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electroradio
Yves Daoust (Longueuil, Québec, 1946) • résidence: Montréal, Québec • compositeur
Articles sur Yves DaoustLes critiques de disques se retrouvent dans les pages de chaque disque (via l’onglet «discographie»).
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Le Québec électroacoustiquepar François Couture in electrocd.com (Québec), 22 mars 2004 |6138| On dit que le gazon du voisin est toujours plus vert que le nôtre, mais quand il s’agit d’électroacoustique, croyez-moi, le Québec n’a rien à envier aux autres régions du monde. Accusez-moi de chauvinisme, je n’en ai cure: le Québec abrite nombre de compositeurs de grand talent et de professeurs influents. Je ne veux pas m’embarquer dans un exposé analytique, mais, en tant que critique et auditeur invétéré, il existe pour moi une électroacoustique québécoise. Malgré la diversité stylistique de nos compositeurs, je perçois un «son» québécois, quelque chose qui, pour moi, n’est ni britannique, ni français, ni allemand; quelque chose qui m’appelle et me parle dans un langage plus immédiat, plus facile d’écoute. L’origine partielle de cette unité dans la diversité découle probablement de l’influence de quelques compositeurs-clé dont l’enseignement en milieu universitaire a marqué la relève d’ici. Je pense d’abord à Francis Dhomont et à Yves Daoust. Commençons donc cette piste d’écoute avec ce Français si québécois qu’il s’est mérité une bourse de carrière du Conseil des arts et lettres du Québec. Je peux recommander en toute franchise tous les disques de Dhomont: sa grâce, son sens narratif et son intelligence font de chaque pièce un objet d’émerveillement. J’ai souvent exprimé mon admiration pour Forêt profonde (y compris dans ma première piste d’écoute, je n’y reviendrai donc pas), mais Sous le regard d’un soleil noir, sa première grande œuvre, demeure un classique de l’électroacoustique internationale, et son Cycle du son, beaucoup plus récent, témoigne d’un art raffiné à la perfection — la pièce AvatArsSon, en particulier. Si l’œuvre de Dhomont s’est élaborée à partir de grands thèmes théoriques, littéraires et sociologiques, celui d’Yves Daoust tient plutôt de l’anecdote et de la poésie. La plupart de ses pièces montre une filiation aux idéaux abstractionnistes de l’école française, mais l’apparente naïveté de ses sujets (l’eau, la foule, une Fantaisie de Chopin ou un souvenir d’enfance) donne à sa musique une charge émotive inusitée. Son plus récent disque, Bruits, fait preuve aussi d’une volonté de croissance (on dénote dans la suite titre une certaine influence de ses étudiants) et contient une pièce au sujet politico-historique (Ouverture, sur les relations France-Québec) qui peut très bien accrocher l’auditeur néophyte. À ces deux noms d’une importance incontestable, il faut ajouter ceux de Robert Normandeau et de Gilles Gobeil. Normandeau représente bien ce que j’entends par un son québécois: un certain académisme dans la plasticité des sons (qui trahit l’influence des Britanniques et des Français), une originalité dans leur utilisation, une intelligence du propos qui, si elle pousse vers la réflexion académique, n’en aliène pas l’auditeur pour autant. Mon disque préféré demeure Figures, qui comprend la superbe pièce Le Renard et la Rose, construite à partir du roman Le Petit Prince, ainsi que Venture, un hommage à l’âge d’or du rock progressif (une marotte que je partage avec le compositeur, faut-il préciser). Gobeil, c’est la folie des grands espaces, la violence des passions humaines, les gestes brusques, les masses sonores lancées à la volée. Si La mécanique des ruptures demeure une écoute essentielle, son récent disque en collaboration avec René Lussier, Le contrat, représente son travail le plus accompli (et fascinant!). Si ces quatre compositeurs représentent la crème du milieu académique, on trouve aussi au catalogue d’empreintes DIGITALes de jeunes compositeurs et des artistes dont le travail renouvelle en profondeur le discours électroacoustique de leurs collègues. Mentionnons Fractures, le premier disque, tout frais, de Christian Bouchard, dont l’approche éclatée tient autant de l’électronica expérimentale que de l’électroacoustique universitaire. Ses suites Parcelles 1 et Parcelles 2 évoquent l’art vidéo numérique par leur fébrilité et leur fragmentation. Je recommande aussi chaudement l’album Connexions de Louis Dufort, qui mélange approche académique et bruitisme. La pièce Zénith, dans laquelle il utilise la voix du chanteur death-metal Luc Lemay (du groupe Gorguts), est simplement stupéfiante. J’aime beaucoup aussi l’humour un peu cru de Marc Tremblay. Son Bruit-graffiti fait un usage fréquent de la culture pop (des Beatles à Passe-Partout). Sa pièce Cowboy Fiction, un western pour l’oreille qui remodèle le rêve américain, conclut à merveille cette piste d’écoute. Sérieuse ou facétieuse, abstraite ou évocatrice, la musique électroacoustique québécoise s’est taillée une place de choix sur la scène internationale. À vous maintenant d’en explorer les multiples facettes.
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L’école de Montréal, 1/4par Bernard Girard in Aligre FM, Dissonances (France), 16 mars 2004 |836|
«Francis Dhomont joua un rôle
déterminant dans le développement de cette école de musique concrète, bruitiste,
acousmatique.»
Bonjour, nous débutons aujourd’hui une série de quatre émissions consacrées à l’école de Montréal et, pour les deux premières à Francis Dhomont, un compositeur d’origine française qui joua un rôle déterminant dans le développement de cette école de musique concrète, bruitiste, acousmatique. Montréal n’a découvert la musique concrète que relativement tard. Le premier à avoir créé des musiques de bruit fut sans doute Norman McLaren, cinéaste expérimental qui dans les années 50 créa des musiques de ce type pour ses films, mais sans véritablement faire école. Lorsqu’on leur demande de chercher des ancêtres, les québécois citent plus souvent Hugh Le Caine, un ingénieur du son qui a inventé plus de vingt machines musicales que l’on peut aujourd’hui voir au musée. Ces machines, toutes analogiques, furent souvent pionnières et l’on peut regretter qu’elles n’aient pas eu plus de succès tant leur nom fait rêver. Ainsi, Le Caine inventa le premier synthétiseur de son qu’il appela «sacqueboute électronique». Ce beau mot «sacqueboute» n’est pas une invention d’un poète lettriste mais la reprise du nom d’un instrument né au 15ème siècle qui ressemble à un trombone dont il est l’ancêtre. Ce nom vient de sacquer qui veut dire tirer et bouter, qui veut dire pousser et il vrai que le jouer de trombone tire et pousse alternativement. Le Caine créa son propre studio de composition, mais son travail resta confidentiel jusqu’à la fin de ses jours, il est mort en 1977, à la veille de l’émergence de cette école de Montréal dont nous allons parler dans les semaines qui viennent. A la fin des années 70, la musique bruitiste se fait à Montréal pour l’essentiel dans un laboratoire de l’Université qui n’est pas très richement équipé. Quelques jeunes compositeurs, comme Yves Daoust ou Marcelle Deschênes, s’essaient à la composition, les yeux fixés sur la France où certains ont suivi des stages, au GRM de l’Ina, à Bourges. Ils commencent à s’organiser, créent une association pour favoriser le développement de ces musiques, pour les faire entendre et les éditer. C’est dans ce contexte que l’université de Montréal invite, pour une série de conférences, un français au parcours atypique: Francis Dhomont. Dhomont frise déjà les cinquante ans, puisqu’il est né en 1926. Musicien de formation classique, il a été l’élève de la célèbre Nadia Boulanger, de Charles Koechlin, l’un des compositeurs les plus intéressants et les plus novateurs de la première moitié du 20ème siècle, il s’est très tôt intéressé à la musique enregistrée qu’il a découverte tout seul, dans son coin, à l’époque même où à la radio Pierre Schaeffer inventait la musique concrète. Francis Dhomont explique cet intérêt précoce pour la musique des bruits par une expérience personnelle de l’aveuglement, de la cécité. Adolescent pendant la guerre, il a perdu un œil des suites, semble-t-il, des privations alimentaires et a du vivre de longues années sans pouvoir lire. A défaut donc de lecture, il a joué du piano, exploré cet univers des sons. S’il a découvert la musique concrète, Francis Dhomont ne l’a en fait que très peu pratiquée jusque dans les années 70. Parti dés le début des années 50 s’installer à la campagne, en Provence, il a du faire mille métiers pour survivre et ce n’est que dans les années 70 qu’il l’a redécouverte en participant à l’organisation d’un festival de musique qui lui avait confié la programmation des concerts de musique contemporaine. Appelé à Montréal pour faire des conférences, Francis Dhomont est sollicité pour devenir professeur à l’Université et pour y enseigner la musique électroacoustique. Ce travail lui permettra tout à la fois de former des étudiants, pendant les 16 ans qu’il est resté enseignant, il a formé plus de 200 musiciens, dont beaucoup se sont consacrés à la musique électroacoustique. Ce travail lui a surtout permis de se remettre à la composition. Ce qu’il a immédiatement fait, de manière originale. Sa première œuvre composée de 1979 à 1981 à Montréal, Sous le regard d’un soleil noir, tranche sur ce qui produisait à l’époque tant par sa longueur, l’œuvre dure près d’une heure, que par son ambition et par son projet. Il s’agit d’une exploration du monde de la folie, de la schizophrénie engagée à partir des textes de Ronald D Laing, textes que l’on retrouve, sous forme de citations plus que de bribes tout au long de cette pièce. Dans Le moi divisé, la cinquième de cette suite, il s’agit d’explorer le clivage, la fragmentation, la fissure, la fêlure, tout ce qui fait que le schizophrène est ce qu’il est. On aura remarqué le jeu sur le mot «individual» qui révèle en anglais en son coeur le verbe divide, diviser. Il y a là une allusion, volontaire chez un musicien particulièrement cultivé, aux célèbres jeux de mots de Lacan. Mais il n’y a pas que cela. Cette pièce faite de mots, de sons et de bruits, est aussi une œuvre musicale, une série de variations autour du si, note qui revient de manière obsessionnelle tout au long de cette composition [comme dans] Pétrification, réflexion sur le stade ultime de la schizophrénie, la catatonie: «il n’y a plus qu’un vide là où il y a eu quelque temps une personne». Dans cette pièce, on retrouve, comme dans d’autres parties de cette œuvre, des échos du Wozzeck d’Alban Berg. Cette très belle œuvre, originale tant dans forme que dans son projet, a tout de suite retenu l’attention. Elle a été donnée en France et primée dans des concours. On pourrait dire qu’elle a signé la naissance de cette école de Montréal. Pour la première fois, en effet, des amateurs se sont dit: il se passe quelque chose là-bas, de l’autre coté de l’Atlantique. Quelque chose qui n’est pas très éloigné de notre culture (le titre de l’œuvre, Sous le regard d’un soleil noir, évoque un poème de Gérard de Nerval que nous connaissons tous, la psychanalyse était à la fin des années 70 au sommet de sa gloire) et cependant différent tant dans la forme, c’est un mélodrame, au sens que les musiciens donnent à ce mot qui veut dire association de la voix parlée et de la musique, que dans le projet. Francis Dhomont aurait pu alors rentrer en France. Il a préféré rester au Canada. Et il l’a affiché dans une œuvre composée en 1981-1982: Points de fuite, titre qu’il faut entendre aussi bien dans sa dimension mathématique, géométrique que dans sa dimension plus personnelle de départ, de déplacement. On y reconnaît, à l’écoute, des glissements, des déplacements souvent rendus, de manière inattendue, par un traitement quasi-impressionnistes de la matière sonore. On devine dans cette œuvre comme un écho de certaines œuvres de Debussy. Points de fuite est le premier mouvement d’un cycle consacré à l’errance, qui reprend et explore plusieurs des thèmes liés à l’idée de voyage, l’embarquement, la fuite, la carte, le retour, l’abîme. Francis Dhomont a organisé son œuvre sous forme de cycles. J’ai cité le Cycle de l’errance, il y a également Forêt profonde, une œuvre construire autour des contes de fée et des travaux du psychanalyste Bruno Bettelheim, Les dérives du signe et Cycle du son qui est une célébration de la musique concrète, une exploration très personnelle de cet univers sonore, un hommage aux fondateurs d’un genre que Francis Dhomont envisage de manière radicale. Lorsqu’il est arrivé à Montréal dans les années 70, beaucoup de compositeurs voyaient leurs compositions musicales bruitistes comme un accompagnement, un supplément à d’autres œuvres. Yves Daoust, nous avons entendu en début d’émission, une pièce venait, de manière très significative du monde du cinéma, il avait longuement travaillé et s’était formé à l’Office National du Film. Dhomont a imposé l’idée que cette musique devait être entendue pour elle-même sans artifices, sans support, seule. Et pour marquer sa différence, il a introduit au Canada un mot, «acousmatique», que François Peignot et François Bayle avaient inventé, un peu plus tôt, à Paris, pour désigner ces musiques que l’on entend au travers de hauts-parleurs. Je dis inventé, mais en réalité, ce mot est ancien puisqu’il nous vient de Pythagore et désigne en grec la perception auditive (acousma). L’acousmatique est un «art du son proposé à l’oreille sans recours aux autres sens». Cette idée que la musique s’entend pour elle-même ouvre un espace aux citations musicales, à l’exploration d’une tradition, d’une culture. Et c’est ce travail du compositeur sur les œuvres de ses prédécesseurs que Francis Dhomont a entrepris dans plusieurs de ses œuvres, notamment dans ce Cycle du son. Objets retrouvés, composée en 1996, donc relativement récente, est un hommage à Pierre Schaeffer dont elle reprend, paraphrase l’une des toutes premières œuvres: l’étude aux objets. Un hommage qui, de manière assez caractéristique chez Dhomont, l’inscrit dans une tradition musicale plus longue. «A la fois lamento et marche funèbre, cette paraphrase de l’étude aux objets de Pierre Schaeffer n’est pas, nous dit-il, sans rapport avec le style du choral orné ou figuré. Trois voix (au sens contrapuntique du terme), élaborées à partir des éléments du premier mouvement de cette étude, viennent broder et habiter les durées prolongées des objets originaux qui constituent le «choral», quatrième voix de cette polyphonie. Le choix d’une forme classique si présente chez Bach n’est pas innocent lorsqu’il s’agit d’honorer la mémoire de Schaeffer: j’aime me persuader qu’il n’aurait pas été insensible à l’allusion.» Je voudrais terminer avec une œuvre qui illustre tout à la fois son rôle très particulier dans cette école qu’il a contribué plus que tout autre à développer et son intérêt pour l’histoire de la musique. Il s’agit d’une œuvre récente, elle date de 1997, composée d’un montage, collage de travaux de compositeurs canadiens qui ont souvent été ses élèves. On retrouve dans cette Frankenstein Symphony, des traces d’œuvres de Gilles Gobeil, Ned Bouhalassa, Christian Calon, Robert Normandeau, Stéphane Roy, etc. Il serait trop long de tous les citer.
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Alice a encore su capter l’attention des petitspar François Houde in Le Nouvelliste (Québec), 28 octobre 2003 |667_1|
«Yves Daoust… responsable du
volet électroacoustique.»
L’Orchestre Symphonique de Trois-Rivières (OSTR) présentait hier comme elle le fera aujourd’hui, ses matinées symphoniques, événement annuel au cours duquel l’orchestre se met au diapason des jeunes pour les initier à la musique symphonique. Aujourd’hui, l’événement est d’autant plus intéressant qu’on arrive au terme d’une boucle puisqu’on fait cet exercice depuis une vingtaine d’années et qu’on récolte sans doute au niveau des abonnements aujourd’hui quelques fruits dont les graines ont été mises en terre lors des débuts de cette initiative. Pour amadouer les jeunes cette année on leur raconte Alice au pays des merveilles en musique et en multimédia. Le spectacle, intitulé simplement Alice fait appel aux différentes techniques de multimédia avec des projections sur un rideau à l’avant-scène pendant le spectacle en plus de la présence d’Alice elle-même et des instrumentistes. À ceux de l’OSTR se joignent deux musiciens en électroacoustique qui assurent une bonne partie de l’atmosphère de ce conte surréaliste. Avec leurs instruments étranges comme le muffinophone (une plaque de cuisson pour les muffins) et autres patentes musicales, ils accrochent l’imagination des jeunes tout en créant des sons parfaitement appropriés à donner de l’allant au spectacle. La réalisation visuelle est cependant encore plus spectaculaire et ingénieuse puisqu’elle est faite de telle sorte que les images illustrant le conte sont projetées sur une membrane semi-transparente à travers laquelle on voit constamment les musiciens de l’orchestre derrière. Il faut d’ailleurs souligner l’exceptionnelle qualité technique visuelle. La représentation d’après-midi hier s’est faite sans anicroche ce qui est un très beau succès en soi compte tenu de la complexité du tout. Or, sans la technique, il aurait sans doute été très difficile de capter le jeune auditoire de 10 ans à l’énergie débordante et modelé façon jeux vidéos, vidéoclips et autres bombardements de stimuli sonores et visuels. Raconter à cette marmaille une histoire écrite au milieu du XIXe siècle supportée par un orchestre symphonique et trouver ainsi la façon de le captiver est un exploit en soi. L’Arsenal à musique, l’organisme responsable de la conception du spectacle est reconnu depuis plus de 20 ans. Il a été récompensé pour la qualité de ses œuvres antérieures. Il a d’ailleurs été le premier organisme canadien à créer une œuvre électroacoustique multimédia. Sa maîtrise du médium est manifeste. Au niveau musical, l’œuvre a été composée par deux compositeurs québécois, Yves Daoust et Denis Gougeon, le premier étant davantage responsable du volet électroacoustique. Deux représentations ont été offertes hier à environ des groupes d’environ 800 jeunes. Un tout petit sondage maison nous révèle que les jeunes ont apprécié l’expérience. Le meilleur barème à ce titre est peut-être le comportement des petits qui se sont montrés attentifs pendant toute l’heure du spectacle ce qui est déjà beaucoup. Juge plus objective, l’enseignante Stéphanie Collin, de l’école Sacré-Cœur de Cap-de-la-Madeleine a trouvé le spectacle de qualité. «Le travail visuel était très impressionnant. Je ne sais pas si le conte d’Alice au pays des merveilles a captivé les enfants mais je peux dire qu’ils ont bien écouté ce qui est déjà très bon signe. Il n’y a aucun doute que ça a sollicité leur imagination et je pense que c’est une bonne initiative pour des jeunes de cet âge-là. Est-ce que ça les a touchés et est-ce qu’ils ont réalisé le rôle de l’orchestre dans tout ça, je ne le sais pas. Mais c’était un beau spectacle.» Même son de cloche de Samantha Lupien, de Mathias Deschesnes ou de Dominic Jutras au nombre des écoliers. Ils ont aimé. À savoir s’ils deviendront des habitués de l’OSTR dans une quinzaine d’années, l’histoire ne le dit pas. On vous en reparle dans 15 ans.
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Pistes d’introduction aux beautés de l’électroacoustiquepar François Couture in electrocd.com (Québec), 15 octobre 2003 |6136| La musique électroacoustique est un goût acquis. Qu’on le veuille ou non, la radio et la télévision nous conditionnent à accepter un certain nombre de modèles musicaux (tonaux, rythmiques) comme étant «normaux». L’électroacoustique est dès lors perçue comme «anormale», tout comme d’autres formes d’expression musicale centrée sur le son plutôt que la note, telle l’improvisation libre. C’est pourquoi une première exposition à cette musique se révèle souvent être une expérience mémorable, positivement ou négativement. Plusieurs facteurs entrent en jeu, mais le choix d’un disque adéquat à une introduction amicale aide à faire de ce premier contact un choc esthétique d’une grande beauté et ainsi marquer le début d’une longue aventure. Avec cette piste d’écoute, je veux simplement pointer quelques titres qui m’apparaissent susceptibles d’encourager plutôt que de décourager, des titres qui ouvrent une porte sur un autre monde musical. Bien sûr, cette sélection ne peut qu’être subjective. Mais avec un peu de chance elle pourra servir de guide aux nouveaux enthousiastes du genre et aux apôtres qui cherchent des idées-cadeaux pour répandre la bonne musique. Après tout, la période des Fêtes s’en vient! Des passerelles On développe généralement un nouvel intérêt par excroissance d’un intérêt précédent. C’est-à-dire que l’on explore un genre musical qui nous est inconnu parce qu’un intérêt connexe nous y a mené. C’est pourquoi, dans le cas des musiques électroacoustiques, des œuvres mixtes (bande et instrument) ou qui abordent un sujet concret peuvent fournir cette passerelle qui ouvrira les horizons d’un nouvel auditeur. Par exemple, les amateurs de récits de voyage trouveront dans le Corazón Road du duo Kristoff K.Roll la narration sublimée d’un périple en Amérique centrale. Ceux qui ne sont pas trop grands pour s’intéresser encore au conte (j’en fais partie) trouveront dans Forêt profonde de Francis Dhomont une réflexion sur le conte inspirée du psychanalyste Bruno Bettelheim sous la forme d’une œuvre qui allie fils narratifs entremêlés et musiques d’une grande force évocatrice. Plus léger et fantaisiste, Libellune de Roxanne Turcotte tend une perche aux enfants sans pour autant simplifier ou niveler par le bas la démarche artistique. Les amateurs de guitare peuvent se tourner vers le fabuleux projet Parr(A)cousmatique d’Arturo Parra, un
guitariste classique virtuose qui travaille ici avec les meilleurs compositeurs québécois:
Stéphane Roy,
Francis
Dhomont (Québécois d’adoption, à tout le moins), Robert
Normandeau et Gilles Gobeil. Ce dernier vient d’ailleurs de lancer une
œuvre-fleuve, Le contrat,
avec le guitariste avant-gardiste René Lussier. Les amateurs de Lussier et les
gens captivés par le Faust de Des essentiels Pour ceux qui veulent pousser vers une électroacoustique plus abstraite, je conseille d’abord de visiter les compositeurs québécois. Chauvinisme? Du tout. En fait, la musique des Dhomont, Normandeau, Gobeil, Yves Daoust ou Yves Beaupré m’apparaît d’emblée plus accessible que celle sortie des écoles britanniques ou françaises. Elle possède un caractère immédiat, à l’impact plus prononcé (Gobeil), au lyrisme plus plaisant (Daoust, Beaupré), à l’architecture et aux thèmes plus accueillants (Dhomont, Normandeau). À titre de points de départ, je suggère Figures de Normandeau, La mécanique des ruptures de Gobeil, Cycle du son de Dhomont et Humeur de facteur de Beaupré. Cela dit, les œuvres de Michel Chion (son Requiem, tellement puissant), Bernard Parmegiani (La création du monde), Jonty Harrison (Articles indéfinis), Denis Smalley (Sources/Scènes) et Natasha Barrett (Isostasie) procurent des heures de beauté et de fascination, même si ces musiques paraissent à première vue plus arides ou difficiles d’approche. Et pour ceux qui s’intéressent à l’histoire de ces musiques, l’étiquette EMF offre L’œuvre musicale de Pierre Schaeffer, le père de la musique concrète et donc grand-père de l’électroacoustique. Des idées courtes L’album compilation a le pouvoir d’ouvrir toutes grandes les portes de l’électroacoustique, en offrant une large sélection d’artistes et d’approches stylistiques. Disponible à petit prix, eXcitations offre un échantillon intéressant des productions sur étiquette empreintes DIGITALes. Les albums Electro clips et Miniatures concrètes, ainsi que le tout nouveau volume de la série DISContact!, proposent de courtes pièces (souvent sous les trois minutes) qui sont autant de sources de découverte et de questionnement. Enfin, pour ceux qui désirent avancer tranquillement, à petits pas, la collection Cinéma pour l’oreille de l’étiquette française Métamkine offre une superbe série de mini-disques compacts d’une durée de 20 minutes chacun à prix moindre. Le catalogue comprend des compositeurs renommés tels Michel Chion, Lionel Marchetti, Michèle Bokanowski, Bernhard Günter et Éliane Radigue. De petits albums parfaits pour les échanges de cadeaux. Bien sûr, tout cela, ce ne sont que des suggestions. Le meilleur parcours de découverte est celui que vous vous défrichez au fil du temps. Bonne écoute!
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Soundcheck Reviewin The Wire #219 (RU), 1 avril 2002 |488|
«The wit and character of… Daoust are all too rare qualities in
electroacoustic comosition.»
The wit and character of Canadian composer Yves Daoust are all too rare qualities in electroacoustic comosition. Composed between 1997-2001, Bruits is a 30 minutes exploration, in three movements, of sounds from the great outdoors. The first movement is a giggly snapshot of a children’s playground. It’s followed by a fastidiously detailed nocturnal landscape close in atmosphere to Bartók’s many night pieces. The final slab is a joyous depiction of Montréal in summer, with passing jazz groups enhancing its party atmosphere. A similar sense of exuberance inhabits the much earlier La Gamme, which transforms every music student’s dreaded scales and arpeggios into a cartoon landscape hovering between Varèse and A Rainbow In Curved Air. The bizarre Ouverture explores the history of French speaking Canada. The Chopin inspired impromptu for piano and electronics completes the set.
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Après Mutek, le Média Lounge et le Montréal électronique groove [MEG], revoici Elektra… 2001par Alain Brunet in La Presse (Québec), 8 novembre 2001 |460_01| À compter d’aujourd’hui et ce jusqu’au 17 novembre 2001, deux week-ends consécutifs de musiques électroniques, présentations multimédia et performances robotiques sont prévus à l’Usine C. Les œuvres de Markus Popp (Oval), Monty Cantsin, Yves Daoust, Jean Piché, Louis-Philippe Demers, Louis Dufort et Nerve Theory y sont attendues. «Nous avons loué la Cadillac des systèmes multimédia», annonce fièrement Alain Thibault, compositeur réputé et directeur artistique de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ). Pour la troisième année consécutive, donc, Elektra se propose «d’établir le lien entre les différentes cultures contemporaines issues de l’utilisation créatrice des nouvelles technologies.» Rappelons que, dans le cadre d’Elektra, l’ACREQ a déjà produit des œuvres importantes du répertoire international multimédia et électroacoustique; y ont été présentés des créateurs tels que Granular Synthesis, Ryoji Ikeda, Pierre Henry et Karlheinz Stockhausen. Alain Thibault n’a, d’ailleurs, aucun mal à situer Elektra 2001 parmi les autres manifestations électroniques du genre qui se tiennent à Montréal. «Ce que nous présentons dans bien des cas, soulève-t-il, ce sont des œuvres à grand déploiement comme les performances robotiques. Parce que nous disposons d’un lieu pour le faire, parce que nous savons quoi louer, parce que nous avons plus de connaissances au plan de l’équipement multimédia. Le système européen que nous comptons utiliser pour Elektra 2001 n’a rien à voir avec ce qu’on peut entendre dans d’autres festivals de même nature. Au dernier Media Lounge, par exemple, on n’a pu compter sur des installations aussi sophistiquées. Au niveau technique, personne ne nous bat, j’en suis certain.» La première série de concerts, donc, s’ouvre ce soir avec: SPIN de Jean Piché et FausTechnology de Purform. Ces pièces multimédias (musique électronique, animations et traitements d’images numériques) ont été conçues spécifiquement pour une projection sur trois écrans. On assistera, soutient-on du côté de l’ACREQ, à un tour de force technique qui consiste à créer une seule image panoramique avec les trois surfaces de projection (10,5' x 42'). Demain, c’est le retour d’un animal de la performance, connu au cours des années 80 sous la bannière néoïste, animal réputé pour ses prises de sang en direct… On rappellera que Istvan Kantor, alias Monty Cantsin, avait repris contact avec le public montréalais en 1999 avec la performance Executive Machinery. Toujours obsédé par les objets de la bureautique, il revient cette année avec une nouvelle installation robotique, un groupe de performers torontois et son plus récent corpus vidéographique. Repossessing the Body-Machine, la nouvelle performance de l’artiste multidisciplinaire Istvan Kantor, sera ainsi présentée en première montréalaise. Samedi, le musicien allemand Markus Popp alias Oval présentera une performance «Powerbook live». Au sujet de Markus Popp, les producteurs d’Elektra affirment qu’il est probablement l’artiste européen le plus en vue de la scène electronica. La veille (demain, 18 h), Popp expliquera sa démarche artistique et son projet OvalProcess lors d’une présentation multimédia au Café de l’Usine C. Également au programme de samedi, Nerve Theory nous proposera une performance vidéo/sonore intégrant les images et la voix du new-yorkais Tom Sherman ainsi que la musique du viennois Bernhard Loibner. Toujours au même menu, les trois tableaux de Bruits du compositeur électroacoustique montréalais Yves Daoust. Cette musique, conçue spécifiquement pour huit canaux, sera diffusée pour la première fois avec un support vidéographique réalisé par Jean-Sébastien Durocher. Enfin, on aura droit à la première diffusion en salle de Décap de Louis Dufort, une pièce pour bande de 25 minutes qui a valu à son auteur l’obtention d’une mention, catégorie «Digital Musics», lors du dernier Prix Ars Electronica qui se tient à chaque année en Autriche. Présentée trois soirs consécutifs les 15, 16 et 17 novembre, la pièce de résistance de Elektra 2001 est la performance robotique de Louis-Philippe Demers. Grand déploiement, vous dites? Pas moins de 48 membres robotiques identiques seront accrochés à une impressionnante charpente métallique évoquant la forme d’une arène. Robots, musique électronique et projections vidéo, expérience visuelle et auditive en perspective. On notera en outre que la politique de prix peu élevés d’Elektra 2001 (15$ pour tous, 10$ pour les étudiants) favorise l’accessibilité du public aux arts électroniques. Notez que l’entrée est libre (gratis!) pour la soirée d’ouverture (aujourd’hui) et pour la conférence de Markus Popp-OVAL (demain).
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Nouvelle vaguepar Réjean Beaucage in Voir (Québec), 8 novembre 2001 |460|
«… chaudement recommandé…»
Yves Daoust contribuait en 1978 à la fondation de l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ). Il dirigera par la suite durant une dizaine d’années les destinées du premier organisme canadien voué exclusivement à ce genre. Aujourd’hui, il y revient à l’invitation du directeur artistique actuel, Alain Thibault, pour participer ce samedi 10 novembre à la troisième édition de l’événement Elektra. Daoust y présentera en création sa pièce Bruits, triptyque environnemental qui donne également son titre au troisième disque que le compositeur fait paraître chez empreintes DIGITALes et qui sera lancé juste avant le concert. La pièce, commande du Sonic Arts Network (Royaume-Uni), est une sorte de carte postale sonore des rues et ruelles de Montréal: cris d’enfants, bruits de la circulation et rumeurs citadines y sont littéralement passés au hachoir pour produire ce que le compositeur appelle un «smog sonore». C’est sans aucun doute l’œuvre la plus ‘bruitiste’ de Daoust jusqu’à maintenant. L’œuvre sera présentée à l’ACREQ dans une version pour huit canaux avec un support vidéographique de Jean-Sébastien Durocher. Le disque que Daoust s’apprête à lancer mérite certainement d’être chaudement recommandé à toute personne qui serait curieuse et chercherait à se renseigner sur la musique électroacoustique. Que le titre Bruits ne vous effraie pas. Les quatre pièces présentées ici représentent autant de sous-genres et Yves Daoust y démontre magistralement son grand talent de manipulateur sonore. On y retrouve une magnifique version de la pièce Impromptu, déjà entendue en format «pour bande seule» sur son précédent disque Musiques naïves, mais retravaillée ici en version «musique mixte» avec des interprètes de choix: Jacques Drouin au piano et Lorraine Vaillancourt… au synthétiseur! La pièce La Gamme est une musique électronique réalisée en 1981 sur les «machines à triturer les électrons» du Groupe de musique expérimentale de Bourges. Enfin, Ouverture, commande du GMEB pour le Bicentenaire de la Révolution française, mêle narration et illustration sonore, et rappelle par son thème Le Trésor de la langue de René Lussier. empreintes DIGITALes fera également paraître simultanément des disques de Robert Normandeau et Gilles Gobeil, deux autres piliers de la musique électroacoustique d’ici, disques sur lesquels nous reviendrons. Yves Daoust enseigne depuis 1981 au Conservatoire de musique et d’art dramatique du Québec, où il a développé un programme de composition électroacoustique. Preuve qu’il exerce dans ce domaine-là aussi un grand talent, c’est l’un de ses étudiants qui clôturera la soirée avec une pièce qu’il ramène d’Autriche où elle a obtenu une mention lors de la dernière édition des prestigieux Prix Ars Electronica. Louis Dufort nous présentera en effet Décap, une «réflexion sur la décadence de l’homme» en partie tirée de la musique composée pour la chorégraphie Le Cri du monde, de Marie Chouinard, et dont nous avons pu entendre une première version lors de la série de concerts Rien à voir (7) en mars 2000. Également au programme: Tom Sherman et Bernhard Loibner avec leur projet vidéo/musique Nerve Theory et le très attendu Markus Popp, alias Oval, détenteur d’une seconde place aux Prix Ars Electronica 2001.
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Reviewpar Ingvar Loco Nordin in Sonoloco Record Reviews (Suède), 29 octobre 2001 |455|
«…the poetic touch, careful in the detail, deeply in love with the over-arching
gesture - and the musicality of this electroacoustic piece lands me in pure auditory
pleasure!»
Yves Daoust has been dealing in sounds since very young years. He began taking piano lessons at the age of seven, and prepared the family piano at age sixteen, in 1962. He composed his first electronic work at 19, in 1965, for a gestural theatre work of an hour’s duration. He indicates that he found his electroacoustic style at IMEB, Bourges during an apprenticeship. He officially entered the life of a composer in 1978, and has since produced about one work a year, in different disciplines. He names his major influences as Cage, Xenakis, Stockhausen, Kagel, Ferrari and Savouret, as well as some of the classical composers. The first part of the triptych Bruits; Children’s Corner (1997) is a series of pictures centered, as Daoust says “around a relatively homogenous, diurnal sonic world”, like for instance street festivals, markets, machines and so on. He points out that the fragmentation procedure he utilizes creates a kind of “sonic smog”, which sometimes clears to reveal the clarity of certain sounds. After initial nursery rhymes of school children a total carnage of sounds, rolling at you in dense clusters, a prolonged high pitch ripple takes you into events suddenly lighting up like matches in the dark, showing, for a second, the faces of the people around you and the white walls of the houses, until the surroundings instantly fall back in silence/darkness again, just leaving memory marks in your brain tissue. It is impossible to make any sense at all of this, except that the whole piece could constitute a crude sample of Earth life picked up by some unknown recipient in a distant galaxy, pointing his devices of perception in our direction, receiving the influx from Earth civilization in chopped up and stellarly disturbed portions. At some very beautiful passages a distant jumble of bells constitute the backdrop for short, sharp, flaky short wave disturbances, mixing the tonal with the truly bruit. A continuous murmur bubbling below carries all kinds of minuscule sounds on its rough terrain. On high an airliner struggles across the canopy of the day, and here below chirping birds and playing children color time in happy garlands until it all is reduced to its constituents again, in a mincer of the light of day. Nuit (1998) is the second part of Bruit. Daoust has a very clear view of what he is doing and achieving with his sounds. He says: “It is as though all the noises accumulated during the day continued, flattened, in the mind of the sleeper, reduced to a tinnitus that becomes confused with the sonic activity of nocturnal insects and with the very real, though distant, hum of the sleeping city.” Those phrases convince me that Yves Daoust thinks about electroacoustics in much the same way I experience this music; i.e. in a very poetical kind of way - and I suppose almost every composer of electroacoustics has to be a poet too, the way he bends shapes and sounds and auditory morphemes in and out of wack! Indeed the nocturnal layer constitutes a dreamy, very poetical sensation. The chirping of locusts and the squeaking high-pitch timbres of electronic devices join forces to produce this nocturnal machine-nature hybrid, taking you into secret, enchanted dominions of hearing, stemming from encounters with gleaming eyes and rustling unknowns in dark areas of the forest of night. The sounds roll and curl, spiral and ooze, meander and rush, in a spellbinding display of artistic bliss. Nothing is still; everything is on the move in this crazy world of dreams, where passing features remind you of people you’ve known or places you’ve been, and not least feeling you’ve felt - while other parts are nothing but alien and disturbing to your sense of security. The final section of Bruit is Fête (“Party”) (2001). Daoust’s introductions are on the money as usual: Fête is a sort of allegro barbaro, a frenetic dance where music of the streets, clamoring voices, cries and whistles combine”. Yes, by now it would be obvious that Daoust likes to indulge in shattering, overpowering carnages of sound, which you just have to listen to again and again to be able to catch all the glimpse there are to catch of the sonic and associative developments. Jubilant crowds are taken on a tour-de-force into a layer just behind or below or maybe above the real world of events, like seeing the world through crystal and having your head stuck down into a bucket of water while being injected with some hallucinatory drug. Soon you’re astray, though “glimpses” really are what you catch of the real world, in such a chopped up and deviated way that you almost puke - so this is really good! You name it; we like it! Tickling grains of bell-like audio fall like dense precipitation all around, as heavily altered accordion tunes spin a thread of insanity around your last resources of clear thought… No way out of this - except maybe a brutal awakening from a runaway dream… (“Woke up, fell out of bed, dragged a comb across my head…”) Rhythmic cardiovascular beats bump and vibrate, and it all vanishes out on a thin, dissipating line of high pitch treble. Impromptu (1995) is the only piece with an explicit instrumental idea, engaging Jacques Drouin [piano] and Lorraine Vaillancourt [keyboard]. The whole title is “Impromptu for piano, synthesizer, sampler and tape”. It cannot be helped; I have to quote this immensely eloquent Mr. Daoust on this piece too: “I completed this piece thanks to the help of Chopin, who for the occasion loaned me his Fantaisie-Impromptu in C-sharp minor for piano (op. 66). I have taken all material for this work from it, but also the agitation of the writing, the overly abundant energy, the tension.” It is a very seasick piano that opens the work. With gusting winds all around it, as the tones sort of reach us through watery waves of salty expanses. Unaltered speed freak pianism mingles with bent-out-of-shape tones, and a drone is heard - but sometimes not directly - as dump trucks of the soul are gearing up and gearing down somewhere in the vicinity. The blending of clean, clear and sparklingly present piano tones and all kinds of disturbed and wrenched, wretched sounds out of the poor instrument is splendidly arrived at, and here I can feel the influence of the Maestro, Mr. Stockhausen, in actual sound as well as in spirit and idea. Being a suspicious critic of the mixed-form bag, I nonetheless approve very much of Daoust’s adventure here, since, it seems, he uses the actual, acoustic instruments like would he any source of sound, thereby simply having them take on the apparition of “concrete sounds”; not primarily instrumental sounds. There is less of the frantic amassment of dense sounds here, and more of the poetic touch, careful in the detail, deeply in love with the over-arching gesture - and the musicality of this electroacoustic piece lands me in pure auditory pleasure! Prime time contemporary music! Hats off to Yves Daoust! La gamme (“The Scale”) (1981, revised 2000) is a kind of exercise on the part of Daoust, as he, as a dilettante to the electronic sound media stumbled through the venues of electronic possibility in 1981. Daoust calls this “techno music before its time”. The beginning is glassy, like long walls of shelves filled with bottles and wine glasses, screeching to each other about the blessings of fluid. A rubbery wind-down of events follows, like ropes of events closely knit together in a spiral grip of time… reminiscent of some Jean Schwarz adventures from the same time - but a lot of music sounded like this back then… and it still sounds fresh, electronically fresh. There’s nothing concrete about this beginning; it’s pure electronic music, electronically generated - but further into the work children’s voices in a school yard or a playground provide enough concretisms to secure even this piece in the secure grip of a musique concrète definition - and somebody practicing scales on the piano, overheard through a window facing the school yard, renders the piece a calm Paris suburb afternoon feeling, with no ill intents anywhere. Highly rhythmical progressions out of the 1981 electronic machinery talk directly to my memories of For Jon III by Lars-Gunnar Bodin of Norrtuna, Gnesta, Sweden; a veteran och veterans of electronic music. Sparkling clusters of edgy sounds spin down your auditory meatus like tumble weeds of Texas and Oklahoma down a gravel farm road during the Dust Bowl climate disaster… The last entry is Ouverture (1989), which turns out to be a recount of the history of Canada in the making; a story that keeps its topicality through the struggle for independence in Quebec. The intrigue passes from 1760 and the end of New France, which falls into the hands of the British. It continues past 1793 with the decapitation of Louis XVI in France, and so it continues, in a narrated and sound-theatrical tour up the annals of history, though heavily blended with the sounds of modern Canada and an array of electroacoustic sound-bendings and sonic processes in the digital domain. Most of all this goes on in French, though English language is introduced inside the piece. This is just as much a radio play as a piece of electroacoustics. It’s very interesting and ear-catching, and like everything on this CD very well done, by an Yves Daoust who is a poet as well as a musician, and who manages to fascinate even an old hard case like myself…
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Portrait: Yves Daoustpar François Couture in All-Music Guide (ÉU), 1 août 2001 |423|
«His dreamy textures and sense of the narrative compensate for the rather classical
plasticity of his sonic sculptures.»
Born in 1946 in Longueuil, near Montréal (Canada), Yves Daoust started the piano at a young age. He began to produce sound tracks in his teens for amateur stage productions. At age 21 he was admitted at the Montréal Music Conservatory, in piano. Two years later he quit, turning to composition and studying with Gilles Tremblay. His discovery of musique concrète in the early 1970s made him realize that he had already done something similar. He learned the trades of film music and sound production with Maurice Blackburn and Norman McLaren at the National Film Board of Canada and spent two years at the GMEB in Bourges to complete his initiation to electroacoustics. Back in 1976 he worked a few years for the NFB. His first real tape music piece was completed in 1979, at which time he quit the Board to become one of Quebec’s most important composer and promoter of electroacoustic music. He co-founded the ACREQ (an association for electroacoustic research) in 1978, assuming the duties of president for ten years. He teaches electroacoustic composition at the Quebec Music and Drama Conservatory. Daoust’s music touches tape music, instrument and tape, live electroacoustics, and instrumental film music. His dreamy textures and sense of the narrative compensate for the rather classical plasticity of his sonic sculptures. His first tape composition, Quatuor, was awarded the Euphonie d’Or by the Bourges Festival in 1993. An influential teacher, Daoust left his mark on many younger Quebec composers such as Ned Bouhalassa and Daniel Leduc. His first album, Anecdotes, was released in 1991 on empreintes DIGITALes. A second, Musique naïves, followed in 1998, and a third, Bruits, in 2001.
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