personnages inventant le spectacle qui est en train de se faire par des personnes réelles. C’est l’envers. L’endroit étant le plateau où les artistes se tiennent, où les images et les scènes — faites de poésie et de pixels — se font et se refont jusqu’au point d’impact, la chute du spectacle.

    Éclats et Rhizome proposent un projet hybride entre poésie, danse et musique. Une collaboration franco-québécoise, une rencontre interdisciplinaire autour des figures du philosophe Gilles Deleuze et du compositeur John Cage.

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    21 mai 2012
    Par Alain Brunet in La Presse (Québec), 21 mai 2012

    Texte

    «… les gens étaient curieux de ces installations…»

    […] Érick d’Orion, commissaire aux installations sonores, un concept mis de l’avant au FIMAV depuis trois ans s’est montré fier de leur impact auprès des résidants des Bois-Francs. «Nous avons observé que les gens étaient curieux de ces installations qu’ils fréquentaient par hasard au cours des années précédentes. Ils se les approprient, ce qui augure bien pour les années à venir.»

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    9 septembre 2011
    Par Isabelle Chabot in Québec Hebdo (Québec), 9 septembre 2011

    Texte

    «L’idée est de les amener plus loin dans un processus de création.»

    L’organisation oeuvrant auprès des personnes ayant des problèmes de santé mentale, Folie/Culture, lance un nouvel Atelier de création en art audio. L’activité unique est gratuite et offerte à environ huit personnes.

    Le projet est organisé en collaboration avec le centre Avatar et animé par Érick d’Orion. L’artiste sonore est également musicien et commissaire à l’occasion. Il proposera aux participants l’exploration et l’expérimentation sonore. «L’idée est de les amener plus loin dans un processus de création. C’est une façon de valoriser grâce à la présentation publique prévue. Ça donne une certaine importance et ça les met aussi en contact avec des artistes professionnels», explique la directrice de Folie/culture, Céline Marcotte. Cette dernière souligne que l’atelier n’est pas une forme d’art thérapie. Personne n’étudiera ou n’analysera les participants.

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    4 août 2011
    Par Josianne Desloges in Le Soleil (Québec), 4 août 2011

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    ««On rappellera les 10 ans du Sommet des Amériques, de la destruction du toit du mail Saint-Roch et on évoquera les attentats du 11 septembre», souligne Erick d’Orion, qui s’occupe de la création sonore.»

    Les artistes Martin Bureau, Erick d’Orion et Jean-François Dugas utiliseront la façade de l’église Saint-Roch comme écran pour composer en direct une projection architecturale. Le Soleil les a rencontrés dans la nuit d’hier, alors qu’ils faisaient les premiers essais au grand air. Puisque ces dernières semaines, ils peaufinaient leurs images sur une maquette de six pieds de haut dans un petit studio de montage, ils avaient bien hâte de voir le résultat.

    «On a vu un peu ce qui avait été fait dans le temps des Fêtes, et on savait qu’il fallait créer des images très contrastées. Il a aussi fallu tenir compte de la surface, qui est assez ingrate», indique Jean-François Dugas, en charge du volet vidéo de La kyrielle des chiens. Une kyrielle désigne à la fois un chant liturgique et un exercice de style littéraire où chaque vers débute par la syllabe qui terminait le vers précédent (comme dans La ballade des pendus de François Villon et la comptine Trois petits chats). Quant aux chiens, Saint-Roch est leur patron.

    Le thème de la catastrophe

    D’une image et d’un son à l’autre, le trio arrimera trois anniversaires qui ont modifié l’architecture urbaine et l’expérience humaine. «On rappellera les 10 ans du Sommet des Amériques, de la destruction du toit du mail Saint-Roch et on évoquera les attentats du 11 septembre», souligne Erick d’Orion, qui s’occupe de la création sonore. Initiateur du projet, le peintre et dessinateur Martin Bureau s’intéresse depuis longtemps au thème de la catastrophe dans ses œuvres. «Paul Virilio n’est jamais bien loin», indique l’artiste, pour qui les écrits de ce penseur de la fin du monde sont une source d’inspiration constante. Il a utilisé pour la première fois une tablette graphique pour réaliser ses dessins, qui auront un look très «crayonné». Jean-François Dugas a puisé dans ses images d’archives (et dans celles de Patrick Boivin de Phylactère Cola, qui donnera une conférence à Méduse samedi) pour compléter le volet visuel. Avions, étoiles, satellites, chiens, explosions, caméra de surveillance, pompe à pétrole, grues et images de foule défileront sur la façade de l’église. Quelques images de jeux vidéo ont aussi été utilisées. Partant de la vision et du matériel des trois artistes, Lumenistudio, une compagnie de Québec créée par Dominique Grenier, a rendu la projection architecturale concrète. La firme a notamment travaillé sur le Moulin à images et sur la projection de Spider-Man sur l’édifice Beenox. La kyrielle des chiens permettra de dégager le thème de la compétition de ce troisième Bivouac. Pendant 48 heures, dans le campement créatif de la place de l’Université-du-Québec, les concepteurs inscrits créeront des jeux vidéo, des courts-métrages d’animation ou des peintures d’environnements numériques (concept art). Le public pourra tester les créations dimanche après-midi.

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    22 janvier 2011
    Par Lucie Vallée in Québec Info Musique (Québec), 22 janvier 2011

    Texte

    «La ville de Québec est un beau laboratoire où se transforment de nouvelles formes artistiques à travers l’exploration des nouveaux médias par des créateurs qui travaillent à renouveler l’art audio et la performance poétique.»

    Le 12 janvier 2011 au Studio P, une soirée singulière nous était proposée. Elle visait à apparier art audio et nouvelle littérature dans cet espace culturel accueillant, attenant à la librairie Pantoute. Les deux modes d’expression étaient mis à contribution dans une chaîne de création d’œuvres agissant l’une sur l’autre et se modifiant l’une l’autre pour offrir une performance «nouvelles vagues», formule proposée par les Productions Rhizome et Érick d’Orion, producteurs du projet.

    Ce projet mettait donc en équipe des duos d’artistes audio et littéraires. La démarche à l’origine du projet a été initiée par la production d’une première pièce audio. S’en inspirant, un texte était proposé par la suite. La voix de l’auteur lisant ce texte a été alors enregistrée et remise à l’artiste audio. Texte et voix ont finalement été utilisés pour la création d’une seconde pièce audio. En représentation, était alors proposée une lecture du texte par son auteur, suivie de l’écoute de la pièce composée par l’artiste audio.

    Les artistes pour cette soirée Nouvelles Vagues étaient pour la première partie de la soirée Matthieu Campagna (Québec) et le poète Alexis Lussier (Montréal), et dans un deuxième temps, Mériol Lehmann (Québec) et la poète Annie Lafleur (Montréal). Le premier projet présenté était inspiré par une promenade dans l’espace urbain. La facture sonore appuyait une poésie plus linéaire. Il était intéressant de noter que, malgré la disposition sérielle des deux médium, leur intégration permettait de dégager un ensemble cohérent et d’avoir une appréciation plus perceptible de l’influence de l’un sur l’autre. Dans la seconde partie, le travail d’Annie Leclerc, qui construit «des tensions entre le concret et l’abstrait, la syntaxe linéaire et le chaos», était appuyé de façon plus développée au niveau sonore par le travail de Mériol Lehmann, dans un objet ou le texte enregistré par l’auteur était utilisé et reconstruit et incorporé au projet audio.

    La ville de Québec est un beau laboratoire où se transforment de nouvelles formes artistiques à travers l’exploration des nouveaux médias par des créateurs qui travaillent à renouveler l’art audio et la performance poétique.

    blogue@press-4343 press@4343
    28 mai 2010
    Par Danny Trobu in Chez Danny Trobu (Québec), 28 mai 2010

    Texte

    «Fascinant!»

    Cette année, le FIMAV n’était pas fait seulement de spectacles en salle. Au Théâtre Parminou il y avait cette curieuse installation faite de 6 pianos qui ont connus de meilleurs jours et de hauts-parleur qui jouaient des solos de piano.

    Il faut dire que l’entrée en matière était assez particulière: J’arrive au Parminou et il y a une petite dame à l’entrée. «Venez-vous voir les pianos?» me demande-t-elle d’un air comme si j’étais le premier à me présenter. Elle me fait signe que c’est au bout du couloir à gauche. «Attendez, je vais vous ouvrir la porte» fait-elle comme si la porte était barrée pour garder les pianos à l’intérieur.

    J’entre dans cette pièce aux murs noirs où seulement 6 spots éclairent les 6 pianos et il y a un piano qui gronde. La porte se referme derrière moi dans CLANG sonore. Ça y est, je suis pris au piège et les pianos vont avoir ma peau.

    Après quelques secondes, je confirme que les pianos ne bougent pas. C’est déjà ça, mais maintenant 3 pianos grondent furieusement. Tout d’un coup, il se taisent. Le piano recommence doucement dans les hauts-parleurs et un piano enchaine en grondant légèrement. Plus le solo de piano s’emballe, plus les pianos entrent dans la mélodie et grondent en chœur.

    Les pianos ont vraiment connus de meilleurs jours. Ils sont carrément hors d’état de jouer. Du coup, je voyais une maison de retraite pour vieux pianos séniles. Il y a un délai entre la musique et les réactions des pianos, comme des vieux gâteux qui passent leur temps à dire «Heille! C’est moi qui jouait ça!».

    Les pianos grondent car d’Orion a placé un moteur électrique désaxé dans chacun d’eux. Après avoir discuté avec d’Orion entre deux show du FIMAV, j’ai appris que c’est un ordinateur qui contrôle les moteurs en les activant selon les fréquences présentes dans la trame de piano; un piano gronde sur les graves, un autre sur les moyennes-graves, un autre sur les hautes et ainsi de suite. Le délai entre la réaction du moteur par rapport à la musique est dû au temps que prends le moteur avant de démarrer, soit environ un quart de seconde.

    J’ai dû passer 15 minutes planté là, seul, au milieu de 6 pianos qui grondent à étudier leurs réactions.

    Mon avis: Fascinant!

    blogue@press-4187 press@4187
    25 mai 2010
    Par Alain Brunet in La Presse (Québec), 25 mai 2010

    Texte

    «Le directeur artistique du FIMAV se réjouit des rencontres entre artistes locaux et étrangers: «L’Américain Charlemagne Palestine, fait-il observer, a été emballé par l’installation du Québécois Érick d’Orion (Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste) présentée au Théâtre Parminou».»

    Après avoir fait la pause en 2009, le Festival international de musique actuelle de Victoriaville a conclu dimanche sa 26e présentation par une chute substantielle de son affluence en salle: 3500 places payantes, comparativement à 6000 en 2008, et un déficit d’environ 25 000 $ sur un budget qui frôle les 650 000 $. En revanche, on affirme que près de 10 000 personnes ont assisté aux installations et événements gratuits présentés à Victoriaville par le festival.

    «Il y a une baisse, ça c’est sûr. On s’attendait à ce qu’il y ait moins de public, mais nous aurions cru à une plus grande affluence vendredi», admet Michel Levasseur, directeur artistique et fondateur du FIMAV, avant de justifier cette décroissance. Dans ses meilleures années, faut-il le rappeler, le FIMAV avait franchi le cap des 7000 places.

    «En diminuant le nombre de jours à quatre au lieu de cinq, nous espérons désormais atteindre le cap des 5000 entrées payantes. À tout le moins, 4500 entrées pour l’an prochain. Pour ce qui est de cette année, je crois qu’il est trop tôt pour évaluer l’opération dans son ensemble», croit-il, ajoutant d’un ton affirmatif que le FIMAV vit un nouveau départ et que les objectifs de la transition vers une formule renouvelée ont été atteints… sauf le nombre de places payantes, il va sans dire.

    Des changements

    Rappelons que l’équipe du festival a entrepris des changements structurels qui, selon Levasseur, ont été bien accueillis par la clientèle.

    «Nous avons amorcé un volet cinéma (encore embryonnaire) avec quelques présentations — dont Mamori de Karl Lemieux, cinéaste originaire de Victoriaville dont le film a été créé en collaboration avec l’ONF. Nous avons aussi dynamisé l’événement avec les installations sonores gratuites qui, selon nos estimations, ont été vues par environ 10 000 personnes. De plus, la création d’une deuxième salle au Colisée des Bois-Francs a été très bien accueillie.»

    En fait, la baisse de l’achalandage en salle ne semble pas décevoir Michel Levasseur. Il soutient ne rien regretter de ses choix de programmation, triés à partir de plus de 700 propositions artistiques. De surcroît, il dit assumer totalement la présence accrue de productions québécoises, à hauteur de plus ou moins 50 % de la programmation en salle de son festival aux prétentions internationales. «Quand on pense que le concert de René Lussier était l’un des plus attendus de toute la programmation, je dis mission accomplie», tranche-t-il.

    Beaux moments, belles rencontres

    Parmi les grands moments passés au 26e FIMAV, le directeur artistique n’hésite pas à souligner le succès des soirées de samedi et dimanche au Colisée de Bois-Francs, notamment le concert du jazzman octogénaire Bill Dixon, Tapestries for Small Orchestra. «J’ai été ébloui par cet homme qui, à la fin de sa vie, est venu avec une telle force nous présenter de la musique entièrement inédite.»

    Enfin, le directeur artistique du FIMAV se réjouit des rencontres entre artistes locaux et étrangers: «L’Américain Charlemagne Palestine, fait-il observer, a été emballé par l’installation du Québécois Éric d’Orion (Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste) présentée au Théâtre Parminou.»

    Peu probable, donc, que la manière Levasseur ne connaisse des modifications importantes pour la 27e présentation du petit festival des Bois-Francs.

    «Nous seront en mesure de peaufiner les changements structurels réalisés cette année. C’est un grand pas en avant, je crois», martèle-t-il.

    Le moins qu’on puisse dire, c’est que le FIMAV persiste, signe… et assume sa signature.

    blogue@press-4181 press@4181
    22 mai 2010
    Par François Couture in Monsieur Délire (Québec), 22 mai 2010

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    «Très classe. Du beau boulot.»

    Avant le premier concert, nous sommes retournés voir l’installation sonore d’Érick d’Orion. D’abord, elle est plastiquement superbe: six pianos en ruine de formes et d’époques variées. Très classe. La bande-son des solos de piano est présente mais discrète, enterrée par les vibrations provoquées par les moteurs qu’elle entraîne (jeu d’assignation numérique des fréquences de la bande). Du beau boulot.

    blogue@press-4174 press@4174
    22 mai 2010
    Par François Couture in Monsieur Délire (Québec), 22 mai 2010

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    «Un bon coup de poing pour commencer la journée.»

    Érick d’Orion, Nicolas Bernier et Alexis Bellavance ont donné une prestation saisissante de bruits crus mais bien pensés — beau jeu d’ensemble, cabotinage agréable, démarche solide. Un bon coup de poing pour commencer la journée.

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    21 mai 2010
    Par Yanick Poisson in La Tribune (Québec), 21 mai 2010

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    «Le résultat est impressionnant.»

    Le directeur artistique du Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV), Michel Levasseur, a donné le coup d’envoi à la 26e reprise de son événement, jeudi soir, avec un an de retard. Selon lui, le stress relié à l’obsession de bien faire après cette année sabbatique s’est transformé en une adrénaline qui donnera son énergie à une étape cruciale dans l’histoire de l’événement.

    «Nous avons retranché une journée au Festival cette année. En revanche, nous nous sommes imposé le stress d’ajouter une journée pour les installations sonores et la présentation du spectacle de Nabaz’mob aux écoliers, des choses que nous n’avions pas faites depuis un bout de temps. Maintenant que ces étapes sont franchies, le stress s’est transformé en adrénaline», a indiqué M Levasseur.

    Sans en dévoiler le nombre, le fondateur du FIMAV a d’entrée de jeu admis que le 26e événement ne sera pas aussi prisé que son précédent, qui a eu lieu en 2008. Il faut dire que le 25e avait été une édition festive et que l’année de relâche a certainement eu un impact sur la pré-vente de billets. Peu importe l’achalandage du week-end, Michel Levasseur n’espère qu’une chose, c’est que le Festival retrouve sa vivacité d’antan.

    Afin d’ouvrir de belle façon le 26e FIMAV, Michel Levasseur a fait appel à Éric d’Orion et à son installation Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste. Cette œuvre consiste, comme son nom l’indique, en six pianos munis de moteurs qui entonnent autant de partitions différentes sans l’aide de pianistes. La particularité avec ces pianos est le fait qu’ils ont tous des imperfections et qu’ils n’ont donc pas le même son qu’un piano en bon état.

    «Dans cette installation, j’ai recherché un moyen de donner une vie à des objets qui ne sont plus utilisés. J’ai appelé chez un restaurateur de pianos qui a été très heureux de me vendre six pianos défectueux pour 1000$. Il est même venu me les livrer», a-t-il expliqué.

    L’artiste a ensuite choisi une série de pièces allant du jazz de Duke Ellington au «gros rap sale» et a attitré, par ordinateur, des trames à chacun des pianos. Le résultat est impressionnant.

    Éric d’Orion en est à sa deuxième participation au FIMAV. De son propre aveu, sa première visite à Victoriaville, il y a de cela sept ans, lui a permis de faire son chemin sur la scène internationale. «Que tu sois n’importe où, le FIMAV est un joueur majeur dans le milieu et c’est sûr que d’intégrer ça dans ton CV ouvre plusieurs portes», a-t-il conclu.

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    21 mai 2010
    Par Manon Toupin in La Nouvelle Union (Québec), 21 mai 2010

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    «Ainsi, au lieu d’entendre les notes résonner dans l’espace, c’est le bois des pianos qui vibrent sous la baguette d’un programme informatique.»

    Pour ceux qui n’ont pas nécessairement l’audace d’acheter des billets pour assister à un concert du Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV), une belle alternative leur est offerte cette année avec la mise en place d’installations sonores dans l’espace public.

    Ainsi, trois lieux différents, accessibles gratuitement, ont été aménagés afin d’y offrir une expérience sonore inhabituelle.

    Une première installation est accessible à l’intérieur du théâtre Parminou. À cet endroit, Érick d’Orion a installé ses six pianos qui vibrent grâce à l’ajout d’un mécanisme. Ainsi, au lieu d’entendre les notes résonner dans l’espace, c’est le bois des pianos qui vibrent sous la baguette d’un programme informatique.

    Intitulée Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste, l’installation propose six pianos laissés à l’abandon. En musique de fond, pour accompagner la vibration, un montage sonore d’échantillons de solos de pianos.

    Érick d’Orion, qui est électronicien, artiste sonore bruitiste et maximaliste, est très heureux de pouvoir présenter ce travail dans le cadre du FIMAV, qu’il fréquente depuis plusieurs années.

    Les deux autres installations sont situées dans le parc Sainte-Victoire. Au kiosque à musique, ce sont les Empreintes d’Yves Daoust que les passants peuvent apprécier. En effet, il a installé des carillons faits de différents matériaux (cuillères, bouts de bois, etc.) qui émettent leur son lorsqu’ils sont agités. S’ajoute à cela une musique électroacoustique déversée par 8 haut-parleurs fixés au plafond du kiosque. Les visiteurs sont donc invités à se laisser envahir par les sons.

    Finalement, directement sur la piste cyclable, près de la vélogare, La vie mode d’emploi d’André Pappathomas lance ses voix avec une orchestration multipiste des voix de choristes de la région qu’il a enregistrées il y a quelques mois.

    Chaque haut-parleur, fixé à un arbre, diffuse sa propre partition ce qui fait qu’en avançant sur la piste, différents voix, sons et mélodies parviennent aux oreilles. Une expérience enveloppante où les gens pourront s’amuser à reconnaître des voix de parents, d’amis ou de connaissances

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    11 février 2010
    Par Corinne Guimont in Les chroniques de Corinne (Québec), 11 février 2010

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    «Une fascinante exposition vous attend.»

    Vous avez jusqu’au 28 février 2010 pour contempler l’exposition étonnante d’Érick d’Orion: Solo de musique concrète pour six pianos sans pianiste. Une fascinante exposition vous attend. Vous entrerez dans un univers décharné où six pianos gisent dans la salle. Un concert qui allie sons et ambiance à partir des pianos en tant que caisse de résonance: étonnant… Essayer de deviner les pièces qui seront jouer dans l’enregistrement qui passe en boucle. Je vous conseille également le petit vidéo (sur place) qui explique bien la démarche de l’artiste. Très intéressant!!!

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    15 janvier 2010
    in Le Courrier (Québec), 15 janvier 2010

    Texte

    «L’œuvre d’Érick d’Orion est originale, percutante et d’une grande sensibilité.»

    Érick d’Orion, artiste de l’installation, compositeur et musicien autodidacte, réunit de vieux pianos pour l’exposition Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste. Grâce aux nouvelles technologies, cette installation, à la fois visuelle et sonore, crée un environnement musical. Chacun des pianos résonne aux rythmes des impulsions des moteurs désaxés disposés dans leur ventre. Érick d’Orion cherche à comprendre le rapport harmonieux entre l’imaginaire du spectateur devant des objets familiers et l’espace acoustique. L’exposition, parfois dérangeante, invite à une exploration de la musique concrète, du «noize», du free jazz et de l’électroacoustique. L’œuvre d’Érick d’Orion est originale, percutante et d’une grande sensibilité.

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    24 novembre 2009
    Par Christine Rousseau in Impact Campus (Québec), 24 novembre 2009

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    «Un travail réussi. Deux soirées de performances intenses et bien accueillies par le public.»

    Lui-même artiste du milieu de la performance sonore, Érick d’Orion est l’un des trois commissaires invités cette année par Avatar, un centre d’artistes spécialisé dans les arts audio et électronique. Si sa propre pratique s’oriente souvent autour de l’idée de relecture et de réappropriation de courants de l’histoire de l’art, avec Influences, c’est le concept d’old school qu’il a demandé aux performeurs de revisiter. «La création, c’est toujours ça. L’artiste se positionne face à ce qui s’est fait dans le passé. L’idée du old school, c’était de partir de quelque chose de passé pour aller plus loin», explique-t-il.

    Le commissaire a sélectionné différents mouvements artistiques du XXe siècle, parmi lesquels l’automatisme, le death métal, le cinéma direct et le free jazz, pour ne nommer que ceux-là. «Le choix des performeurs s’est fait en lien avec les courants d’art retenus. Pour le gangsta rap, par exemple, c’était sûr pour moi que [le performeur] allait être eRikm. Je savais qu’il serait capable de défoncer le cadre. […] Ce sont tous des artistes que je connais et dont je respecte le travail. Je voulais les sortir de leur zone de confort et ils ont tous travaillé vraiment fort», indique Érick d’Orion.

    Un travail réussi. Deux soirées de performances intenses et bien accueillies par le public. «Québec, c’est une bonne place pour organiser des trucs comme Influences. Avatar, c’est un des seuls centres au Canada qui s’intéressent à la problématique de l’art audio», commente Érick d’Orion, très content du succès de l’événement.

    blogue@press-6638 press@6638
    15 juillet 2009
    Par Camille Perotti in La Libre Belgique (Belgique), 15 juillet 2009

    Coupure de presse

    blogue@press-6611 press@6611
    8 juillet 2009
    Par AN in Télémoustique (Belgique), 8 juillet 2009

    Coupure de presse

    blogue@press-6612 press@6612
    4 juillet 2009
    Par Lorraine Mallinder in The Gazette (Québec), 4 juillet 2009

    Texte

    «… perhaps one of Europe’s most original festivals — and this year, six guys from Québec have helped to make it happen.»

    Québec artists run amok in an old Belgian town for a festival experimenting with sonics - from gunfire to spliced love songs.

    It’s a rainy afternoon in the legal district of Mons, Belgium. Up ahead stands the city’s Court of Justice, a stern concrete keep topped by an eye-like cupola. Gunmen fire from narrow slits around the perimeter of the building. Helicopters circle above; their intense drone is ear-splitting.

    No, Belgium has not turned into a police state. The dystopian soundscape — the gunfire and the helicopters — around the forbidding architecture was created by Québec artist Jocelyn Robert. His composition, part of a series entitled Invisible Cities, is designed to be heard on an MP3 player while following a set path through the winding cobblestone streets of Mons.

    This Court of Justice part is hardcore to say the least. “I find it really violent, like a cry of pain,” says 19-year old local student Émilie Kalecinski. It is, she says, a little harsh, even if the building is “quite sombre and austere.”

    Robert is one of six Québec artists who have descended upon the southern city of Mons for the launch of City Sonics, an experimental sound festival. This year’s event features a special focus on the sounds of Québec.

    The previous day, the festival had opened with off-kilter cultural commentary from Montréal’s Pop Core Duo. Imagine an Alcoholics Anonymous meeting on board a cruise ship in the middle of a stormy night with a psychotic master of ceremonies, and you’re halfway there.

    Manuel Chantre and Simon Laroche launch into their set with naval peaked caps, inviting the audience to smash a piñata to poppy electro sounds. But the festive mood changes abruptly as, blinking in the penumbra, Chantre strides out with a mike, asking the audience to share their tales of epiphany. Naturally, everyone freezes.

    Fortunately, Chantre has come prepared with some ready-made confessions, one of which involves redemption while singing in the shower and another about a devout cripple who discovers she can walk without God.

    Things get darker after that, as the duo navigate through stormy seas to the wails of crazed mermaids (a distorted sample of Daryl Hannah’s replicant in Bladerunner), with the set finally reaching a deafening, multi-layered crescendo. We wanted it to be a bit like a personal growth workshop, Laroche says afterward.

    Surreal? Well, this is Belgium, home of surrealism, after all.

    What to make, for example, of Erick d’Orion’s five pianos without pianists? Music from artists like Duke Ellington, Sun Ra and the Wu Tang Clan is piped through to vibrating motors installed in five dilapidated pianos. The deep, mechanical growls sound more like pneumatic drills than musical instruments.

    Clutching a can of ubiquitous Belgian brew Jupiler, d’Orion looks like a death metal fan who has just emerged from the mosh pit. The piano installation is all about creating sounds from objects in unexpected ways, says the Québec City native. He did a similar thing before with salad bowls.

    Ten minutes down the road at the Catholic University of Mons, fragments of How Deep Is Your Love by the Bee Gees are stretched into unrecognizably mystical form in the echoing confines of a 15th-century chapel. Maybe it’s just the surroundings, but standing alone beneath the stained-glass windows, Montréal artist Alexander MacSween cuts a vaguely monastic figure.

    His installation, Chapel of Love, is based on split-second splices from love songs by artists as diverse as Axl Rose and Franz Schubert. “I asked people to send me love songs eight weeks ago,” he says. “Oddly enough, most of them sent me heartbreak songs.” He expresses a desire to do the same thing in the churches back home: “People don’t go there anymore, but nobody wants to take them down. They are areas for reflection.”

    Upstairs, Simon Dumas is presenting a very personal take on the veracity of memory, based on his split with a girlfriend. Reconstructed photos — his ex now portrayed by a scantily clad actress — appear in dreamy slow motion interspersed with poetry and snatches of spoken word.

    A specific instance of how memory distorts past realities comes up in the video. Dumas, an artist and poet based in Québec City, explains that the recollection of his former girlfriend’s stomach problems led him to remember a photo of her with her forearm on her belly, a false memory since it had actually been placed behind her back.

    Next year, City Sonics’ organizers plan to up the Québec quotient. Overall, the first two days of this year’s festival have been a mind-altering experience. Gleefully anarchic, wilfully eccentric, with a good dollop of humour in places, it is perhaps one of Europe’s most original festivals — and this year, six guys from Québec have helped to make it happen.

    blogue@press-6588 press@6588
    1 juillet 2009
    in MCD — Musiques & cultures digitales (France), 1 juillet 2009

    Coupure de presse

    blogue@press-6613 press@6613
    27 juin 2009
    Par NW in La Voix du Nord (France), 27 juin 2009

    Coupure de presse

    blogue@press-6610 press@6610
    1 juin 2009
    Par OL in Nightlife (Québec), 1 juin 2009

    Texte

    «… on est vraiment en mode découverte.»

    Dans la vie, il y a l’ambient de type «tapisserie sonore», puis il y a celui du type «no man’s land où tout est possible». Le label local CCLTD choisit le second camp et convie à l’écoute active avec une excellente sélection qui salue les pendants techno minimal du genre (Laforge, Bleupulp), électro (Sul.a, Okotok), post-shoegaze (Chat Blanc Orchestra), dub (LeRobot) et purement expérimentaux (Éric d’Orion). Mis à part Galerie Stratique et Aun, on est vraiment en mode découverte. Iceberg révèle une effervescence insoupçonnée dans les disques durs de la province.

    blogue@press-6587 press@6587
    6 novembre 2008
    Par Marc Gauthier in marcgauthier.com (Québec), 6 novembre 2008

    Texte

    «En écoutant le travail d’Érick d’Orion, on se laisse porter par sa cadence et son intensité.»

    Au cinéma, la scène est mythique: un monolithe noir apparaît, éclairé comme un monument divin, le tout accompagné par une musique orchestrale imposante. Il s’agit de la scène du film 2001: L’Odyssée de l’espace que tout le monde connaît.

    Érick d’Orion rend hommage au compositeur responsable de cette œuvre sonore désormais classique, Györgi Ligeti. Dans Déréliction, il évoque ainsi la méditation et la contemplation face au néant.

    L’artiste a également crée une seconde œuvre intitulée Radiations. En partant d’une anecdote sur les radiations émises par son téléphone cellulaire, l’artiste est parvenu à créer un appareil qui exploite cette matière brute et qui la transforme en son. Jouant sur la notion de vibration — également associée aux portables — il a monté une œuvre sonore qui marie bols de cuisine en acier inoxydable, moteurs 12 volts et ondes électromagnétiques.

    Ce travail sonore est présenté dans le cadre de la série Excavations sonores. Proposée par Avatar du Complexe Méduse, il s’agit d’une création originale et complexe. Il est bien évident que l’ensemble demande un effort d’écoute pour un public qui n’est pas habitué à ce type de travail. Au premier abord, il semble facile de classer ce genre de travail dans la catégorie du bruit.

    Pourtant, si on se laisse aller, qu’on ferme ses yeux et qu’on ouvre son esprit, le rythme nous envahit. Je vous invite à tenter l’expérience car les œuvres sont disponibles sur Internet dans le site du Nom de la chose, Radiations les premières 18 minutes, Déréliction par la suite; cette seconde œuvre est plus méditative.

    En écoutant le travail d’Érick d’Orion, on se laisse porter par sa cadence et son intensité. L’artiste crée un mouvement, il parvient à communiquer avec nous par le biais du son. À la limite, en jouant avec des moteurs qui font vibrer des culs-de-poule, il joue avec le cœur de l’entendeur.

    Ces œuvres musicales sont tout sauf pépères. Elles demandent une ouverture, une curiosité face à l’exploration et à l’expérimentation. Il s’agit pourtant de musique d’ascenseur, en un sens, puisqu’elles sont jouées dans l’appareil élévateur du Complexe Méduse pendant le mois de novembre. C’est une expérience que je vous invite à vivre comme une installation sonore. La musique des autres ascenseurs vous semblera encore plus ennuyante.

    Érick d’Orion a donné une conférence aujourd’hui sur sa participation aux Excavations sonores, à laquelle j’ai participé.

    blogue@press-6503 press@6503
    22 septembre 2008
    Par Big Sista in Ceci n’est pas une pipe (Québec), 22 septembre 2008

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    «À La chambre blanche en ce moment, nous est offert la très précieuse occasion de s’abandonner à l’image et au son, de flotter sans attaches hors du temps, de déambuler en apesanteur dans un espace qui n’est nulle part.»

    À La chambre blanche en ce moment, nous est offert la très précieuse occasion de s’abandonner à l’image et au son, de flotter sans attaches hors du temps, de déambuler en apesanteur dans un espace qui n’est nulle part.

    C’est une proposition éminemment onirique que nous fait Érick d’Orion avec son installation: Forêt d’ifs, lieu étrange, du genre de ceux que l’on voit dans nos rêves ou même à la limite nos cauchemars. Dans ce travail, d’Orion unit deux environnements très différents: la forêt d’ifs de l’île d’Orléans et les abords urbains de La chambre blanche. Il crée une image sublimée de la superposition des lieux et projette des images saccadées, fondues en lumières blanche et verte, Au cœur de l’image comme le cœur emballé qui bat, le son vibre et nous enveloppe.

    En intégrant pour la première fois la vidéo à son travail audio, il nous livre un espace déroutant qui transforme notre rapport avec les choses les plus simples du quotidien; le bruit des moteurs, la lumière et les couleurs de la forêt, la présence blanche de la ville. On peut donc suivre l’artiste dans une ballade à travers une forêt improbable, où la ville se surimpose parfois à travers des sons sec, qui résonnent et cognent. Toute la bande sonore a quelque chose de presqu’obsédant et, sans le vouloir, on se met à tendre l’oreille pour capter des sons, on écarquille les yeux pour discerner des repaires familiers qui nous raccrocheraient au réel.

    C’est encore une fois une œuvre redoutablement efficace qui a le pouvoir d’animer dans nos têtes une beauté à la fois familière et étrange.

    Vous le savez je suis toute nouvelle dans ce monde de l’art audio et j’avance avec enthousiasme et sans retenue sur ce territoire non balisé. Je suis fascinée par la faculté qu’a l’art audio (le bon on s’entend) de brosser des tableaux complexes, de faire surgir des images qui se collent à notre rétine. Finalement l’art audio (le bon) est une forme d’art visuel, je pense…

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    15 mai 2008
    Par Jean-François Caron in Voir Saguenay/Alma (Québec), 15 mai 2008

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    «Érick d’Orion semble mettre en scène une multiplicité de lectures et d’interprétations de la musique»

    Séquence présente une installation sonore de l’artiste Érick d’Orion, qui démonte le piano et le montre dans tous ses états.

    Avec Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste, Érick d’Orion présente des pianos édentés, éventrés ou renversés dans une ronde immobile et bruyante. Il s’agit d’un vibrant rassemblement d’instruments qui n’ont plus grand-chose de leur élégance d’antan. La posture est parfois encore droite et placée, mais leur aspect usé présage des déconstructions musicales dont ils sont capables.

    Alors qu’on se serait attendu à voir les touches des instruments s’enfoncer en suivant le doigté d’une présence fantôme, les pianos à demi morts ne semblent plus pouvoir être que des caisses de résonance. Ils vrombissent dans un tumulte aliénant, devenus vibraphones presque grossiers, digérant l’impulsion de moteurs intégrés qui les rend indépendants de tout musicien. L’un se montre franchement grave, l’autre plus aigu, et les six se relancent, s’étouffent, se suivent, puis se relancent de nouveau, suivant un protocole difficile à décrypter.

    Ce n’est qu’après avoir parcouru toutes les salles d’exposition que l’on peut comprendre le véritable objet de ces mastodontes estropiés de la musique. Tout au fond, un avenant salon d’écoute laisse entendre une musique plus conventionnelle. Des partitions patientent sur une table basse, à portée des visiteurs.

    En fait, Érick d’Orion semble mettre en scène une multiplicité de lectures et d’interprétations de la musique. Une première transposition de l’écrit vers le sonore fait entendre ce qui était encodé sur des pages et des pages de portées, donnant des morceaux comme ceux auxquels l’oreille est habituée. La traduction la plus frappante est toutefois celle qui transforme cette première musique — des solos de Sun Ra, Duke Ellington et György Ligeti -, appréciable par quiconque est prêt à l’écouter, en une série de vibrations et de signaux sonores moins digestes. Il suffit de tricher en entrouvrant le rideau mitoyen et de se poster dans l’entrebâillement entre les deux salles pour percevoir la correspondance entre les univers musicaux qui semblaient de prime abord diamétralement opposés.

    L’organisation de l’espace, proposant d’abord les pianos traducteurs, puis le salon d’écoute faisant entendre les pièces originales, permet au visiteur de s’approprier peu à peu l’exposition, appréciant sans idée préconçue les différents instruments, découvrant leurs particularités, écoutant leur sonorité précise. On voudrait percer leur secret, attendant que leur individualité émerge. Chaque piano, d’ailleurs issu d’une époque différente, est envisagé comme unique malgré son association évidente avec ses semblables, ce qui n’aurait pas été possible si le trajet du visiteur avait été inversé.

    À noter que, pour ceux qui auraient particulièrement apprécié leur expérience, plusieurs œuvres sonores d’Érick d’Orion sont proposées à la carte, à l’entrée de la galerie.

    blogue@press-6444 press@6444
    8 mars 2008
    Par Marie-Ève Charron in Le Devoir (Québec), 8 mars 2008

    Texte

    «Les univers sonores se juxtaposent, puis se dédoublent simultanément dans les pianos trafiqués, donnant des échos un peu plus familiers mais qui, assurément, déroutent aussi les oreilles, même les plus avisées.»

    Un concert inusité a cours chez Oboro. Érick d’Orion, surtout présent sur la scène artistique de la ville de Québec, signe ici la composition d’un solo [Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste] qui a la particularité de se passer de musicien. Artiste audio et en nouveaux médias, d’Orion présente une installation sonore de son cru, faite de pianos droits décrépits et de dispositifs électroniques.

    Cinq des six pianos annoncés par le titre de l’installation (l’autre étant trop usé ou exploité uniquement comme sculpture) vibrent étrangement grâce à des moteurs désaxés placés sur les tables d’harmonie. Les vieilles carcasses s’animent par à-coup, générant une musique concrète qui pourrait avoir des liens de parenté avec Dada et John Cage.

    En fait, au dire de l’artiste, son travail revisite une référence moins lointaine qui est celle du «ruined piano», domaine de recherche développé par Stephen Scott et Ross Bolleter. Pour eux, les pianos sont de préférence trouvés en ruine, en quelque sorte déjà «préparés» par la nature. De là un usage non conventionnel de l’instrument dont l’usure profite à la découverte de sons différents.

    L’approche de d’Orion s’enrichit d’un axe électronique. À Oboro, les moteurs insérés dans le ventre des nobles instruments sont activés par un programme informatique, lequel analyse en temps réel une pièce musicale, un «plunderphonic». Inventé par John Oswald, le plunderphonic est un collage sonore fait de pièces musicales différentes toujours identifiables, dans un esprit de libre partage des sources.

    Intitulé Sun Duke Dirty, le collage sonore réalisé par d’Orion se fait aussi entendre chez Oboro, dans un petit salon confortable aménagé pour l’occasion. Sous le haut-parleur qui diffuse le son dans la pièce trône un autre piano droit, lui tout neuf et muet. Baignant dans la lumière naturelle, cette petite salle tranche avec l’éclairage dramatique réservé aux pianos désuets.

    L’écoute du concert soulève l’enthousiasme à partir du moment où l’appariement se fait entre le collage sonore et les vibrations de pianos. La progression de la pièce va, par exemple, d’un fragment de L’escalier du diable de György Ligeti aux rythmes de St Louis Blues, interprété par Sun Ra. Les univers sonores se juxtaposent, puis se dédoublent simultanément dans les pianos trafiqués, donnant des échos un peu plus familiers mais qui, assurément, déroutent aussi les oreilles, même les plus avisées.

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    6 mars 2008
    Par Christophe Bernard in Ici Montréal #11:22 (Québec), 6 mars 2008

    Texte

    «D’Orion s’écarte de sa recherche strictement audio pour explorer des techniques acoustiques qui, du plunderphonic de la première pièce à sa perversion totale en cours dans la seconde, incarnent une véritable symbiose du son et de la matière.»

    Érick d’Orion s’approprie la musique d’autrui et la dépouille jusqu’à ce qu’il n’en reste qu’un squelette.

    À la musique abstraite s’oppose la musique concrète, née dans les années 40 et développée par des compositeurs aussi importants que Stockhausen ou John Cage. Dans un travail de spatialisation, le son est sculpté jusqu’à ce qu’il forme un objet purement sonore, un fluide malléable qui écrase souvent les idées traditionnelles d’harmonie ou de rythme.

    C’est peut-être à la célèbre image du «couteau sans lame, auquel manque le manche» qu’Érick d’Orion répond par son Solo de musique concrète pour six pianos sans pianiste. La démarche de cet artiste de Québec, auteur de compositions noise ou électroacoustiques, s’inscrit, s’implante et s’invente avant tout dans une matière bruyante, manipulée comme de la pâte, où résonnent certains dogmes et antidotes de Dada et du surréalisme.

    La résonance, c’est là le nerf que d’Orion titille dans l’installation présentée au centre d’artiste Oboro, vecteur, depuis un quart de siècle, des pratiques culturelles émergentes liées de près aux nouvelles technologies. L’œuvre se déploie en deux temps, et dans autant d’espaces. Dans une première salle — décor austère et lumière crue — se trouve un premier piano, qu’on dirait apparu soudainement. Il en sort une musique inconfortable, minuterie sans fin au terme de laquelle se déclenche une attaque cérébrale qui ne vient pas: un collage qui pille et recompose des sources diverses en une trame éclectique, tirée de morceaux d’hip-hop, de classique contemporain et de free jazz. Le résultat est si schizophrénique que le confort latent du lieu est annulé par les sons qui l’habitent.

    On passe ensuite dans la salle des machines. Six pianos éventrés, tordus, craqués sont disposés en arc et leur caisse de résonance lâche le râle ininterrompu d’une baleine en train de mourir, résultat surround de la musique montant de la première pièce, ici décomposée, diffractée, torturée, accueillie par six pianos qui la filtrent et l’amplifient pour en révéler la vraie nature inconsciente. On a l’impression d’entrer dans cette chambre psychique de Twin Peaks, dont les seules parois sont de lourds rideaux écarlates et flottants, et où parle à l’envers un nain inquiétant…

    Solo de musique concrète pour six pianos sans pianiste est une installation parlante, évocatrice, dont le sens précède — enfin — l’explication qui l’accompagne. On n’avait rien vu de tel depuis ce piano robotique et sensible à notre présence, conçu par Jean-Pierre Gauthier et présenté l’hiver dernier au Musée d’art contemporain. d’Orion s’écarte de sa recherche strictement audio pour explorer des techniques acoustiques qui, du plunderphonic de la première pièce à sa perversion totale en cours dans la seconde, incarnent une véritable symbiose du son et de la matière. L’effet de cette œuvre hybride et toute en distorsion, où la musique est enfouie dans les pianos plutôt qu’elle en est extraite, a quelque chose de légèrement monstrueux: très étrange d’entendre ces pianos sans mouvement et dénaturés, amputés de leur pianiste devenu fantôme numérique.

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    21 février 2008
    Par Antoine Léveillée in Voir Québec (Québec), 21 février 2008

    Coupure de presse

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    20 février 2008
    Par Big Sista in Ceci n’est pas une pipe (Québec), 20 février 2008

    Texte

    «Érick d’Orion est un artiste audio qui crée des installation sonores, qui dessine dans l’espace du son des portraits éphèmères et violemment évocateurs.»

    Je l’ai écrit à maintes reprises, ce que je trouve le plus exaltant dans l’art, c’est la possibilité de se plonger tout entier dans l’inconnu, d’arpenter sans guide ni repères un territoire potentiellement miné. Un de ces territoires que je parcours à l’aveuglette depuis un peu plus d’un an, est celui d’Érick d’Orion, artiste audio émérite et, à ma connaissance, unique.

    Je dis artiste audio et en même temps je cherche comment le décrire. Il n’est pas musicien puisqu’il ne joue pas d’instruments de musique. Ce n’est pas un musicien techno, il ne fait pas de beat ou d’ambiance. Érick d’Orion est un artiste audio qui crée des installation sonores, qui dessine dans l’espace du son des portraits éphèmères et violemment évocateurs. Une basse électrique, un ordinateur portable, deux walkies-talkies, quelques micros, une console de mixage abîmée, un cul poule, voilà quelque uns des objets qui lui servent à créer.

    Vous le voyez ici en pleine performance vendredi le 15 février dernier au Café-bistrot L’Abraham-Martin de Méduse dans cette superbe photo d’Idra Labrie.

    Il y présentait la pièce À l’infinitif, une improvisation minimaliste utilisant des extraits de poèmes récités par les artistes dadas Raoul Hausmann, Tristan Tzara et Kurt Schwitters.

    Pour vous plonger à votre tour, à corps perdu dans l’inconnu, faites un saut à Oboro du du 23 février au 29 mars 2008 pour: Érick d’Orion — Solo de musique concrète pour 6 pianos sans pianiste

    Vous m’en donnerez des nouvelles.

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    7 février 2008
    Par Antoine Léveillée in Voir (Québec), 7 février 2008

    Texte

    «Il y a du rythme dans ce que je fais, et même, je te dirais qu’il y a du mouvement! C’est très gestuel!»

    Érick d’Orion endosse le rôle de commissaire et réunit dans son cabaret audio des artistes qui cultivent le son à sa source.

    C’est dans les studios d’Avatar, au complexe Méduse, que la rencontre se fait autour d’un jeu d’échecs. Un jeu d’échecs trafiqué et lié à un ordinateur portable qui lit des fréquences électriques provenant du damier. Une forme de traduction de la position des pièces sur l’échiquier… Vous suivez? Ce logiciel est en contact avec des tables tournantes sur lesquelles se trouvent des vinyles. La rotation des tables tournantes est modifiée en fonction de la disposition des pièces sur le jeu. Cette installation qui est en train de s’échafauder, Érick d’Orion l’explique sans fausse modestie, le sourire aux lèvres, visualisant déjà le résultat dans une salle d’exposition. Un jeu qui pourrait traduire en musique (ou en sons) une partie d’échecs entre Che Guevara et Fidel Castro, par exemple. Le déroulement d’une partie historique (on dit que le Che a gagné) deviendrait une partition.

    Chez le compositeur-concepteur, les thématiques sont fréquentes. Que ce soit l’auteur Kurt Vonnegut Jr ou encore le roman L’Évangile du bourreau des frères Vaïner, chaque inspiration est un flash supplémentaire qui contribue à motiver une conception ouverte au questionnement. «Tu vois le jeu d’échecs? Ça va s’appeler Autour de Duchamp, explique-t-il. Je m’inspire beaucoup des courants de l’histoire de l’art. Autant le futurisme que la musique concrète et le dadaïsme… Dernièrement, j’ai reçu quelques disques de poèmes dada qu’un ami a trouvés à Paris, des poèmes sonores. Pour le cabaret, j’ai décidé d’orienter ça vers le dadaïsme poétique et de retourner à la source. À partir de certains poèmes, dont ceux de Tristan Tzara, je ferai de l’improvisation avec une basse et des walkies-talkies, qui eux seront en interférence.»

    L’artiste sera le microcommissaire d’un cabaret audio dans le cadre du Mois Multi. Le duo Kathleen Kelly ainsi que Nicolas Bernier et Simon Trottier se joindront à lui pour une séance de performances dans un contexte décontracté. Ces artistes travaillent à partir de sons analogues, une condition sine qua non pour Érick d’Orion. «Je pense qu’une personne qui n’est pas au fait de mon travail audio et qui se présente pour la première fois à l’un de mes shows va trouver ça relativement intéressant. Il y a du rythme dans ce que je fais, et même, je te dirais qu’il y a du mouvement! C’est très gestuel! Ce n’est pas une musique statique. Elle passe d’un point A au point Z. Dans ces circonstances, une personne qui s’initie pourra y trouver son compte. Mais si quelqu’un s’imagine que j’ai un ordinateur portable parce que je suis un DJ qui fait de la musique techno… il va prendre une méchante débarque!» constate-t-il en riant.

    Point d’élitisme dans le travail du concepteur et point de compromis non plus. L’intention artistique est dans la recherche et la mise en scène sonore. Une finalité qui trouve sa raison d’être. «Il faut faire attention avec les points de repère. Si quelqu’un se met en face d’une toile de Paul-Émile Borduas pour y voir un cheval… je pense que cette personne est mal partie, elle risque d’être déçue. Mais une personne qui accepte l’abstraction et qui d’une certaine manière se dirait à elle-même: “Donne-moi-z-en d’Orion, je vais me débrouiller!”, c’est sûr qu’elle va y trouver son compte.»

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    7 décembre 2007
    Par Patrick Caux in Le Devoir (Québec), 7 décembre 2007

    Texte

    La galerie québécoise L’Œil de poisson permet au public de faire transformer des objets

    Le jeu est simple: vous apportez un objet, vous le glissez dans une fente prévue à cet effet (Input) et, après un certain laps de temps, il emprunte la chute (Output) pour vous revenir modifié. Entre les deux, et c’est là tout l’intérêt de l’affaire, une vingtaine d’artistes membres de L’Œil de poisson se seront acharnés à la transformer, à le recycler, à lui faire subir divers sévices… bref, à le pimper — comme on dit à Musique Plus — afin de lui donner une seconde vie.

    Québec — En décembre 2006, L’Œil de poisson, sous les bons soins du collectif Prescription, nous avait donné le Dégaminothon. On y apportait un vieux gaminet que des artistes se chargeaient de revaloriser. Cette année, on a choisi de reprendre l’idée et de la pousser encore plus loin. Plus que des t-shirts, on vous invite maintenant à apporter n’importe quel objet, du moment qu’il ne dépasse pas un pied cube de volume.

    «Afin de créer un peu de mystère, on a aussi décidé d’empêcher les contacts entre le public et les artistes, explique Stéphanie Matte, coordonnatrice du projet. Les gens vont devoir faire passer ce qu’ils ont apporté par une ouverture dans un mur. Ils ne pourront donc pas choisir qui va faire une intervention sur leur objet. De la même façon, les artistes créeront sans être influencés par la personne devant eux: l’objet sera la seule source d’inspiration.»

    Une fois de l’autre côté du mur, l’objet appartient entièrement aux artistes, parmi lesquels on retrouvera notamment les BGL, le collectif Kathleen Kelly, Cooke-Sasseville et Sophie Privé. Sérigraphie, bricolage, menuiserie, peinture, couture, etc., toutes les interventions seront permises pour donner un nouveau souffle au bidule apporté.

    «Dans certains cas, poursuit Stéphanie Matte, les objets conserveront leur fonction utilitaire: un ventilateur pourra ainsi continuer à générer du vent. Dans d’autres, ils seront transformés en sculptures. Les commerçants du coin nous ont fourni beaucoup de matériel. On entend s’en servir pour changer en profondeur l’aspect des objets.»

    L’organisatrice invite d’ailleurs les gens à faire preuve de créativité dans le choix des éléments qu’ils introduiront dans l’usine de transformation. «On espère que le public va nous poser des défis intéressants. On sait, par exemple, que quelqu’un va apporter un synthétiseur. En fait, on aimerait bien se faire surprendre. Peu importe l’intervention, c’est certain que les objets ne seront pas signés par leurs créateurs. On veut se garder une grande liberté. Selon les cas, une seule personne s’attaquera à une œuvre, alors que d’autres verront plusieurs artistes la modifier.»

    Pas question, donc, de se rendre sur place en pensant pouvoir orner sa salle de bains d’un BGL ou d’un Cooke-Sasseville à petit prix.

    À propos de prix, l’activité fonctionne sur le mode de la contribution volontaire: à la sortie de l’objet, on pourra payer selon le résultat obtenu. Mais comme il s’agit d’une activité de financement pour le centre d’artistes, on aimerait bien obtenir au moins une dizaine de dollars par intervention.

    Pour faire passer le temps entre l’entrée de votre lampe préférée dans la zone de modification et la sortie de votre toute nouvelle patère à chaussettes, les gens de L’Œil de poisson ont prévu des activités pour rendre l’attente plus douce.

    Depuis quelques années, à Québec, la scène des illustrateurs se fait remarquer. Tout en sirotant un café ou une boisson à faible teneur en alcool, les participants pourront découvrir la richesse de leurs traits en consultant les nombreux fanzines publiés dans la capitale.

    Pour être plus actifs pendant la période de transformation, ils pourront se faire tirer le portrait par un des artistes présents. Si la formule ressemble à ce qu’on retrouve l’été dans les rues du Vieux-Québec, parions que les rendus risquent d’être vaguement plus… étonnants.

    À 16h30, l’artiste finlandaise Elina Hartzell (qui effectue une résidence de création à L’Œil de poisson) présentera une performance intitulée Baguette.

    Finalement, vers 21h, après les dernières transformations, le tout se mutera en grosse fête sous les bons soins du DJ L’Interventionniste (Érick d’Orion), qui promet une soirée «hiphop-euh-funkélectro»!

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    6 septembre 2003
    Par David Cantin in Le Devoir (Québec), 6 septembre 2003

    Texte

    «… on prône chez No Type une liberté artistique foisonnante.»

    Depuis deux ans, l’étiquette montréalaise No Type (affiliée au site Internet www.notype.com) affiche une croissance rapide et judicieuse. Avant la fin 2003, on parle déjà d’atteindre la quinzième parution dans le créneau assez vaste des musiques électroniques. Après un passage remarqué au festival Mutek au printemps, la nouvelle saison s’annonce d’ailleurs plus prometteuse que jamais. Cette semaine, l’album Bleak 1999 du Canadien Tomas Jirku arrive chez les disquaires au même moment que l’electronica délinquante et peu orthodoxe de Books on Tape.

    Depuis les débuts du site, en 1998, on prône chez No Type une liberté artistique foisonnante. Toutefois, selon David Turgeon, le fondateur du label, il s’agit de bâtir un catalogue qui s’appuie sur une cohérence nécessaire. «On constate que deux lignes directrices s’imposent au fil des sorties. Il existe une certaine dualité entre les recherches assez expérimentales de Coin Gutter, par exemple, et une électronique IDM plus accessible comme celle de Headphone Science. On souhaite que ces choix se précisent encore davantage avec le temps.» Il faut peut-être savoir que No Type a aussi beaucoup contribué à l’éclosion d’artistes fort importants tels Tomas Jirku ou encore l’énigmatique Claudia Bonarelli. D’ailleurs, le click-house de Jirku est d’abord apparu sur le site de cette communauté musicale avant d’atterrir chez Alien8 (Substractif), Intr_version, Force Inc ou Onitor.

    Comme l’indique son titre, Bleak 1999 date de 1999, alors que Jirku pratiquait un minimalisme sombre et mélodique. Proche de son travail sous le nom de The Viceroy, cet album déstabilise grâce à des atmosphères aussi étranges qu’irréelles.

    «On a affaire à une réalisation plus crue et directe, commente Turgeon, sans détours ou traitements inutiles, qui surprend par sa vélocité singulière. À mon avis, cet album-concept a très bien vieilli même s’il se détache du travail actuel de Tomas [l’excellent Plusism avec sa comparse Robin Judge]. Même s’il a la chance de sortir des CD sur des étiquettes aussi prestigieuses que Force Inc. en Allemagne, Tomas est toujours resté en contact étroit avec No Type. On demeure donc très heureux de pouvoir enfin lancer Bleak 1999.» Après sa prestation, la semaine dernière à Montréal, avec The Unireverse et DJ Tobias, Jirku, désormais installé à Vancouver, entreprend une tournée de deux mois qui le mènera en Europe et au Japon.

    Parallèlement à cette sortie, No Type récidive avec le deuxième album de l’Américain Todd Drootin (mieux connu sous le pseudonyme Books on Tape). Membre du duo noise morceaux_de_machines, Érick d’Orion parle de Sings the Blues comme d’un ensemble de pièces qui pourrait surprendre les gens qui ne s’intéressent pas habituellement à l’électronique. «Todd fait partie de cette mouvance d’artistes électroniques qui proviennent du rock indépendant. C’est frais et intense. Il s’amuse à mêler les rythmes d’une manière très inattendue. Il remercie d’ailleurs sur son album des artistes aussi différents que Sonic Youth, Timbaland, Sun Ra et Lee ‘Scratch’ Perry.» Le disque sortira même aux États-Unis chez Greyday, puis il sera possible de voir Books on Tape en spectacle au début novembre à Montréal avec la formation électro-punk française Métal Urbain.

    Dans les projets à venir pour No Type, David Turgeon mentionne des nouveautés à venir de la part du duo inclassable Front, des Italiens de Metaxu, des très bruyants morceaux_de_machines et du glitch abstrait de 833-345, de même que son propre projet sous le nom de Camp. Pour en connaître davantage sur ce label imprévisible, on recommande de visiter le site www.notype.com, où différents albums sont disponibles en ligne.

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    Autres textes dans

    • Chart Attack (Canada), 9 septembre 2016
      «… Érick d’Orion created another immersive sound experience, but in the sense that the sounds he made enveloped everything within reach. D’Orion performed behind local gallery L’Ecart… Lieu D’art Actuel, looping and then layering passages taken from metal records. The first few layers of loops were discernible, but after a short time, the resulting sounds were as maximalist as metal can get, like the sonic equivalent of grey goo. He simultaneously nullified the genre while also adhering to its most basic rules: the performance was still loud, heavy, and abrasive, hinting at an imagined future.»
    • Bible urbaine (Canada), 4 septembre 2016
      «Puis en soirée, l’artiste sonore Érick d’Orion, lui, a offert une performance très intéressante, qui s’orientait vers une exploration du son dans la musique métal. Un beau complément à la programmation musicale du FME.»
    • La Presse (Québec), 29 juillet 2016
    • Le Clap #181 (Québec), 1 novembre 2013
      «Le chorégraphe Mario Veillette et le musicien-compositeur Érick d’Orion se prêtent à une interprétation des musiques de Bach dans un registre plutôt contemporain.»
    • La Nouvelle Union (Québec), 19 mai 2013
      «Du côté du commissaire des installations sonores, Érick d’Orion avait de la misère à contenir sa joie lorsqu’est venu le temps pour lui de prendre la parole. «Quelle semaine! Je crois que c’est ma plus grosse à vie. Je suis un commissaire heureux. On sent que c’est établi auprès de la population», a-t-il confié.»
    • Voir (Québec), 21 mars 2013
      «Sur scène avec Alexis Cousineau et Érick d’Orion, «le maître du noise», qui assurera l’ambiance sonore, Pelletier prépare ainsi au sous-sol — tout indiqué — du Cercle une prestation pour les couche-tard, qu’on sent puisée à même ses inconforts. Motivée, aussi, par un amour trop fort du théâtre pour le voir se reposer.»
    • Radio-Canada: Guide culturel (Québec), 4 mars 2013
    • Punctum arts visuels (Québec), 6 juin 2012
    • Le Soleil (Québec), 23 décembre 2011
      «L’œuvre suivante, signée Érick d’Orion, est sonore: il s’agit d’un collage d’airs de Noël connus (chantés par Fernand Gignac, Michel Louvain, Richard Verreau…) qui se déconstruit jusqu’à devenir de la musique expérimentale.»
    • La Presse (Québec), 1 octobre 2011
      «Mettant en question et déconstruisant sur un ton amusant et ironique les fondements de nos systèmes politiques, le Belge et le Québécois ont inventé une micronation, le Daerdenland.»
    • Downtown Music Gallery (ÉU), 1 juin 2010
      «I liked that they went from soft feedback to more explosive electronics with layers of static, a table-top guitar, small cymbals with pick-ups, brushes and bird-samples.»
    • Le Soleil (Québec), 20 mai 2010
    • Le Journal de Québec (Québec), 16 mai 2010
    • La Presse (Québec), 15 mai 2010
    • Le Soleil (Québec), 15 mai 2010
    • Radio-Canada — Première chaîne (Québec), 4 mai 2010
    • Voir (Québec), 28 avril 2010
    • Le Devoir (Québec), 8 avril 2010
    • Le Devoir (Québec), 28 mars 2009
      «Depuis, avec l’arrivée de membres plus portés par l’audio, Nelly-Ève Rajotte et Érick d’Orion pour ne nommer qu’eux, Perte de signal se tourne plus que jamais vers l’art sonore»
    • Le Panoptique #47 (Québec), 1 mars 2009
      «Je n’ai pas l’intention de faire une œuvre politique»
    • lesoir.be (Belgique), 3 décembre 2008
    • Voir (Québec), 17 septembre 2008
      «Une sélection éclectique où l’électroacoustique fréquente la performance.»
    • Impact Campus (Québec), 9 septembre 2008
      «… une installation audio et vidéo où le visiteur pourra non seulement observer ces espaces, mais aussi devenir un élément de ce paysage acoustique et visuel.»
    • patwhite.com (Québec), 4 septembre 2008
      «… vivre une immersion sonore et sensorielle.»
    • Le Devoir (Québec), 23 août 2008
      «… Érick d’Orion, l’habitué des expérimentations audio, présentera, pour la première fois dans cette ville, une installation immersive…»
    • Voir (Québec), 12 décembre 2007
      «… rafraîchissement musical total…»
    • Bang Bang (Québec), 12 octobre 2007
    • Québec Hebdo (Québec), 8 octobre 2007
      «La musique déjà très rythmée [du Consort contemporain de Québec] sera pour l’occasion couplée au traitement électronique d’Érick d’Orion, afin de lui conférer une allure dansante indéniable, teintée de trance, de house et de drum ’n’ bass.»
    • patwhite.com (Québec), 7 mars 2007