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Paul Dolden vs Gilles Gobeilby Tobias Bolt in quietnoise (Germany), November 18, 2005 |6085|
“… zu einer konzentrierten Aufmerksamkeitsfokussierung ein und schafft so ein
elektro-akustisches Meisterwerk.”
Tape-Aufnahmen als Basis und das Tonstudio als unverzichtbares kreatives Element bilden die gemeinsamen Ausgangspunkte für die beiden zeitgenössischen Komponisten aus Kanada, deren musikalische Manifestationen in Form zweier Alben auf empreintes DIGITALes unterschiedlicher nicht ausfallen konnten: Gilles Gobeil und Paul Dolden. Paul Dolden, zu dessen Markenzeichen ja ein gewisser, nun, milde ausgedrückt, verschwenderischer Kompositionsstil zählt und der hier - unter anderem - sein, zumindest der Länge nach, umfangreichstes Werk vorlegt. Knapp 50 Minuten messen die vier Teile von Entropic Twilights, in welche per exzessivem Multitracking 400 Jahre Musikgeschichte hineinkondensiert wurden. In ein paar Takten vom Kontrapunkt zum Metal-Riff. Rock, Oper, Klassik, Pop, Avantgarde - alles da, ein riesiges virtuelles Orchester, das ein schräges, knallbuntes Musical intoniert. Unglaublich perfekt zusammengebastelt, rotiert dieses Stil-Stroboskop permanent auf Höchstgeschwindigkeit - nach wenigen Minuten ist meine Wahrnehmungsschmerzgrenze erreicht. Selbst das Cover ist zuviel des Guten. Aber: ich persönlich hege ja keinen Zweifel daran, dass immer dort, wo sich Nerdtum mit Größenwahn paaren, es zwangsweise interessant wird. Zum Beispiel: um eine in hunderten Arbeitsstunden perfekt hergestellte Modelleisenbahnanlage geil zu finden, muss ich mich nicht zwangsweise für Züge interessieren. Vorsicht: ich möchte Dolden jetzt nicht auf einen autistischen Nerd reduzieren, nichts läge mir ferner. Er hat, trotz eines leichten Hanges zur Überironisierung, offenbar eine bemerkenswert klare Vision, die er künstlerisch wie auch technisch in einzigartiger Weise umsetzen kann. Und ich habe großen Respekt, vor dem, was er geschaffen hat, auch wenn ich auf rein musikalischer Ebene einen unmittelbaren Zugang nicht immer einfach finden und vieles nicht nachvollziehen kann. Was naturgemäß auch noch für die beiden abschließenden, Mitte der Neunziger entstandenen, Stücke The Gravity of Silence. Resonance #5 und The Heart Tears itself Apart with the Power of its own Muscle. Resonance #3 gilt. Ganz anders geht es mir mit Gilles Gobeil, der seine zwischen 1988 und 2002 komponierten Werke unter dem Titel Trilogie d’ondes in 48kHz/24Bit-Qualität auf DVD veröffentlichen lässt. Seine Handschrift drückt sich in einer sehr linear strukturierten Herangehensweise aus, innerhalb derer er in den vorliegenden drei Stücken Tape-Aufnahmen und von Suzanne Binet-Audet gespielte Ondes Martenot (ein monophones elektronisches Instrument, das Ender der Zwanziger-Jahre von Maurice Martenot entwickelt wurde, ein seltsamer Hybrid aus Theremin und Klavier) wiederholt zu sich langsam steigernden Crescendi montiert. Intensivierung, Klimax und Stille bilden in ihrer Repetition schon bald einen sehr natürlichen Prozess, der, obschon stellenweise eine orchestrale Form annehmend, in seiner Intention eindeutig minimalistischer Prägung ist und zu dem ich schnell eine intuitive Beziehung aufbauen kann, nämlich schon während des ersten Hördurchganges. Auch nutzt Gobeil ebenfalls exzessiv die Möglichkeiten des Studios - alle hier enthaltenen Aufnahmen wurden übrigens in den letzten beiden Jahren neu eingespielt und abgemischt bzw. nachbearbeitet - allerdings setzt er seinen Perfektionismus, im Gegensatz zu Dolden, dem hier mehr an einer Ironisierung durch Überhöhung und Übertreibung gelegen ist, zu einer konzentrierten Aufmerksamkeitsfokussierung ein und schafft so ein elektro-akustisches Meisterwerk.
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Caleidoscoopby Jan Willem Broek in De Subjectivisten (The Netherlands), November 18, 2005 |6081| Een delirium voor je plezier, kan dat? Volgens Paul Dolden wel, want niet alleen de titel van zijn vierde cd Délires de plaisirs maar ook de muziek zelf past bij dat thema. De Canadees brengt zijn muziek uit op het label empreintes DIGITALes, dat zich normaliter kenmerkt door bijzondere elektro-akoestische muziek en musique concrète. Dolden lijkt zich in de eerste vier stukken (Entropic Twilights) als een dolleman met progrock, ethnische percussie en koren de klassieke muziek aan te vallen. Hij stort zoveel stijlen, genres en samples door elkaar, dat het een plunderphonics-grabbelton vol onherkenbare referenties is geworden. Tussen alle gekanaliseerde kakofonie zitten heel mooi rustieke stukken. Het is een soort op hol geslagen musique concrète geworden, waarin hij op ingenieuze wijze de caleidoscopische puzzel in elkaar schuift, waarvan de stukjes gevormd lijken te worden door Stravinsky, Webern, The Residents, John Oswald, Univers Zero en Zappa. Het zou nog fraaier zijn geweest als hij het minder digitaal had laten klinken. Verder zijn het 50 minuten vol overdonderende machinale en klassieke flarden. Het vijfde en zesde stuk The Gravity of Silence. Resonance #5 en The Heart Tears itself Apart with the Power of its own Muscle. Resonance #3 komen uit zijn Resonance-cyclus. De eerste duurt bijna 14 minuten is geschreven voor fluit en tape. In het begin lijkt een soort new age variant van musique concrète te worden. Al snel gaat ook hier de krachtige machine draaien en wordt het een bijna orgastische ontlading van geluid. Gesamplede elektronica, stemmen, trompetten, orkesten en de fluit verhullen ook weer de vele klassieke referenties. Het tweede van iets meer dan 14 minuten zou een subtiel stuk doen vermoeden, aangezien het geschreven is voor 4 violen, 2 altviolen, 2 contrabassen en 2 cello’s. Overigens speelt Paul naast gitaar die instrumenten zelf. Op wat rustige jazzy intermezzo’s na, voert Dolden ook hier tempo en volume op. Op bijna metalachtige en soms bombastische wijze presenteert hij de toegepaste klassieke muziek. Ik houd hier zeker van, maar ben toch ook nieuwsgierig naar een meer subtiele aanpak, maar daar zijn op zich genoeg anderen voor te vinden op het label. Eén tip: niet draaien bij knetterende hoofdpijn, romantische avonden of überhaupt in gezelschap. Lekker hard in je eentje genieten van het werkelijk verpletterende, delirium opwekkende geluid.
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Reviewby François Couture in All-Music Guide (USA), November 15, 2005 |6084|
“Demanding, exhausting, but extremely rewarding.”
Paul Dolden’s albums are few and far between and there is a very simple explanation for that. Just listen to Entropic Twilights, the 49-minute opus taking up most of this CD to hear how many tracks are stacked up, how many fragments juxtaposed, how many structures interlocked. Produced over five years, this triptych draws its inspiration from the overwhelming quantity of music and sounds we are exposed to in a day. Dolden puts so-called serious music, rock, jazz and muzak all on the same level, editing drums and electric guitar into choral passages, using cheesy keyboards in Stockhausen-esque developments. At times, the whole thing sounds like one of Tim Brady’s large projects times ten. Dolden shuffles genres, approaches, winks and quotes, the result being a riveting, engrossed thrill ride that will leave you panting. Maximalist and extremely detailed, the piece is a tour de force and succeeds in illustrating how our constant exposure to all kinds of music tends to drag it all down to a single level. The program on Délires de plaisirs is rounded up by two more pieces from Dolden’s Resonance series, numbers 5 and 3. The Gravity of Silence. Resonance #5 features flutist Chenoa Anderson in a virtuoso contest against herself and Dolden’s banks of samples. The piece is built over graceful melodies that grow increasingly frantic. The Heart Tears itself Apart with the Power of its own Muscle. Resonance #3 follows a similar pattern, although this time the featured performer is Dolden, playing a 10-piece string ensemble all by himself. With its added drums, electric guitar and vocal sections, this work takes us back to the organized eclecticism of Entropic Twilights, by way of Frank Zappa’s cross-stylistic fantasies. Demanding, exhausting, but extremely rewarding.
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Reviewby Andrea Ferraris in Chain DLK (USA), October 25, 2005 |6069|
“… for sure I’ve never heard anything like that before.”
Composer Paul Dolden arrives at his fourth album on the prestigious canadian label empreintes DIGITALes. As you probably know if you ever heard something on this label you know they often deal with material that’s “learned music”, but at the same time their rooster is full of musicians with a big personality: the obvious result is that the most of their releases is simply out of ordinary. Paul Dolden shows he combined such a big range of influences that’s hard to think how he can mix it all together, do you think I’m exaggerating?… ok, who else ever mixed together “contemporary classic music” (it reminds me basically of many contemporary american composer of the last half of Twentieth century), keyboards that “taste” of Mike Oldfield crossed with Philip Glass, fast guitar-solos in the style of Satriani tripping for Paganini exercises and a good amount of studio production? The first four tracks are different movements of Dolden’s latest work: Entropic Twilights, The Gravity of Silence. Resonance #5 and The Heart Tears itself Apart with the Power of its own Muscle. Resonance #3 (great title!!) instead have been composed in the midst of the nineties, but the personal style of this composer was already formed therefore it all sounds homogeneous. Can you imagine “contemporary-classic-glam-music”?… well that’s it! I think there’s a lot of irony in the music and in the approach of this canadian: on the cover of this digipack there’s the shadow of a long haired biker playing a violin while flying surrounded by mountains, some guitar necks are hanging on the back of his motorcycle and instead of being followed by gas his bike is followed by notes. I can’t say I’ve been blown away by this cd but for sure I’ve never heard anything like that before.
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Reviewby Tom Sekowski in The WholeNote #11:1 (Canada), September 1, 2005 |6058|
“… yet another work of genius from this much misunderstood Canadian
composer.”
Always a composer who has understood the meaning of density in a work, Paul Dolden returns once again with Délires de plaisirs ([featuring the work] Entropic Twilights). If you’re wondering if Dolden has softened his edge for the complex multi-dimensional rhythm tracks and computer-generated layers, the answer is a plain, resounding no. The album sees him in full control of his virtual orchestra. Of course, it’s an orchestra on paper only, as his computer is fed the various instrumental parts, which are then neatly (or less neatly - depending on the composer’s mood, I guess) organized into individual tracks. If you thought his other works were dense, wait until you hear the title piece - which comes complete with noisy guitars, altered percussion, some flutes and this thick, thick layer of distortion. All in all, Dolden had to go back and absorb new production techniques in order to come up with the precise sound that he was looking for. We’re talking about relentlessly dense multi-tracking here and the result is absolutely a work of wonder. Just to be able to hear this piece without an opinion is next to impossible. Some may call this a work of a madman. It’s obviously not a work for everyone as the novelty and uniqueness of it may scare the fans of the more conventional. But if you’re looking for something new and challenging, Délires de plaisirs is yet another work of genius from this much misunderstood Canadian composer.
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Paul Dolden: le plaisir du sonby Guy Marceau in SOCAN, Paroles & Musique #12:2 (Canada), June 1, 2005 |967|
“Aux atmosphères très prenantes s’ajoutent de larges citations musicales, dans
une orgie de références très ludiques.”
Une équation se dessine d’emblée lorsqu’on écoute L’ivresse de la vitesse (1992), une des œuvres de Paul Dolden qui a fait l’unanimité des milieux musicaux contemporains ici et en Europe, et qu’on écoute le volubile compositeur parler de son art. À bientôt 50 ans, avec une propension à l’excès, l’accélération et l’accumulation des plans sonores, Paul Dolden parle aussi vite que la musique qu’il compose, mais ralentit un peu lorsqu’il clame ne pas être un vrai électroacousticien. Comment le situer? Paul Dolden, né à Vancouver mais vivant à Montréal, a tout du compositeur atypique mais passionné de musique. Très easy going, cheveux longs, relent du freak qu’il était dans les années 70, attitude un peu désinvolte et joyeusement pince-sans-rire, il est surtout très allumé et non élitiste. «Même si on compose la musique à l’aide de machines électroniques et numériques, il faut toujours rester dans le plaisir organique, de la même manière qu’on écoute simplement Led Zeppelin ou Brahms par exemple, explique Paul Dolden. Je ne suis pas un électroacousticien au sens de Robert Normandeau, par exemple, notre travail est très différent. J’aime notamment intégrer à ma musique des instruments acoustiques et des emprunts au rock ou au jazz, des styles que j’ai toujours eu beaucoup de plaisir à écouter. Ma musique parle plus au corps et au cœur qu’à la tête.» Dolden fait mentir l’adage Less is more. Il excelle dans la surimpression de styles musicaux disparates, «pas pour en faire de bêtes pastiches, précise-t-il, mais bien pour exploiter les grandes beautés de ces musiques dans une orchestration imposante que la machine me permet de réaliser et qu’aucun orchestre ne pourrait jouer. Dans mes œuvres, je peux superposer jusqu’à 400 couches musicales pour créer mes sonorités…» À l’écoute, en effet, sa musique parle à tous nos sens: puissante, obsédante et parfois décadente, toujours hautement chargée et recherchée. Il combine ce souci de l’ordre dans le désordre, l’idée de vitesse dans le contrôle, en exploitant les textures, ryrthmes et sonorités sur l’échelle élastique du temps au profit d’une plasticité des plus incarnées. On pense parfois à Varèse ou Zappa, mais toujours dans un «traitement électronique sensible». Autodidacte Rockeur dans l’âme, Paul Dolden apprend à 16 ans la guitare électrique, puis le violon et la basse en solo. Il s’est même récemment mis au violoncelle! Las de faire de la scène (rock, jazz) dans des spectacles et avec des groupes à géométrie variable de Vancouver, il se lance dans l’expérimentation électronique au joyeux temps de la technologie analogique. «La nécessité est la mère de toutes les inventions. En cherchant de nouvelles façons de faire ma musique, j’ai découvert toute la quincaillerie électronique des années 70. C’est fou ce qu’on peut faire avec ça! Mais, tout comme maintenant, la machine était un moyen, pas une fin en soi.» Ses bidouillages créatifs font mouche au Canada: dès 1981, Paul Dolden remporte des premiers prix coup sur coup. «Avec ces prix, on me disait entre les lignes que la musique que je composais était ce qui se faisait de mieux au Canada! Alors j’ai continué, pensez-donc!» Et des prix, il y en aura plus d’une vingtaine d’autres. Presque chaque année, une de ses œuvres reçoit une récompense par ses pairs de l’industrie musicale contemporaine et électroacoustique canadienne. La bonne nouvelle se répand ensuite hors de nos frontières et dès 1984, ses œuvres sont primées en Italie, France, États-Unis, République Tchèque, Suède, Angleterre… Un pied de nez à certains autres compositeurs canadiens, puisqu’il n’a pas le profil académique universitaire requis, mais bien seulement un baccalauréat en histoire générale… Revisiter ses œuvres Pour qui voudrait entendre le fruit de sa créativité, l’essentiel de ses enregistrernents figure chez empreintes DIGITALes. Son avant-dernier, Seuil de silences (2003), remportait en janvier dernier le Prix Opus du disque de l’année dans la catégorie Musique actuelle, électroacoustique. L’album réunit des œuvres de 1987 à 1996 où, à la trame numérique, s’ajoute le jeu de trois solistes, Julie-Anne Derome (violon), François Houle (clarinette) et Leslie Wyber (piano). «Il faut savoir qu’avec la venue du numérique, j’ai décidé de remixer toutes mes œuvres… Compte tenu que pour réussir à produire une pièce de 15 minutes, il me faut souvent plus de 50 heures de travail, j’en ai eu au total pour un pou plus de deux ans!» Paul Dolden dit avoir fait ce travail pour rendre justice aux œuvres elles-mêmes, qui devenaient ainsi plus précises, plus efficaces et plus sonores. Rétrospective en Suède Après plus de 20 ans de carrière, et quelque 40 œuvres plus tard, la reconnaissance ne s’est pas démentie. À la fin avril, Paul Dolden était l’artiste invité au Borderlines Festival en Suède où l’on présentait une rétrospective de ses œuvres (12 pièces, dont deux créations, en neuf jours). Et l’affiche était prestigieuse: aux côtés de ses œuvres, 12 signées Gyorgy Ligeti, un des importants compositeurs du 20e siècle, Ligeti et Dolden partagent certaines approches et techniques d’écriture, notamment dans la complexité polyrythmique. Dolden était en quelque sorte le porte-parole canadien d’une facette de notre paysage musical contemporain électroacoustique, ce qui visiblement l’enchante. Un projet en chantier? «Toujours! Je travaille présentement sur une installation sonore à grande échelle qui se tiendra l’an prochain pendant un mois à la Galerie Diapason de Manhattan (New York).» Avril a vu la parution de son dernier disque, Délires de plaisirs, regroupant des œuvres remixées dont Entropic Twilights (1997-2002) pour bande en trois mouvements, The Gravity of Silence. Resonance #5 (1996) pour flûte et bande, et The Heart Tears itself Apart with the Power of its own Muscle. Resonance #3 (1995) pour 10 cordes et bande. Aux atmosphères très prenantes s’ajoutent de larges citations musicales, dans une orgie de références très ludiques. La musique force l’écoute et ne laisse pas indifférent. On peut en écouter des extraits sur le site d’empreintes DIGITALes au www.empreintesdigitales.com.
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Tamed Beastby John Keillor in Vancouver Review #6 (Canada), June 1, 2005 |6022|
“The piece is Dolden’s Valhalla and his
Disneyland, and he is clearly enjoying himself.”
After decades of pissing people off, Burnaby-boy-cum Montréaler Paul Dolden has written an irrefutable masterpiece. Entropic Twilights (ET), the 49-minute opening track of his new CD Délires de plaisirs, is a postmodern genre-romp of colossal scale. While the rest of the CD treads more recognizable ground, this piece is new territory for the internationally fêted, if locally ignored, electroacoustic composer, with its playful irony and original synthesis of classical, popular, and non-Western styles. Until this release, Dolden’s music can be summarily described as ferocious, featuring huge, raging blocks of musical colour seething with electric invasiveness. The older material’s shocking amounts of input at exceedingly high volume (in concert settings, anyway) recalibrated listeners’ blood flow by sheer aural force. Back in the ’80s, many of Dolden’s musical peers were, frankly, offended by the overwhelming character of his output, and these people will be interested to know that ET is a different sort of work. While not an artistic olive branch by any means, it is definitely approachable. A downright populist piece, ET features jokes, simples tunes, and pratfalls of sudden stylistic redirection: huge orchestral episodes culminating in stoner guitar rock, for example. Yet the integrity of the language doesn’t fall apart midstream; it careens on without losing steam. The work was constructed through a digitized version of his former audiotape technique. Dolden records hundreds of individual instrument and voice parts, then stretches or compresses these beyond idiomatic performance possibility. He then layers them by the hundreds to create previously unimaginable soundscapes. One big difference from the earlier material is the grab bag of styles from which he freely draws. Palestrina’s vocal writing can be heard alongside Ravelesque orchestration, punk rock, jazz, disco, African drumming, and gamelan gongs. In his hands, this approach is no mere crazy quilt of alternating musical genres. He not only layers sounds but also lays them out sequentially. The parts weave together thematically, reinforcing each other via four brief, friendly tonal melodies in the key of C, producing musical pranks of lightness and subtlety. ET even goes as far as outright, delighted cheesiness. One such moment is right at the beginning as a portentous heavy-metal guitar solo wails tearfully, metal-ballad style, over gongs and winds heard at super-low registers. The composer himself performs the solo, in real time. He’s an immaculate, feeling player, and this ballsy overture hails the central theme of the piece: Bring the entertainment factor back into classical music, for god’s sake! The 20th century and all its unsmiling avant-garde composers, such as Pierre Boulez and Morton Feldman (whose music I actually like), managed to alienate the world. They did so in search of a perfect musical language while ignoring the interests of the general public. Today, it’s almost impossible to sell 20th-century classical CDs. Record companies produce them in order to appear aesthetically concerned, and so they should. Today’s classical music needs all the help it can get. In the 19th century, classical music actually competed with all other forms of entertainment, often holding its own without patrons or government funding. Sometimes its composers did, however, have unstoppable competition. There’s a tale of one 1860’s night in Paris, where three illustrious piano virtuosos, — Sigismund Thalberg, Franz Liszt and Clara Schumann — were all performing at separate venues. Each naturally wanted to outsell the other two. But on this particular night, all three concerts were embarrassingly under-attended because there were giraffes in town for the first time, and everyone went to see them instead. Of course, on other evenings all three pianists made heaps of money and endured a dozen curtain calls. On those occasions, no other marketable distraction could compete with the public interest in their playing, or with the scores that had been written for them. The point, here, is that classical music used to be a competitive cultural force and now it’s moribund, swept aside by movies and cheap internet pornography-and that fact angers Dolden. But ET doesn’t sound angry. It’s like a rectified collusion of the musical patter we hear in public spaces. Imagine all the piped-in music from different stores in a shopping mall playing simultaneously. What Dolden hears here, I believe, is a sort of musical ship’s graveyard, filled with floating corpses of gutless reggae and world beat and flaccid Mozart and techno, lolling uselessly as the shoppers meanders about, obliviously comparing prices. Regard this situation for what it is: a consumerist victory over music, its meaning drained, its fleet broken. Dolden’s work attempts to revamp the rigging and get real music back into the battle for a place in our collective psyche. It’s a battle worth fighting, and, on this front, Dolden’s captaincy his producing some notable gains. Two years ago, he sold out a South American tour. More recently, he was the featured artist at the Borderline Festival in Malmö, Sweden, with half a dozen concerts showcasing his work. Some of his previous discs, such as Seuil de silences, sold out and had to be repressed. And unlike almost every other professional composer in the world, he doesn’t have to teach. He makes enough money just composing. He’s walking the walk. ET demonstrates how the world can be drawn back to classical music through entertaining sophistication. While the avant-garde searches for a new musical language by means of wispy dissonance, this piece consists of comically consonant counterpoint, producing a visionary artistic direction in the form of a wild ride-like a roller coaster designed by NASA. This is Dolden’s Valhalla and his Disneyland, and he is clearly enjoying himself. The importance of a composer’s pleasure cannot be underestimated. It brings to mind a tame about Claude Debussy’s conservatory days: Upon hearing him perform on of his youthful compositions, his affronted professors complained that their student was not following conventional harmonic rules. Debussy replied that he did not follow conventional harmonic rules. The academic rejoinder was, What rules did Debussy follow, exactly? “Mon plaisir,” he famously replied. Debussy is not perhaps the last of the avant-garde composers in history to be found in mainstream concert programs. Debussy’s oeuvre began with an anti-Wagnerian fire that cooled over time into something personal and impressionistic. Similarly, Dolden’s belligerence is now more genius than rebellion. Academics may still sniff at his approach, as they did at young Debussy’s. Check out ET, dear reader, with its assured grasp of today’s jumbled commercial anxiety, and decide for yourself who is right. other texts in
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