| ← |
Jean Derome (Montréal, Québec, 1955) • residence: Montréal, Québec • composer • performer (saxophones (alto, baritone, soprano), flutes (flute, bass flute, piccolo, alto flute, recorders), keyboards, small wind instruments (ocarinas, jew’s harp, game calls, toys…), percussion, invented instruments, voice) — member of: Castor et compagnie • Jean Derome et les Dangereux Zhoms • Évidence • Fanfare Pourpour • Les Granules • Mecha Fixes Clocks • Nous perçons les oreilles • Trio Derome Guilbeault Tanguay
Articles about Jean DeromeRecord reviews are found in the pages for each disc (via the “discography” tab).
top
Jean Derome brings Montreal improv to Vancouver.by Alexander Varty in The Georgia
Straight (Canada), November 6, 2008 » Language and geography pose formidable challenges to those who’d like to see more interplay between Quebec and British Columbia, but many artists are working to bridge that gap—most notably in improvised music, where there’s been a strong connection between Vancouver and Montreal for more than 20. The two cities share some common attributes, notably a degree of isolation from the mainstream and a willingness to experiment. But affordable housing and superior funding have allowed Montreal’s players to develop an idiom all their own: musique actuelle, which blends elements of American-style free jazz, progressive rock, contemporary chamber music, and Gallic joie de vivre in a sound that’s as sophisticated as haute cuisine and as earthy as joual. Vital though this music is, until recently some of its practitioners were feeling like it might be an endangered species. “I was really worried to see the players and the audience always getting older and older, with no renewal,” says saxophone and flute specialist Jean Derome, reached at his Montreal home. “It was like we were just kind of an error in history—something that happened that won’t happen again. But now we’re seeing a lot of younger musicians starting to do free improv, or mixing acoustic instruments with electronics and so on. There’s a new generation of musicians that is thinking creatively and not just standing on the shoulders of a few originals.” As one of the key architects of musique actuelle, Derome is understandably pleased by this influx of new talent—a phenomenon, he adds, that’s happening in Vancouver, too. This weekend, he’ll guest with Vancouver’s NOW Orchestra at its annual Hear It NOW festival, and while he’s long been familiar with bandleader Coat Cooke’s work, many of the faces in the recently revamped septet will be new to him. “I was really surprised to see that the lineup has changed, that it’s not anymore the big 19-piece band,” he says. “But I had the feeling that Coat was finding it difficult... there was so much history between all the players, and sometimes that can almost be a trap. You feel that things can’t change.” The new NOW band, which features a mix of jazz-based and rock-influenced players, is well suited to the material Derome’s bringing with him, which includes a few numbers culled from the repertoire of Les Dangereux Zhoms, the extroverted quintet that was for many years a fixture on the Montreal scene. The reed virtuoso will also have his own powers taxed: NOW has commissioned Vancouver New Music artistic director Giorgio Magnanensi to write a new piece for the band, and Derome reports that it includes a saxophone line that’s so complex even he’s having difficulty figuring it out. Telephone conversations with the composer are helping, however. “The music is difficult, but the guy is not,” says Derome of Magnanensi — an assessment that could be applied equally well to this engaging saxophonist and his work.
top
Le cinéma interprétéby Stéphane Lépine in 24 images
#138 (Québec), September 1, 2008 »
“’homme-orchestre et musicien tout-terrain qu’est Jean Derome a toujours démontré
des affinités électives avec tous les autres arts.”
Les œuvres théâtrales existent sur le papier. Elles sont publiées, peuvent être lues et relues. Mais elles n’acquièrent leur véritable sens qu’à la scène, incarnées dans le temps et dans l’espace par des comédiens de chair et de sang. Et, on le sait, une pièce peut prendre un sens fort différent selon le metteur en scène qui lui donne vie scénique. De même, les partitions de toutes les œuvres que nous ont léguées les compositeurs existent bel et bien, mais ne sont que du papier mort jusqu’à ce que des musiciens en prennent possession: ainsi redécouvre-t-on Le clavier bien tempéré grâce à Till Fellner et en vient-on à croire possible l’interprétation des suites de Rameau au piano grâce à Alexandre Tharaud. Mais s’il en était de même au cinéma?? Si The General de Buster Keaton, L’homme à la caméra de Dziga Vertov et Entr’acte de René Clair devenaient en partie autre chose, se transformaient grâce à la musique, tels ces petits morceaux de papier jusque-là indistincts plongés dans l’eau qu’évoque Proust dans La recherche?? «Un livre, écrit Michel Tournier, est un oiseau sec, exsangue, avide de chaleur humaine, et, lorsqu’il s’envole, c’est à la recherche d’un lecteur, être de chair et de sang, sur lequel il pourra se poser afin de se gonfler de sa vie et de ses rêves.» Nous tous, cinéphiles, le savons: nous lisons et rêvons les films que nous voyons. Dix séances de cinéma muet en musique présentées par Robert Daudelin cet été à la Cinémathèque québécoise permettaient de voir à l’œuvre Jean Derome, François Bourassa et leurs invités en conversation avec des chefs-d’œuvre des années 1920: des musiciens, certes, mais aussi des lecteurs de films, faisant entendre leur lecture, leur recherche du sens à chaque seconde du défilement des images, faisant également voir des films s’échapper pour ainsi dire de leurs prisons pelliculaires, transformer leur achèvement qu’on aurait pu croire jusqu’alors intouchable en art vivant, appelé à être sans cesse recréé. Une dame, à la sortie de la deuxième séance, qui réunissait des films sous le titre «Avant-garde des années 1920», se dirigeait, émue, vers Jean Derome en lui disant: «Je n’avais jamais aimé, je n’avais jamais compris Le pont de Joris Ivens avant d’entendre ce que vous en avez fait.» Indiscret, j’écoutais ses propos, troublants et éclairants: cette dame n’a pas dit «avant d’entendre votre accompagnement musical», mais bien «avant d’entendre ce que vous en avez fait». Comme Gould s’appropriant la musique de Bach, Derome avait bel et bien fait quelque chose avec le célèbre court métrage de Joris Ivens. De même que les premières images de Mort à Venise de Visconti auraient un autre impact et un autre sens avec une autre musique que l’adagietto de la Cinquième Symphonie de Mahler, le film d’Ivens acquérait, aux yeux et aux oreilles de cette spectatrice, un sens qu’il n’avait jamais eu, cela grâce au lecteur Jean Derome, à ses saxophones, ses flûtes et ses objets. Les partitions d’Ennio Morricone ou de Bernard Hermann sont à tout jamais liées aux images des films, nombreux, qu’ils ont pour ainsi dire cosignés. Dans ce cas, Derome, Bourassa, Joane Hétu (véritable réincarnation de Cathy Berberian!), Robert Marcel Lepage et tous les autres ont interprété Walter Ruttmann et Rupert Julian, Boris Barnet et Josef von Sternberg, René Clair et Germaine Dulac de la même manière que Matthias Goerne interprète Schubert et Toros Can les Études de Ligeti. Le sens des images n’est pas fermé: voilà une évidence crasse dont j’ai repris conscience au fil de ces projections. Lues ainsi, dans la fièvre de l’instant (les musiciens n’avaient revu qu’une seule fois le film avant de se livrer à leur improvisation), les œuvres bénéficiaient d’une véritable lecture, c’est-à-dire, comme le suggère Baudrillard dans Le crime parfait, d’une lecture qui tienne «compte de l’écriture, de la force poétique, ironique, allusive du langage, du jeu avec le sens». L’homme-orchestre et musicien tout-terrain qu’est Jean Derome a toujours démontré des affinités électives avec tous les autres arts. Lui et François Bourassa, grand pianiste de jazz, en véritables passe-muraille qu’ils sont tous deux, sournoisement attentifs à la présence répétée de références sonores (trains en mouvement, coups de feu, etc.) et musicales (représentations de Faust dans The Phantom of the Opera et La souriante Madame Beudet, allusions à Debussy chez Clair et Dulac, personnages au piano dans plusieurs films), mais jamais soumis à elles, n’ont pas résolu le sens, ne l’ont pas fermé ou réduit, mais ont proposé le leur et démontré que chaque visionnement d’un film, que chaque lecture musicale en direct possède une rythmique, une durée, un son qui lui est propre. Devant les mêmes œuvres, d’autres musiciens auraient proposé d’autres lectures et démontré que les interprétations de ces immortels chefs-d’œuvre et de ces œuvres ouvertes sont aussi nombreuses que le nombre de leurs lecteurs.
top
Live Reviews: Festival international de musique actuelle de Victoriavilleby Michael Chamberlain in Signal to Noise #51 (USA),
September 1, 2008 » While the 2008 edition marked the 25th anniversary of the Festival international de musique actuelle de Victoriaville, and while the festival grid looked, in some respects, like a tribute to certain mainstays of the festival that’s not quite the way that Victo’s director, Michel Levasseur, set out to put the milestone program together. The 25th anniversary nonetheless has a resonance for many people, Levasseur found. “You can’t hide the reality of this history,” he said in an interview before the festival. “Some people have 25 years of marriage. Some people think of where they were 25 years ago. Some of our audience weren’t even born then. […]” And there was, in fact, a certain symmetry to the lineup, with Jean Derome et les Dangereux Zhoms + 7 and John Zorn’s project The Dreamers opening the festival at 8 and 10 pm respectively. Both Derome and an expanded lineup of Les Dangereux Zhoms and Zorn’s Dreamers delivered performances that demonstrated that their leaders were still making interesting, relevant music. Les Dangereux Zhoms did two pieces. The first, Traquen’Art, was first performed late last year in homage to the Montreal production company of the same name, while the second, Plateforme, was a premiere, written in tribute Levasseur’s creation and life work. With the lineup expanded to include the voice of Joane Hétu, the reeds of Lori Freedman, and the turntable of Martin Tétreault, among others, the two compositions encompassed a wide palette that drew together almost everything Derome has done over the past thirty years. Ranging from delicate interplay between voice, violin and viola to full-on collective improvisation with screeching guitar and muted trombone pyrotechnics, the music exploded generic considerations in the best Victo tradition. […] A lot of festival-goers skip the midnight shows, but this year’s edition featured two of the best I have seen in a decade of attending the festival, the Friendly Rich Show on Thursday and Michel F Côté’s post-rock soul sextet (juste) Claudette on Sunday. […] While the collective intrigue of the three Thursday concerts were hard to match, there was much to savor over the weekend. Among these […] the premiere performance by the trio of René Lussier, Martin Tétreault and Otomo Yoshihide, whose nakedly human endeavors to improvise as a trio had to overcome their long histories of playing with one another in duos, the results demonstrating both the promise and the pitfalls of improvised music.
top
Live Reviews: Suoni per il Popoloby Lawrence Joseph in Signal to Noise #51 (USA),
September 1, 2008 » The eighth annual Suoni per il Popolo spanned a month and covered a huge range of musical genres. Over 50 concerts took place in two venues located across the street from each other in Montreal’s artist-filled Mile End neighborhood. It gave fans of free jazz, experimental rock, avant folk, contemporary classical, electronic, and improvised musics plenty to get excited about. Add a workshop with the Sun Ra Arkestra, street performance art, DJ sets and an outdoor day of music and children’s activities, and you have an unbeatably eclectic event. […] The festival kicked off with two shows that exemplified what it does best. The more intimate Casa del Popolo was the venue for a free jazz blowout with saxophonist Glen Hall, bassist Dominic Duval, and drummer William Hooker, […] Hall keeps a relatively low profile, despite having studied with Ligeti and Kagel and played with the likes of Roswell Rudd, Jimmy Giuffre and John Scofield. The compositions in the first set paid tribute to some of his influences, while the second set shifted to freely improvised territory, with Montreal’s young trumpet luminary Gordon Allen sitting in to add blistering sound blasts and overblowing to the mix. At times this resembled the more noise-based music Hooker has made with Thurston Moore. […] Allen was a fixture at the festival, playing in seven shows during the month, including guitarist Rainer Wiens’ version of Riley’s In C. Another evening featured the debut of All Up In There, a trio of Allen, Michel F Côté on percussion, and Frank Martel on Theremin. Martel often played the theremin as if it were a stand-up bass, while Côté, when not playing kit, obtained a surprising variety of sounds from winging two mics around Pignose amps. The overall effect was more like a group of virtuosic Martians than a standard jazz trio. […] Christof Migone’s performance piece Hit Parade took place outside on a busy Saint-Laurent Boulevard, taking over the sidewalk and one lane of traffic. Eleven people lay face down on the pavement, each pounding a microphone into the ground exactly one thousand times, at varying speeds. The sound of a giant asynchronous metronome prompted ironic thoughts in this listener about the usual meaning of the phrase “hit music,” and about pounding the pavement as a metaphor for life. […] The Quatuor Bozzini, a string quartet dedicated to contemporary music, performed a selection of pieces by experienced improviser/composers. Malcolm Goldstein’s four-part structured improvisation A New Song of Many Faces for in These Times (2002) was by turns gentle and harsh, agitated and introspective, as melodic and rhythmic fragments were passed from one member of the quartet to another. Goldstein himself performed Hardscrabble Songs, a 13-minute solo piece for voice and violin. Jean Derome and Joane Hétu’s Le mensonge et l’identité (“Lies and Identity”) is an hour-long tour de force with a strong socio-political component. The Bozzinis’ spoken contributions (both live and on prerecorded tape) ranged from pithy quotes from philosophers and politicians to personal anecdotes. The music deliberately unraveled into chaos, the players moving music stands and chairs about the room in response to unsynchronized metronomes, tipping over stands as the scores on them were completed. […]
top
FIMAV (May 15-19)by Kurt Gottschalk in All About Jazz New York #75 (USA),
July 1, 2008 » Guitars reigned supreme at this year’s Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. The saxophones were there to be sure; Jean Derome, Joe McPhee and Roscoe Mitchell are not ones to sneeze at. But the 25th edition of FIMAV centered on the six-string, with Raymond Boni, Tim Brady, Nick Didkovsky, Fred Frith, René Lussier, Joe Morris, Marc Ribot and Elliott Sharp all on the bill. (…) Sets by the members of the Ambiances Magnétiques collective from Montreal (100 miles southwest of Victoriaville) are always a much anticipated part of the week and this year made for three strong sets: Jean Derome’s Les Dangereux Zhoms revived as a sextet; Michel F Côté’s excellent organ lounge (juste) Claudette and a trio of René Lussier, Martin Tétrault and Otomo Yoshihide. The latter was an especially exciting outburst of two turntables and two guitars (Yoshihide manning one of each), running from energy to abstraction. Yoshihide was originally set to play just turntables, but arrived with guitar in hand. Perhaps he sensed something about the frenzy of FIMAV 2008.
top
Review of the 25th Annual Festival international de musique actuelle de Victoriavilleby Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (USA),
June 20, 2008 »
“Jean Derome’s composing continues to
get better and better […] Bravo!”
The Victo fest began with Jean Derome et les Dangereux Zhoms at the cinema. It seemed only appropriate that one of Quebec’s most creative composers, musicians and multi-bandleaders, would open this great fest in Victoriaville, a small town in the center of Quebec. Jean Derome is reeds wizard and a most successful and diverse composer and one of the reasons we go keep going back to the Victo Fest every year. Mr. Derome brought his dynamic 5-piece all-star ensemble plus another seven musicians were added. Derome and his 12-piece small orchestra performed two new long pieces called Traquenards and Plates-formes. The musicians included Derome (alto sax & flutes), Lori Freedman (clarinets), Tom Walsh (trombone), Martin Tétreault (turntables) & Joane Hétu (vocals). The rhythm team of Pierre Cartier (el. bass) and Pierre Tanguay (drums) was in especially fine form as they played their cosmic throb undertow while the clarinet and strings played a lovely repeating theme on top. Joane Hétu did a good deal of odd bird-like vocal sounds that blended well with Martin Tétreault’s turntables effects. Jean Derome’s composing continues to get better and better, I dug the way he interspersed more melodic sections with directed freer parts. This piece seemed darker than anything I’ve heard from Jean Derome previously, yet it was quite successful on a variety of levels. Bravo! […]
top
La maturité de L’OFF Festival de jazzby Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), May 24, 2008
»
Enfin! Bravo! Merci aux organisateurs de L’OFF Festival de Jazz de Montréal d’avoir accompli un retournement temporel. La neuvième édition de cet événement ne se tiendra pas simultanément à l’autre, le «gros», si l’on peut se permettre. Après s’être rendu compte que l’offre musicale se confondait avec hyperinflation au début de l’été, les responsables de l’Off ont décidé de devancer les dates. Bref, il se déroulera du 13 au 21 juin. La deuxième modification apportée est géographique. Adieu le Patro Vys, bonjour le Dièse Onze, qui a ceci de bien qu’il est un club de jazz à l’année. Jazz et resto situé au 4115 A du boulevard Saint-Denis, pour être précis. Les autres points de chute sont les mêmes que ceux de l’édition antérieure: le Lion d’or et le Pub Saint-Ciboire. Auxquels s’ajoutent cette année… … La Sala Rossa. Et là, si l’on peut dire, c’est l’autre bonne nouvelle de cette année. Voici de quoi il s’agit: les organisateurs de l’Off se sont associés à ceux du festival Suoni per il popolo, qui se tiendra du 1er au 30 juin. Cette alliance, selon les confidences de Jean-Jules Pilote, cheville ouvrière de l’Off, devrait s’étoffer au cours des prochaines années. C’est à espérer. Car au cours des prochaines semaines, ce duo d’organisateurs va proposer deux spectacles à La Sala Rossa: le Sun Ra Arkestra, dont on a parlé la semaine dernière, le 14 juin, et le Barnyard Drama, le quartet Lauzier, Myhr, Martel, Tétreault ainsi que Gordon Allen le 15 juin. Prix du billet de Sun Ra: 25$, alors que celui du lendemain se détaille entre 14 et 16$. Puisqu’on décline les histoires d’espèces sonnantes, il faut insister sur un fait économique fondamental. C’est sérieux, très sérieux même. Le rapport qualité/prix inhérent aux shows de l’Off est REMARQUABLE! Le coût d’entrée des spectacles à l’affiche du Dièse Onze est de 8$. Ceux du Pub Saint-Ciboire sont gratuits. Ceux du Lion d’or: 20$ en prévente ou 25$ à la porte pour deux shows ou 15$ pour celui débutant à 21h30. Pour les détails, on peut se renseigner au lofffestivaldejazz.com Bon. Après lecture du programme, six des shows au Lion d’or sont à retenir: la Fanfare Pourpour, qui aura l’accordéoniste et chanteur suédois Lars Hollmer pour invité. Cette fanfare à la veine humoristique indéniable est toujours dirigée par l’immense Jean Derome. Quoi d’autre? Il suffit d’écouter leur album paru sur étiquette Ambiances Magnétiques pour s’apercevoir que les membres de cette grande formation excellent dans l’alchimie des folklores du monde. Le 18 juin, le saxophoniste et clarinettiste Chet Doxas va proposer un spectacle propre à aiguiser toutes les curiosités: Le Mur de Jean-Paul Sartre. Doxas a composé une série de thèmes inspirés, donc, de ce chef-d’œuvre littéraire qu’il interprétera en compagnie de Stéphane Allard et Zoé Dumais aux violons, de Jean René à l’alto, de Sheila Hannigan au violoncelle, de Zack Lober à la contrebasse, de son frère Jim à la batterie, tous sous la direction de Jon Sapoway. Le même soir, mais après Doxas, les musiciens phares des labels DAME et Ambiances Magnétiques vont occuper la scène pour improviser à tout va. Autour de Derome, on retrouvera Joanne Hétu au saxo, Charity Chan au piano, Diane Labrosse à l’échantillonnage, Lori Freedman à la clarinette basse, Guido Del Fabbro au violon, Rainer Wiens à la guitare et l’incontournable Pierre Tanguay à la batterie. Le 20 juin, le très courageux, le musicien essentiel, le contrebassiste battant Normand Guilbeault va décliner ses compositions retraçant la vie de Louis Riel. Il sera flanqué de quatorze musiciens, narrateurs et projectionnistes. C’est au Lion d’or le 20 juin à 20h. La veille, au même endroit, on aura droit à l’accouplement jazz et poésie avec José Acquelin, Renée Gagnon, Hélène Monette, Carole David et Jean-Marc Desgent. Enfin, le 21 juin, l’affiche est alléchante parce que… parce que… le saxophoniste Janis Steprans a réuni trois autres saxos autour de lui pour clôturer cette 9e édition. André Leroux sera au soprano, David Bellemare au ténor, Jean Fréchette au baryton et Steprans, bien entendu, à l’alto. Simon Lévesque à la contrebasse et Dave Laing à la batterie vont rythmer le tout. Les billets sont en vente à L’Oblique, à L’Échange, à L’Articulée ainsi qu’à la Casa Del Popolo et à Cheap Thrills pour les shows du 14 et du 15 juin.
top
L’OFF Festival de jazz: beaucoup plus qu’une tapisserie de jazz localby Alain Brunet in La Presse
(Québec), May 22, 2008 » À son tour, L’OFF festival de jazz de Montréal a dévoilé sa 9e programmation: la Fanfare Pourpour, le projet de Normand Guilbeault consacré à Louis Riel, les improvisateurs d’Ambiances Magnétiques, le quatuor de saxophones mené par Janis Steprans, Chet Doxas inspiré par Jean-Paul Sartre ou encore le doué jeune bassiste Rémi-Jean Leblanc s’inscrivent dans cette plus que trentaine de concerts. Du vendredi 13 au samedi 21 juin, donc plus tôt que les années précédentes, ces concerts de l’Off se déclineront quotidiennement dans quatre salles: le pub Saint-Ciboire, le Lion d’Or, le Dièse Onze et La Sala Rossa. «Ce festival est mené par une équipe de bénévoles musiciens. Chaque année, nous essayons de représenter le plus fidèlement possible la scène montréalaise dans le milieu du jazz et de la musique créative. Nous portons une attention particulière à la présentation de projets originaux, tous d’une grande qualité artistique», explique le contrebassiste Christophe Papadimitriou, président de l’Off. «Également, poursuit-il, nous avons la grande joie d’accueillir des musiciens étrangers et des musiciens canadiens issus de plusieurs provinces qui viennent collaborer avec les musiciens québécois. Nous aimons beaucoup cette dimension de l’échange.» L’Off, aurons-nous déduit, n’est pas une simple tapisserie de jazz local. On y fait des choix artistiques bien au-delà d’une simple idéologie de représentativité. Au Lion d’Or, donc, la Fanfare Pourpour y présente son projet réalisé de concert avec l’accordéoniste suédois Lars Hollmer, le «quartetski» du contrebassiste Pierre-Yves Martel (prix François-Marcaurelle l’an dernier) s’y consacre à Érik Satie, le quartette de la trompettiste torontoise Lina Alemano s’amène avec notamment le très singulier saxophoniste Brodie West. Aussi au menu principal, on retient l’ambitieux sextuor du contrebassiste Miles Perkins, un concert du trio du saxophoniste Chet Doxas avec quatuor à cordes (et inspiré par ses lectures de Jean-Paul Sartre), une soirée Ambiances Magnétiques consacrée à l’improvisation (sous la direction de Jean Derome). On suggère aussi Cantouque du contrebassiste Joel Prenovault qui évoque l’œuvre du violoneux Louis «Pitou» Boudreault, on reprend le concept jazz et poésie (animé par l’écrivain José Acquelin), on emprunte La 5e route bleue (arabo-occidentale) de la compositrice Katia Makdissi-Warren avec notamment le contrebassiste autrichien Peter Herbert, on relance le Projet Riel du contrebassiste Normand Guilbeault, sans compter le quintette du contrebassiste Dave Watts, le septuor de la pianiste Marianne Trudel ou le Quatuor du Nord, ensemble de saxophones de Janis Steprans. À la Sala Rossa, l’Off se joint aux Suoni per il Popolo pour y coproduire le Sun Ra Arkestra, le groupe Barnyard Drama (mis de l’avant par le batteur Jean Martin et la chanteuse Christine Duncan), le jazz électroacoustique du saxophoniste Philippe Lauzier, le trio du trompettiste Gordon Allen. Au Dièse Onze, on compte attirer les nuitards avec le Soundclash du saxophoniste Eric Hove, l’ensemble Ka Noo du saxophoniste Jason Sharp, le quartette du contrebassiste Alex Bellegarde, les Jazz Warriors du batteur Adam Miller, le sextuor du batteur Isaiah Ceccarelli, l’ensemble de la chanteuse Sonia Johnson et du contrebassiste Frédéric Alarie, le groupe du jeune bassiste Rémi-Jean Leblanc (prochain Alain Caron?), le quintette du contrebassiste Dave Watts. Prévue de 17h à 19h, la série du pub Saint-Ciboire privilégie les jeunes loups de la scène locale, sauf exception: le quartette de la saxophoniste Anna Weber, le quintette du saxophoniste (alto) Mario Allard, l’ensemble CLH, le quartette du pianiste Malcolm Sailor, le trio du violoniste Robin Bouliane, le quartette du guitariste Carlos Jimenez, le trio du guitariste Greg Amirault, le trio Turtle Boy.
top
Jean Derome et les Dangerous Zhoms + 7by John Kelman in All About Jazz (USA),
May 22, 2008 »
“Derome’s two pieces were a fitting
opening for the festival, demonstrating the boundary-busting, genre-defying breadth of
Musique Actuelle.”
Montreal-based saxophonist Jean Derome has been on the bleeding edge of the contemporary blending of complex, cued composition and unfettered free improvisation for over twenty years. For his performance — which kicked off FIMAV’s 25th edition at the Cinema Laurier — he brought an expanded edition of his Dangerous Zhomes quintet, fleshed out with an additional seven musicians, premiering two new pieces, the 35-minute Traquenards and the shorter, but no less challenging Plates-formes, named after Productions Platforms, the organization behind FIMAV. It was an expansive palette, featuring reeds, strings, voice, guitar, bass, drums and turntables. Contemporary classicism reminiscent of groups like Univers Zero juxtaposed with moments of chaotic collective spontaneity, with a sonic landscape reliant equally on conventional acoustic sounds as it was the unorthodox, most notably from vocalist Joane Hétu, who brought her own multi-media project, Filature, to the final day of FIMAV 2007. More about texture than melody, Hétu comes from the same school as vocalists like Meredith Monk and Sidsel Endresen, but has her own unconventional slant to making the voice guttural, percussive and, at times, akin to white noise. Traquenards took full advantage of the potential for subsets within the group, with pianist Guillaume Dostaler and trumpeter Gordon Allen creating a lulling sense of ease before suddenly being engulfed in a flurry of reckless, anarchistic free play from the entire twelve-tet. Rock beats from bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay — another Montreal actuelle mainstay, whose 2007 performance at the Ottawa Jazz Festival with bassist John Geggie and viola da gamba player Pierre-Yves Martel was a highlight of that festival—alternated with dark, complex ensemble passages where clarinetist Lori Freedman meshed with Derome’s various saxophones and flute along with Nadia Francaville’s violin and Jean René’s viola to paint a chamber music soundscape at once appealing and foreboding. Guitarist Bernard Falaise ran the gamut from scratchy tones to wild feedback, contributing sonic colors alongside turntablist Martin Tétreault, last heard at FIMAV 2005 with Michel F Côté. Derome’s two pieces were a fitting opening for the festival, demonstrating the boundary-busting, genre-defying breadth of Musique Actuelle.
top
Le comfort food de John Zorn [extrait]by Alain Brunet in La Presse (Québec),
May 17, 2008 »
“On a eu droit à toute la palette de ce très doué compositeur, déployée sur deux fresques
de musique actuelle de chambre.”
[…] Un peu plus tôt jeudi, ont sévi les Dangereux Zhoms de Jean Derome, enrichis de sept autres musiciens — dont trois femmes. On a eu droit à toute la palette de ce très doué compositeur, déployée sur deux fresques de musique actuelle de chambre. Je garde l’impression que Traquenards est plus achevée et plus cohérente que Plates-formes, présentée pour la première fois. Quelques ajustements, et la seconde fresque aura la force et la pertinence de la première…
top
Jean Derome, ambassadeur du FIMAVby Antoine Léveillé in
Voir (Québec), May 14, 2008 » Nous n’avons qu’à faire le compte des participations de Jean Derome au Festival international de musique actuelle de Victoriaville pour constater l’importance du saxophoniste et compositeur sur la scène de la musique actuelle québécoise. Nous pourrions presque dire qu’il a un compte parfait tellement ses visites ont été fréquentes au cours des 24 éditions précédentes. Pour cette 25e année, il était tout à fait naturel pour le directeur général de l’événement, Michel Levasseur, de convier le musicien à participer au concert d’ouverture avec une création afin de souligner ce quart de siècle d’activité musicale. «Quelquefois, je deviens presque jaloux des artistes étrangers qui passent par le FIMAV», avoue Jean Derome en se remémorant le nombre de créations qu’il a présentées lors de ce festival. «Nous, les artistes ‘locaux’, sommes très souvent approchés pour une commande. Je comprends parfaitement Michel lorsqu’il nous demande une exclusivité, mais dans ces circonstances, je me ramasse toujours avec ce stress énorme de jouer une composition pour la première fois. Les artistes qui viennent de l’extérieur ont eu le temps de se familiariser avec leur répertoire. Des fois, j’aimerais bien m’en sortir de cette façon.» Plongé dans ce contexte de célébration, le saxophoniste renoue avec son orchestre fétiche, les Dangereux Zhoms, et présente Plates-formes en compagnie de ces 12 virtuoses de l’improvisation. «Lorsque je compose, j’ai en tête la personnalité d’un musicien et la couleur de son jeu. C’est un prétexte pour une rencontre. Très souvent, je m’amuse et je pose une simple question aux compositeurs que je croise: ‘C’est une pièce pour qui?’ Ils vont me répondre que c’est une pièce pour clarinette, saxophone et contrebasse, par exemple, en faisant totalement abstraction des interprètes et du son qu’ils ont en tête. Quand l’improvisation est au cœur d’une composition, c’est fondamental.» Et des musiciens, il en a beaucoup en tête: Pierre Tanguay (batterie), Tom Walsh (trombone) et Guillaume Dostaler (piano), pour en nommer quelques-uns, sont autant d’instruments de musique que de personnalités uniques qui concrétisent ses idées musicales. Pour le prouver, nous n’avons qu’à faire l’exercice en lui demandant quels sont ses souvenirs les plus marquants après toutes ces participations au festival. «Il y en a tellement! Dans mes souvenirs personnels les plus marquants… Ma collaboration avec l’accordéoniste Lars Hollmer fut exceptionnelle. C’était pour le concert du Looping Home Orchestra, qui a d’ailleurs été immortalisé sur disque. Il y a eu aussi les concerts avec le guitariste Fred Frith et celui avec Louis Sclavis… Il y en a trop!»
top
Joëlle Léandre waving her bow around can be a beautiful thingby Kate Molleson in
The Gazette (Québec), March 26, 2008 »
“What distinguished last night’s group was how varied and refined the sounds were.”
French improv bassist Joëlle Léandre has a mighty impressive biography — she’s worked with Pierre Boulez, John Cage, Steve Lacy, Fred Frith, John Zorn — and judging by her appearance at La Sala Rossa last night, she’s a fierce enough lady to live up to it. She arrived late, hair wild and dress scruffy black, peered callously into the audience and picked up her instrument. Waiting for her on stage were local musique-actuelle fixtures Jean Derome and Danielle Palardy Roger, both impressive and fearless improvisers. Together the three produced an hour of music that, though not for the faint-hearted, passed through moments of surprising beauty. The process would be familiar to most improvisers: One musician introduces an idea — a short melody or rhythm or sound or gesture, or even, in Léandre’s case, fragments of spoken words — then the others play with and around it. The idea develops and eventually morphs into other ideas. Hopefully, somewhere in the process, the group will have arrived at some interesting sounds. What distinguished last night’s group was how varied and refined the sounds were. Derome played alto and baritone sax, flute and alto flute, and came equipped with an arsenal of toys: ocarinas, slide whistles, things that scrape and scratch and pop and hoot. His saxophone sound is aggressive, but works fabulously in this context, and I love the way he hints at standard jazz gestures amidst the abstract swells and screeches. Léandre, meanwhile, commands her bass forcibly, producing uncanny wails and sniffles and, at one point, a smacking walking bass line. She uses her bow a lot, more than most jazz bass players dare, and to great effect. When things got really heated, she’d wave the bow around in the air to make swooshing noises. It’s a visual spectacle (one reason I have trouble listening to this kind of music on record) and Léandre’s fierce personality became integral to the performance. People have strong feelings about this kind of improvised music (my brother, for example, calls it ‘public wanking’). Some say it’s intimidating because it’s so experimental, but I reckon that it’s because it is just so experimental that anybody can listen to it. You don’t need any background knowledge; the whole point is to experience the sounds as they come. In that sense, it’s very accessible.
top
Reviewby Marvin in Free
Albums Galore, February 6, 2008 »
“They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.”
Le Ggril is that most cumbersome of all musical monsters, the avant-garde big band. The nature of the big jazz band is to allow improvisation over tightly structured arrangements. The big band is practically the opposite of avant-garde jazz which often respect freedom of sound over tonality, structure, or even rhythm. Le Ggril is centered in Quebec, Canada and walks a tightrope between the improvised and the structured. The band’s arsenal of imaginative players borrow as much from post-classical as from free jazz. Their personnel is changeable but the unusual assortment of saxes, clarinet, accordions, violins, guitar and percussion seems to be the norm. The free self titled album has four tracks. Tracks 1,2,4 are directed by alto saxophonist Jean Derome with Fire + Bebelle most closely related to jazz. Tracks 2 and 4 are quieter and makes good use of long tones and well placed silence. Derome’s direction and playing is center toward exploring sounds and environment more so than totally free improvisation. The same can be said for track 3 which is an extended 11 minute work featuring the improvisatory trio of Les Poules. Alto saxist Joane Hétu, percussionist Danielle P Roger, and samplist Diane Labrosse tends to prefer long drones with free improvisation as accent. They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work. The album is available from the excellent Insubordinations netlabel in 320kbps MP3.
top
Traquen’Art pour Jean Derome et les Dangereux Zhomsby Félix-Antoine Hamel in La Scena
Musicale #13:4 (Québec), December 1, 2007 » On ne compte plus les concerts produits par l’organisme montréalais Traquen’Art au fil des années, aussi bien du côté des musiques du monde - par sa maison de production parallèle Crosscurrent Musics - que du jazz contemporain et de la musique actuelle. Impliqué dans l’aventure depuis les tout premiers débuts - il a participé à la tournée de Steve Lacy avec l’Ensemble de Musique Improvisée de Montréal en 1982 - Jean Derome présentera à la Sala Rossa le 13 décembre prochain une pièce pour 11 musiciens, nouvelle composition commandée par le fondateur de Traquen’Art, Patrick Darby, pour marquer ses 25 ans d’activités. Utilisant son ensemble-phare les Dangereux Zhoms (Tom Walsh au trombone, Guillaume Dostaler au piano, Pierre Cartier à la basse et Pierre Tanguay à la batterie), Derome (au sax alto et à la flûte) y greffera six musiciens invités, soit sa compagne Joane Hétu (voix), Nadia Francavilla (violon), Lori Freedman (clarinettes), Bernard Falaise (guitare), Gordon Allen (trompette) et, dans certaines pièces, Martin Tétreault (tables tournantes). La première partie du concert sera constituée de quelques pièces plus anciennes (Seven Dances for Fifteen et Cinq pensées pour le caoutchouc dur) puis, en deuxième partie, une toute nouvelle composition, que Derome décrit comme «moderne, urbaine et mordante et qui se veut à la fois un portrait de Traquen’Art et un genre de mise au point sur la conjoncture et l’évolution de la musique actuelle mmontréalaise».
top
Derome et du souffleby Réjean Beaucage in Voir (Québec),
September 27, 2007 »
“Multiinstrumentiste débridé, jazzman virtuose, compositeur actualiste et champion de
l’impro sans filet, Jean Derome respire la musique, et
pas seulement à travers ses flûtes et saxos.”
Afin de souligner la Journée internationale de la musique et à l’invitation du Conseil québécois de la musique (CQM), Voir a adopté, cette année, Jean Derome. Multiinstrumentiste débridé, jazzman virtuose, compositeur actualiste et champion de l’impro sans filet, Jean Derome respire la musique, et pas seulement à travers ses flûtes et saxos. Il est étonnant, lorsqu’on connaît un peu son travail, d’apprendre qu’il est le fruit d’une vocation tardive. Ce n’est que vers 14 ans qu’il commence à s’intéresser à la flûte à bec, mais la piqûre est aussi soudaine que puissante. «Ça a commencé tout d’un coup, et à partir de là, je jouais de la flûte à bec sans arrêt, à l’école, en regardant la télé, etc. Ça devenait insupportable à la maison, et je devais me réfugier au sous-sol…» Parallèlement, il démonte le vieux piano donné par un voisin, joue directement dans les cordes comme s’il s’agissait d’une harpe, et embrigade son frère et ses trois soeurs dans des expériences musicales qu’il enregistre sur un magnétophone Uher (à quatre vitesses). Il n’a pourtant pratiquement jamais eu de cours de musique. «J’ai eu un cours de musique en sixième année, au primaire; il était donné par un professeur d’histoire qui a réussi le prodige de donner son cours durant un an sans nous faire entendre une seule pièce de musique. Ça m’ennuyait encore plus que le catéchisme… Cette musique sur papier ne semblait s’attacher à aucune réalité acoustique.» De la flûte à bec, il passe à la traversière. «J’improvisais sans arrêt, mais je ne savais pas lire. Le professeur de musique de l’école a accepté, en secondaire 4, de me donner des cours de rattrapage, sur l’heure de dîner, pour que je puisse envisager de m’inscrire en flûte au cégep.» Avant même d’y entrer, il jouait déjà dans le groupe du pianiste Pierre St-Jak. Il devra suivre des cours d’été pour parfaire ses connaissances théoriques. «Je passais mes journées à dévorer de l’information sur la musique, j’étais survolté!» Au bout de deux ans, soliste dans l’orchestre du cégep, c’est lui qui donnera ces cours aux nouveaux arrivants… Vient ensuite le conservatoire et, parallèlement, une double vie avec l’Ensemble de musique improvisée de Montréal et le groupe Nébu. «On nous décourageait au conservatoire de faire de la musique populaire parce que ça allait “briser notre technique”; ces années-là, j’ai participé à des centaines de concerts de jazz et de musique improvisée…» On le voit aussi bientôt au sein d’ensembles de musique ancienne. «J’ai éventuellement réalisé que Mozart n’avait peut-être pas besoin de moi, et que je devais plutôt m’occuper de ce qui pouvait se faire aujourd’hui.» À 29 ans, Jean Derome adopte le saxophone, qui deviendra son instrument de prédilection. En 1982, il fondait avec André Duchesne, René Lussier et Robert Marcel Lepage l’étiquette de disques Ambiances Magnétiques, dont le noyau de base grossira rapidement et qui deviendra l’incontournable porte-étendard de la musique actuelle à la québécoise. Le catalogue de Jean Derome compte aujourd’hui six enregistrements sous son propre nom, mais de nombreux autres avec son groupe Jean Derome et les Dangereux Zhoms, en duo (Les Granules, Nous perçons les oreilles) ou avec diverses formations, et on le retrouve aussi comme participant sur plus de 60 autres enregistrements avec une multitude de collaborateurs. La série des Mercredimusics, organisée par Lori Freedman, Joane Hétu et Jean Derome, qui présente des concerts de musique improvisée, reprendra du 10 octobre au 12 décembre à la Casa Obscura. On entendra la musique de Jean Derome interprétée par 10 musiciens, en décembre, pour célébrer le 25e anniversaire des Productions Traquen’art, et on aura au même moment un nouveau disque des Dangereux Zhoms. Les 3 et 4 octobre Derome sera en trio avec Normand Guilbeault et Pierre Tanguay au Upstairs Jazz Club.
top
Horn of Plentyby Michael Chamberlain in Signal to Noise #44 (USA), March 1, 2007
»
“He likes to listen to early Duke Ellington recordings when he’s relaxing at home.”
Jean Derome is one of the busiest saxophonists in Quebec, performing a diverse range of creativive musics alongside Montreal’s finest improvisers as a founder of the Ambiances Magnetiques collective. […]
top
En bref - Escale artistique au Vieux-Portin Le Devoir (Québec),
September 23, 2005 » Demain et dimanche, la deuxième édition des Escales improbables prend d’assaut le quai King Edward du Vieux-Port de Montréal. L’événement éclectique conjugue cette année autant de disciplines diverses que le théâtre de marionnettes, le chant lyrique, le cinéma et surtout la musique. Des musiciens-performeurs interprètent des oeuvres du compositeur Michel Smith à partir de machines-instruments ambulants. Nicolas Brault fait tomber des baleines du ciel dans un film-conte animé. Jean Derome et SuperMusique proposent une expédition de canot-camping allégorique le long d’une rivière imaginaire. Les côtes gaspésienne et italienne se croisent dans Cargo, théâtre d’image et de marionnettes. On découvre ces performances extravagantes et audacieuses en déambulant au bord du fleuve, comme une invitation au voyage.
top
50 chandelles pour Jean Deromeby Marc Chénard in La Scena
Musicale #11:1 (Québec), September 1, 2005 »
top
Bari Taverna del Maltese - Nous perçons les oreillesby Alberto Francavilla in Jazz Convention (Italy),
May 12, 2005 » Per la rassegna Idillio màgico, organizzata dai musicisti pugliesi Gianni Lenoci e Mario “Jillo” Volpe, in collaborazione con Dream Lab, in scena, alla Taverna del Maltese di Bari, il duo canadese Nous perçons les oreilles (NPLO). Gli NPLO, fondatori dell’etichetta Ambiances Magnétiques, sono senza dubbio due tra gli artisti più interessati alla sperimentazione e alla contaminazione di linguaggi nel panorama mondiale. Come ben esplica la breve presentazione che precede il concerto, amano definirsi «due sax, due voci, due gorgogliatori, due satiri, due forze della natura che si dimenano, cinguettano, soffiano, mordono e trasformano la musica in incantazione profana e festa di suoni.» Non è una caso che Jean Derome (sax, flauto, voce e “small instruments”) e Joane Hétu (sax e voce) abbiano deciso di essere accompagnati da Gianni Lenoci (tastiere) e Mario “Jillo” Volpe (elettronica, oggetti sonori), che da sempre hanno cercato di smuovere il panorama musicale pugliese con progetti originali e d’avanguardia. Ed infatti il concerto, completamente improvvisato, si articola in pratica in una sola traccia, all’interno della quale, però, è costante il mutamento di suoni e, conseguentemente, la creazione atmosfere diverse. Derome e Hétu si confermano nella veste di agitatori, sovvertendo i tradizionali canoni della melodia sonora, grazie all’utilizzo insistito di vocalizzi, ma anche di particolari sonorità ottenute con le labbra e persino con i denti! Dal canto loro, Lenoci conferma la sua consolidata fama di pianista versatile e foriero di soluzioni armoniche alternative. Si integra perfettamente con le stravaganze del duo canadese, partecipandovi anzi attivamente con particolari vocalizzi; Jillo assume una funzione quasi di «regista», essendo incaricato alla distorsione di suoni e voci, e partecipando alla costruzione di questo particolare clima con il ricorso a strumenti improvvisati (per es. legnetti, una scodella e persino un tubo!):ancora una volta, quindi, ribadisce il suo caratteristico ruolo di «manipolatore di suoni». Risulta chiaro l’intento, peculiare dell’attività di ciascuno dei quattro artisti sul palco, di ricercare nuovi linguaggi sonori, dimostrando che la musica è un elemento intrinseco alla natura, e dunque che si possono creare melodie utilizzando oggetti tipici della nostra vita quotidiana. Inoltre è propria l’intenzione dei NPLO di «suonare il corpo», in modo da esprimere una nuova dimensione della fisicità, che diventa «naturalmente» melodica, anche se in alcuni momenti sfiora l’abrasione uditiva. Non si può comunque negare che la performance risulti molto originale, ed ottiene indubbiamente l’effetto di provocare in taluni punti una sensazione di inquietudine, se non proprio di angoscia. Questa percezione sarebbe forse stata ancora più efficace, se fosse stata accompagnata dalla proiezione di immagini (diapositive o video), che ne avrebbero aumentato il potenziale suggestivo; purtroppo la fusione tra arte sonora e arte visiva (che è una particolarità del duo Lenoci-Volpe, nda) non è stata in questo caso possibile, dato che era la prima volta in assoluto che essi si trovavano ad esibirsi col duo Derome-Hétu, e perlopiù si trattava di un’improvvisazione. Per concludere, il concerto è risultato di difficile comprensione per un pubblico che è apparso «improvvisato» e impreparato; d’altronde è questo il rischio di esibirsi in un pub, solitamente ricco di avventori e gente «di passaggio». Ciò ha causato in più momenti un fastidioso brusio che impediva una ascolto accurato, per un’esibizione che aveva bisogno di più attenzione e, quindi, di maggiore silenzio. Rimane innegabile, però, che la Taverna del Maltese risulti ancora una volta tra i locali più attenti, nel panorama barese, nel dare voce a nuove forme artistiche e musicali, promuovendo prodotti ed iniziative che si muovono su terreni nuovi, un fenomeno che è difficile riscontrare da queste parti.
top
Edgefest 2004, Ann Arbor MI, 13-16 October 2004by David Dupont in One Final
Note (USA), November 1, 2004 » Edgefest in Ann Arbor, Michigan is an avant-garde jazz Brigadoon. Walking into the Kerrytown Concert House, the same folks are settling into the same seats as they were just over a year ago, and as they have been in the six years I’ve been making the trek up here. And even the leader of the band ready to take the stage was familiar. Guitarist James Emery had been here last year with the String Trio of New York. In fact, Edgehead-in-chief David Lynch likes to present musicians in different formats. This year he presented Emery leading his own quartet featuring ace reedman Marty Ehrlich with the rhythm team of bassist Drew Gress and percussionist Kevin Norton.[…] But Thursday I’m ready to make the short six-block walk to the Firefly Club, a cozy nightspot in the heart of Ann Arbor’s downtown. Opening the two-band show was Nous Percons les Oreillles (We Pierce the Ears) featuring Jean Derome and Joane Hétu. Derome’s appearance is an example of how festival producer David Lynch likes to work. In 2002, Derome was at the festival with two different groups. In 2004, he returned with a third aggregation, a duo with his wife. Together they delivered their own brand of urban bohemian folk music. Their sounds seemed rooted in the urbane detritus of a cosmopolitan household. They both sing—she in a powerful, malleable voice and he in a rich, but unaffected voice. They both play saxophone, though on this night the saxophone playing seemed more of an emulsifier than the key ingredient. Derome adds a toy chest full of little instruments—toys, whistles, animal calls, which the duo brought together in odd, whimsical combinations. Sometimes their singing seemed to be emanating from a church. Or on one number, Hétu produced gagging sounds as if she had something lodged in her throat. It had the audience on edge, caught in that odd place wondering whether this was to be taken seriously. I smiled, and breathed a sigh of relief when Hétu’s voice suddenly rang free. Following the piece, Derome explained the text. Sure enough, it was about having something caught in the throat. Yet this was more than the reprise of an unfortunate scene one might witness at the dinner table. Even at her most strangled gagging, the overtones in Hétu’s voice resonated. "We’re from Montreal", Derome said. "This is the kind of music we do." Not everywhere, he added dryly. "So you can visit." At one point between numbers, the bar’s ice machine clattered—an aberration, the Firefly is very solicitous of performers. "The ice is nice", Hétu commented, thinking I suspect about how it could be integrated into the music. The duo closed its set with a game of avant-garde patty-cake, beating hands together while singing a simple four-bar, nursery-song like phrase. That little melodic nugget stayed lodged in my ear during the break between shows.[…] So how did Edgefest 2004 stack up? The festival is always a high point of my year, and this year was no exception. As usual the variety of acts that fell under the cover of the festival’s large umbrella was impressive. I suspect the strongest images I’ll retain from this festival will be Rashied Ali’s torrential drumming, the fine balance of James Emery’s quartet, the out-lyricism of Joe McPhee, and those few fleeting moments of Jenny Scheinman’s Salagaster. Those are the kind of memories that will keep me in anticipation of next year’s festival.
top
Annual Edgefest Kicks into high Sonic Gearby Will Stewart in The
Ann Arbor News (USA), October 15, 2004 »
“…"challenging" isn’t a pejorative when it comes to Edgefest - the duo frequently found
harmonic plateaus that, while frequently dissonant, had an unmistakable beauty.”
Avantjazz’s outer edge isn’t only razor sharp; it’s also broad enough to accommodate a range of artists who at once push the envelope of improvisatory music to glorious effect, but also, at times, test the patience of the casual listener’s attention span.[…] And the fact that some of these performers are pretty far out there only adds merit to their accomplishments. That a vocalist squealing and grunting in French and slapping her torso in time to her accompanist’s caterwauls on various whistles can come across not only as listenable, but enjoyable and oddly soothing, is a tribute not only to the artists’ abilities but to the patience of an open-eared audience.[…] Derome and Hétu performed for an hour, their unique sound occasionally living up to their performance moniker: "We Pierce the Ears." Oddly, for as challenging as their sound was - and "challenging" isn’t a pejorative when it comes to Edgefest - the duo frequently found harmonic plateaus that, while frequently dissonant, had an unmistakable beauty.[…]
top
Reviewsby Alan Freeman in Audion #49 (UK), March 1, 2004 »
“… an extremely varied ride…”
A case of bad planning, the day we happened to start up Ultima Thule as an official business, I’d already booked to see Keep The Dog at the South Bank in London. That was Monday July 3rd, 1989, and an excellent concert it was too. Keep The Dog then consisted of: René Lussier (guitar), Jean Derome (winds), Zeena Parkins (piano, synth, harp and accordion), Bob Ostertag (sampling keyboard) and Kevin Norton (drums, percussion). The only downside of that concert was the guest appearance of John Zorn, whose mad squawking winds ruined a couple of otherwise excellent numbers. Two years down the line, and we have basically the same international troupe, but with ex-This Heat drummer Charles Hayward instead, and no John Zorn. Recorded at various gigs in Austria, Germany and Italy, it amounts to an extremely varied ride through the musical history of Fred Frith. There’s lots of familiar stuff, done in unfamiliar ways, and as much that’s unique to the Keep The Dog band that has never been released before. This includes a number of improvisations, and lots romping rollicking stuff. It’s a shame really that Keep The Dog never made a studio album, but at least there’s now this document to prove their existence to all those that missed out. I wonder if they’ll ever issue anything from the 1989 version of the band?
top
Critiqueby Nicolas Brémaud in Jazzman #94
(France), September 1, 2003 »
“… poignantes et mystérieuses mélopées…”
À l’opposé du concept d’improvisation simulée cher à André Hodeir, on parlerait volontiers dans ce concert enregistré au Canada, de composition simulée, car la spontanéité et la liberté y semblent toujours guidées par un sens très exigeant du développement collectif, de la nécessité musicale sans lesquelles le free conduit rapidement à une grisaille informe. Un intervalle mélodique, une idée d’articulation, une trouvaille sonore due à quelque acrobatie buccale, sont autant de matériaux élémentaires à partir desquelles les quatre musiciens construisent au fil de l’imagination des édifices aux formes magnifiquement organiques. Cette étonnante faculté d’organisation instantanée vient sans doute en partie d’une fréquentation assidue de la musique contemporaine dont le jeu du flûtiste, saxophoniste alto et compositeur canadien Jean Derome se fait parfois l’écho, déployant une infatigable invention instrumentale et une aisance exceptionnelle dans le maniement de lignes mélodiques complexes, atonales et distendues. Il va sans dire que le batteur Pierre Tanguay, compagnon de longue date, et les invités Louis Sclavis et Bruno Chevillon, ne sont nullement effrayés par ces dangereuses explorations, qu’ils se délectent même de ces chemins escarpés qui les maintiennent perpétuellement sur le qui-vive. Enfin, pour ceux qui suspecteraient quelque aridité, on ne saurait trop recommander d’écouter directement Le Baiser et Jonas, où flûtes et clarinettes étirent de poignantes et mystérieuses mélopées, merveilles qui justifieraient à elles seules notre enthousiasme.
top
Portrait: Jean Derome et les Dangereux Zhomsby François Couture in All-Music
Guide (USA), June 1, 2002 »
“… in the Ambiances Magnétiques roster it stands as the most popular act
abroad.”
In the mid-’90s, Jean Derome et les Dangereux Zhoms was Montreal saxophonist Jean Derome’s prime project. The group released three albums from 1994 to 1998. Although activities have slowed down, it continues to perform around the world -- in the Ambiances Magnétiques roaster it stands as the most popular act abroad. 1992 was a good year for Jean Derome. He recorded the final (and best) album by his duo Les Granules with René Lussier and the first by his trio Évidence, among many other projects including music for dance and theatre. He was touring like crazy and began to keep a travel diary in which he jotted down musical impressions. It appeared to him that this “road music” screamed for a band of its own. Drawing from all of his activities, he put together Jean Derome et les Dangereux Zhoms (“Jean Derome and the Dangerous Guyz,” to pick up the intentional misspelling in the last word). The group, conceived as a road band just like the music, consists of the avant-garde jazz trio Évidence (Derome, bassist Pierre Cartier and drummer Pierre Tanguay), plus Les Granules (guitarist Lussier), plus two of Derome’s regular sidemen, trombonist Tom Walsh and keyboardist Guillaume Dostaler. For this unit Derome penned a repertoire of pieces that blend avant-jazz, avant-rock and free improv, focusing on jazz stylings Évidence derived from Thelonious Monk, the saxophonist’s idiosyncratic contrapuntal writing and the warped stage humor that was the trademark of Les Granules. They gave one hell of a dynamite show. The Dangereux Zhoms began to perform in Montreal and the East Coast. A first CD, Carnets de Voyage (“travel diaries”) was recorded and released in 1994. Navré came out a year later. The group continued to tour extensively, in the US and soon in Europe too. By the end of 1997, tensions between Derome and Lussier had reached new heights and the two parted ways after two decades of close collaboration. The group was put on hiatus and Derome produced a live album from tapes recorded at the Théâtre La Chapelle in Montréal in February 1996. Torticolis was released in 1998 and the three Dangereux Zhoms CDs were packaged together as the box set 1994-96. The chapter was closed… or so it seemed. In 1999 Derome reactivated the unit, minus Lussier. Local performances have been sparse and limited to special events (like a two-week Derome residency/retrospective at the same Théâtre La Chapelle in 2000), but the group still performs regularly outside Montréal and has appeared at jazz festivals in Guelph and Vancouver and at the 2001 RingRing festival in the Czech Republic.
top
Pagayer sur les ondes sonoresby Alain Brunet in La Presse (Québec),
March 13, 2002 »
“… une variété de climats sonores…”
Chaque été, Jean Derome se paie immanquablement une semaine de canot-camping avec sa tendre moitié, la saxophoniste Joane Hétu. Sacs en bandoulière, le couple prend l’autobus au terminus Voyageur. Les tourtereaux traversent ainsi les Laurentides et descendent au Domaine du parc de La Vérendrye afin d’y louer une embarcation et y vivre un rituel de quelques jours en pleine nature, sans l’intention de se prendre pour l’explorateur dont le fameux parc national porte le nom. «On se remarie chaque année, on signe pour une autre», blague le compositeur et multi-instrumentiste, à la veille d’une nouvelle expédition. Sonore, cette fois: ce soir et demain à la Cinquième Salle de la Place des Arts, 10 instrumentistes-improvisateurs regroupés sous la bannière Super Musique seront conviés aux cinquième et sixième expéditions de Canot-camping. «Tout dépend du climat, de la température, de l’humeur des acteurs, explique Jean Derome. C’est donc comme une expédition. En canot-camping, tu es obligé d’inventer sans cesse car tu n’as que peu de moyens pour réagir aux éléments. Tout est toujours sommaire, rien n’est établi. J’y vois beaucoup de rapports avec l’improvisation. «Ce qui est transposé à la musique, ajoute le musicien ce n’est pas tant de reproduire les sons perçus lors des vraies expéditions de canot-camping que les idées qui s’en dégagent -vagues des lacs, courant des rivières, vent, pluie, orages, insectes, etc. Ce qu’on écoute au parc de La Vérendrye n’est, d’ailleurs, pas si riche, c’est pourquoi les pièces improvisées par l’ensemble Super Musique s’avèrent souvent contemplatives.» Ce qui n’empêche aucunement une variété de climats sonores, assure l’interviewé. Les 11 improvisateurs réunis autour de Jean Derome (le contrebassiste Normand Guilbeault, la claviériste-échantillonneuse Diane Labrosse, le tromboniste Tom Walsh, la saxophoniste Joane Hétu, on en passe) n’essaient pas de reproduire des sons perceptibles dans les Hautes-Laurentides. «Il ne s’agit pas d’une description sonore, tranche Derome. Toutefois, plusieurs idées de mes voyages en canot-camping me servent d’images. Par exemple, il m’arrive de diviser la formations en parties distinctes; dans chaque «canot», un leader émet une consigne visuelle et déclenche une pulsation qui rappelle le coup d’aviron. Cette métaphore est le point de départ d’un travail de pulsation en déphasage - puisque chaque canot a son rythme propre. «Les idées du canot-camping, donc, sont fertiles pour les improvisateurs. En fait, ce n’est pas tant le canot-camping qui m’intéresse, mais faire en sorte que les musiciens soient stimulés et puissent improviser un matériel riche. Tu peux ainsi faire en sorte que leur jeu se modifie à chaque expédition.» Encore faut-il distribuer des consignes précises, voire évocatrices. Les Butch Morris, John Zorn et autres Fred Frith ont leurs codes distincts lorsqu’ils mettent en branle ce qu’ils nomment des game pièces, jeux d’improvisation sonore répandus au sein des avant-gardes sonores. Or, puisque les consignes de tels jeux improvisés ne sont pas universelles, chaque leader doit inventer les siennes. Jean Derome y a vu: «Nous nous sommes entendus sur une soixantaine de signes visuels, dont plusieurs s’inspirent du langage des sourds-muets.» Voilà qui ajoute à la dimension visuelle! On rappellera que la première expédition sonore avait eu lieu en avril 2000 au Théâtre La Chapelle, Jean Derome y était alors artiste en résidence. Puis l’équipée a pagayé sur les ondes sonores au Festival international de musique actuelle de Victoriaville, une autre fois au Festival de jazz d’Ottawa avant d’enregistrer un disque l’automne dernier à la Société Radio-Canada -lancé tout récemment sur l’étiquette Ambiances Magnétiques. Compte-t-on reproduire cette quatrième expédition? Pas du tout, improvisation oblige. «Les expéditions 5 et 6 seront différentes, de garantir Jean Derome. Tout ce qu’on y conservera, ce sont les préparatifs du voyage… qui sont toujours les mêmes lorsque je me rends avec ma blonde au parc de La Vérendrye. Cette approche musicale, en somme, est aussi vaste que le parc lui-même; à chaque représentation, on en explore un coin, on y effectue un trajet différent.»
top
Rencontre monumentaleby Kathleen Lavoie in Le
Soleil (Québec), May 20, 2001 » Association magique que celle de Louis Sclavis, Bruno Chevillon, Jean Derome et Pierre Tanguay Quatre as. Quatre magiciens. Quatre maîtres-instrumentistes. Leur rencontre ne pouvait qu'être magistrale. En associant les Français Louis Sclavis (clarinette, clarinette basse, saxophone soprano) et Bruno Chevillon (contre-basse) aux Québécois Jean Derome (saxophones, appeaux, voix) et Pierre Tanguay (batterie), le FIMAV a réussi tout un coup de génie, hier! Cette formation à géométrie parfaite à livré en première mondiale une performance ahurissante où virtuosité et originalité ont tout simplement sidéré l'assistance du Cinéma Laurier. Née dans le sillage du passage de Sclavis au festival en 2000, cette rencontre a dépassé toutes les espérances. D'abord, en raison de cette musique mi-notée mi-improvisée particulièrement inventive, évoquant une faune sonore dense et mystérieuse, que le quatuor a créée au cours des derniers jours, mais aussi à cause de performances en solos et en duos d'une fougue inattendue. Bien sûr, la réputation des quatre collaborateurs n'est plus à établir, mais il fallait quand même entendre les envolées synchronisées monumentales des Sclavis et Derome et voir les improvisations très physiques des Tanguay et Chevillon! Quel spectacle! Dans ce dernier cas, on ne saurait trop vanter la dextérité du contrebassiste… Cordes fouettées, grattées au pic, instrument frictionné imitant le travail du platiniste, tout y est passé ! Certainement l'un des moments les plus marquants de ce 18e festival. Et peut-étre même de toute son histoire.
top
Éloge de la musique libreby Luc Bouquet in Écouter voir #106 (France),
October 1, 2000 » Derome, Jean: Un Zhom passionnant
top
Marathon manby Nicolas Tittley in Voir (Québec),
April 13, 2000 » Du 11 au 22 avril, les murs du Théâtre La Chapelle vont vibrer au rythme de l’un des musiciens les plus prolifiques de la scène actuelle montréalaise. Durant ces deux semaines, le saxophoniste Jean Derome présentera quatorze projets musicaux différents, et croisera le fer avec pas moins de vingt-six musiciens, parmi lesquels on retrouve les suspects habituels (les Tanguay, Hétu, Labrosse, Guilbeault et autres habitués de l’écurie Ambiances Magnétiques). Outre les concerts à proprement parler, les spectateurs pourront - chose plutôt rare - rencontrer l’artiste, découvrir son penchant pour les arts visuels à l’occasion d’une exposition, et assister à de nombreuses répétitions publiques d’œuvres en développement. Ambitieux et démesuré, cet événement permettra, pour citer l’artiste, de «réaliser des rêves plutôt que de rêver à des réalisations». Un esprit moins aventureux aurait peut-être considéré une telle entreprise comme un véritable suicide, alors qu’un homme plus compétitif aurait pu y voir l’occasion de briser un record Guinness. Jean Derome, lui, l’a fait comme ça, parce qu’on lui en a donné l’occasion. «J’ai déjà joué plusieurs fois au TLC et je ne voyais pas comment je pourrais continuer de susciter l’intérêt simplement en reprenant une série avec les Dangereux Zhoms ou un autre de mes ensembles, explique-t-il. «Je le fais un peu par bravade, mais aussi par jalousie, presque. Les gens de théâtre ou de danse qui jouissent de ce luxe: pouvoir travailler tous ensemble durant un mois sur un show.» La série, intitulée Jean Derome: Une exposition de musique, est exactement le genre d’événement dont Richard Simas, directeur artistique et programmateur visionnaire du Théâtre La Chapelle, raffole. «Ça fait plus de vingt ans qu’on se connaît, Richard et moi. On a fait beaucoup de choses ensemble et, cette année, lorsqu’il m’a offert une carte blanche et qu’il m’a demandé ce que je désirais faire, j’ai tout de suite voulu habiter le théâtre pendant un mois. Je e suis vite rendu compte que c’était un peu trop, mais même à deux semaines, on garde l’idée d’occuper le théâtre d’une façon plus globale qu’on ne le ferait pour une série normale de concerts.» Pour qui connaît un peu l’auteur, adepte de l’Oulipo (il a déjà consacré une oeuvre à Perec) et spécialiste de l’interdisciplinarité (lors des deux semaines, on retrouvera de la performance, de la danse, des lectures), Une exposition de musique est un titre qui colle très précisément à la démarche de Derome. D’abord, parce qu’il permet aussitôt quelques dérapages sémantiques. «C’est une exposition de musique, mais aussi une façon d’exposer les musiciens à ma musique, comme on dit "être exposé à des radiations", explique Jean. En même temps, c’est une question qui est (ex)posée au public: Y-a-t-il un intérêt à voir des répétitions et à suivre l’évolution d’un projet?» Il y a aussi, il faut le reconnaître, une certaine ironie dans l’idée de proposer une «exposition» à caractère musical. La musique, surtout lorsqu’elle comporte une grande part d’improvisation, comme ce sera le cas, est un art périssable, fugace. «Ce ne sont pas des tableaux que je peux sortir d’un entrepôt; lorsque je reviens sur des oeuvres passées, il faut que je les remonte dans le passé, que je retrouve les instruments qui m’ont servi, que je les remette en état, et que je réapprenne certaines choses…» Bien que Derome profite de l’occasion pour revisiter quelques pièces de son répertoire (la plus vieille, Serge accordéoniste, est un solo qui remonte à 1985, et sera accompagnée d’une performance de Nathalie Derome), il ne s’agit pas d’une rétrospective à proprement parler. En fait, l’artiste en mouvement est résolument tourné vers l’avenir. «Dans le fond, je suis très jaloux d’un gars comme Robert Lepage, qui se permet de montrer des work in progress qui coûtent un quart de million, dit en riant le saxophoniste. Plus modestement, j’aimerais seulement dédramatiser l’angoisse du projet inachevé, et offrir aux gens l’accès au processus créatif. Il y a un aspect didactique dans tout ça; je pense que c’est le genre de chose qui pourrait intéresser beaucoup de jeunes musiciens.» C’est exactement ce qui se passera avec Canot-Camping, qui sera présenté en mai au Festival international de musique actuelle de Victoriaville, et qui fera ses premiers pas au TLC. «Avec onze musiciens, c’est le plus gros projet du lot. Les musiciens vont voir les partitions pour la première fois le soir de la répétition; et c’est là qu’on va monter le spectacle.» Il ne s’agit là que d’une infime partie du programme, où se succéderont duos, solos, trios, improvisations, pièces arrangées pour fanfare, j’en passe et des meilleures. Derome est un compositeur et un interprète tellement prolifique qu’il faudrait plusieurs années pour faire le tour de son oeuvre. Mais si, d’aventure, il nous prenait l’envie d’assister à tous les événements, découvrirait-on le vrai visage de Jean Derome? «J’espère que ça donnerait l’impression d’une mosaïque qui me ressemble. Mais je ne sais pas s’il y aurait une réponse claire. Au fond, je pense que chaque oeuvre d’art est une question.»
top
Camping sauvageby Catherine Perrey in Ici
Montréal (Québec), April 13, 2000 » Ça se présente un peu comme la couverture d’Astérix et Cléopâtre,avec une énumération époustouflante: 26 musiciens, 3 danseurs, 5 lecteurs, 14 projets musicaux, 1 expositions, 1 rencontre, 17 répétions publiques, 2 ateliers et 8 concerts. Ouf! En entrevue Jean Derome et moi nous sommes penchés sur le programme général comme si nous étions en train de consulter une carte géographique, pour nous repérer dans cette jungle luxuriante.«Dans la perspective d’Une exposition de musique, il s’agit de montrer des oeuvres qui n’ont pas, entre autres, fait l’objet de disques, et de les présenter dans l’esprit d’une rétrospective, pour voir où elles sont rendues et leur redonner une nouvelle vie. Et puis, il y a également les ensembles qui existent déjà, mais qui vont poursuivre leur démarche, précise Derome. C’est une vraie résidense d’artiste; je vais essayer un tas d’affaires pendant deux semaines et j’ai le luxe incroyable d’avoir des musiciens presqu’à temps plein à ma disposition». Et comment! Malgré une discographie comportant 15 enregistrements, Jean Derome ne représentera rien de figé sur ces galetes. Les Dangereux Zhoms, par exemple, son populaire ensemble dédié à l’exploration des oeuvres extraites de ses carnets de voyage, travailleront uniquement du matériel inédit pendant quatre répétions publiques- et gratuites- en journée, et présenteront le fruit de leur labeur pendant deux soirs différents. Tout un chacun pourra ainsi assister à la genèse des oeuvres. Il y aura également les cinq répétitions publiques et le concert du Grand ensemble canot-camping, un orchestre de 11 musiciens improvisateurs qui constitue la matrice d’une bonne partie des sous-ensembles présentés tout au long de cette folle quinzaine: «Les 11 musiciens sont employés à toutes sortes d’autres tâches. Un lien va se créer entre tous les concerts, comme par exemple, l’dée de nature.» L’impro. c’est du sport En effet, Derome, qui est également féru de littératures (comme en témoigne son disque Hommage à George Perec), proposera une soirée Littérature et musique où cinq lecteurs accompagnés de cinq improvisateurs déclameront des textes de Ferron, Caneti, Brosse… et dont le thème principal est la nature. D’autres projets sont étonnants, parce que Jean Derome quitte son saxophone et ses appeaux pour se transformer en pianiste, avec Nathalie Derome et en batteur au sein d’un quatuor de tambombours, ce qui est totalement inédit (en public) pour ce travailleur de sax. «Je me domme un concert, je me fais cette confiance-là alors que je joue très mal du piano et que je suis très nerveux. L’idée primordiale, c’est de toujours renverser l’aspect «performatif» et de se laisser la chance de faire des choses», précise le musicien. Quant à l’improvisation, elle est la cheville ouvrière de la vie musicale de Derome (voir le superbe texte sur l’improvisation dans le programme), qui ajoute:«En improvisation libre, il y a une ouverture incroyable à tout ce qui se passe.On se sent à la fois complètement libre de prendre n’importe quelle décision.»Et de conclure: «Pour moi, la musique, c’est la forme supérieure de pensée. C’est incroyable, lorsque quelqu’un me parle, j’entends parfois des réponses en musique. Ça n’arrive parce qu’on senrait vite dans une voie de non-communication!»
top
Critiqueby Luc Bouquet in ImproJazz (France),
February 1, 2000 »
“… l’auditeur sera frappé par la sobre et limpide beauté d’une musique immense d’humanité.”
Strand — Under The Dark Cloth est la b.o.f. du film de John Walker consacré au photographe et cinéaste underground Paul Strand (1890 — 1976). Signées par le saxophoniste Jean Derome, les dix-huit pièces de ce compact sont le plus souvent les illustrations musicales des photographies de Strand. Comme toujours en pareil cas l’image manque. Informé ou non du contenu, l’auditeur sera happé par la sobre et limpide beauté d’une musique immense d’humanité. Mais l’on aurait aimé goûter à l’oeuvre dans son intégralité, car point besoin d’être devin pour deviner que le film de Walter ne sera probablement jamais distribué en France. Reste la musique; captivante, douce, mystérieuse, comme toujours chez Derome.
top
Reviewby David Lewis in Exclaim! (Canada),
September 9, 1999 »
“Strand… is one of Derome’s most satisfying projects and confirms why his music deserves
wider acclaim.”
Derome has to number among Canada’s most diverse, entertaining and prolific composers. This film soundtrack features him on flutes, tin whistle, alto saxophone, piano and percussion, as he leads a 12 piece orchestra in a program of 18 miniatures distinguished by their cohesive suite-like flow. The composer’s melodic flair shines as Claude Maheu’s oboe states the lovely theme of Rebecca while timpani (Abstraction), steel drums (Blind Woman) and delicate percussion fills (La Galerie,) show Derome’s rhythmic invention and his mastery of harmonic colour and minimalist detail. Pascale Beaudry’s violin and the wordless vocals of Karen Young add consistent charm and dramatic strength to a project that ranges from the vibrant African vamp of the heavily percussive Ghana (Hope) to the sprightly folk themes of Hébrides (A Song & A Dance). Paul Strand, Under the Dark Cloth is one of Derome’s most satisfying projects and confirms why his music deserves wider acclaim.
top
Critiquein Octopus (France),
June 1, 1999 »
“… ses improvisations sont celles d’une avant-gardiste et festive fanfare hissant très haut
les couleurs d’un «jazz» canadien…”
Aprés Navré et Carnets de voyage,Torticolis est le troisième album de Jean Derome et ses Dangereux Zhoms (René Lussier au saxophone et à la guitare, Tom Walsh, etc)enregistré live au Théâtre La Chapelle à Montréal. Fortement rythmées, les cadences infernales de ses improvisations sont celles d’une avant-gardiste et festive fanfare hissant très haut les couleurs d’un «jazz» canadien dont les représentants les plus caractéristiques seraient Joane Hétu, Diane Labrosse, Robert Marcel Lepage et Martin Tétreault.
top
Critiqueby Pierre Durr in Revue & Corrigée
#39 (France), March 1, 1999 »
“une confrontation ludique et presque innocente de saxophones alto, de divers instruments à
vents, de percussions, de voix à l’image d’une iconographie enfantine.”
Justement, c’est le registre qu’a choisi — encore elle — Joane Hétu dans un second opus en compagnie de Jean Derome (par ailleurs compagnon de Castor et compagnie) Nous perçons les oreilles s’inscrit en effet dans la suite logique des récents enregistrements bruitistes de Lussier / Tétreault ou de Labrosse / Mori / Tétreault, avec une approche nettement plus acoustique: ici ni échantillonnages, ni tourne-disques, mais une confrontation ludique et presque innocente de saxophones alto, de divers instruments à vents (appeaux, etc.), de percussions, de voix à l’image d’une iconographie enfantine.
top
Reviewby Frank Rubolino in Cadence #25:3 (USA),
March 1, 1999 »
“The use of voice to complement music has become standard fare with Derome , and he and
Hétu use it intelligently…”
Joane Hétu (alto and voice) and Jean Derome (alto, small instruments, percussion, and wice) appear as a duet on Nous perçons les oreilles (Ambiances magnétiques). This time, the music is the more dominant influence, with the vocals adding color and texture to the fierce alto screams rather than acting as a story-telling device. Hétu again uses scatting vocal utterances in conjunction with the music, but she devotes equal concentration on this set to the alto that she blows with reckless abandon on many of the selections (Nous Perçons / Le Poinçon / Jonquille / Les osselets / Lea / Les oreilles / L’enclume et le marteau / L’étrier / La ouate / Les orteils / Ça va pas). The use of voice to complement music has become standard fare with Derome (he scripted all the text), and he and Hétu use it intelligently on this date as an alternate for additional instrumentation. Their voices interact with their instruments in staccato fashion to provide a diverse sound stage of irregular beat and freedom playing. When the two are in tandem on alto, they play either a cat and mouse sound game or blow intensely in freeform style. The cacophony of the horns melts into screechy vocal outbursts or guttural tones to yield strange but musical results. This recording is unusual but certainly excitinq and original.
top
Qu'est-ce qui ne vas pas avec la musique contemporaine?by Alain Brunet in La Presse
(Québec), February 20, 1999 »
top
Soundcheckby Chris Blackford in The Wire #180 (UK), February 1, 1999
»
“… a more rough and ready celebration of unusual sound creation.”
Derome’s duo album with Joane Hétu is also suffused with playful elements, especially Jonquille. In which a list of single words is recited to charming rhythmic effect. Mostly however the duo explores abstract improv. Hétu’s wordless vocals (and occasional,alto sax) rising expressively against Derome’s alto sax and numerous small wind instruments. Use of the latter lends the improvising a refreshing anti-virtuosic feel, where technical polish is abandoned for a more rough and ready celebration of unusual sound creation. L’étrier typifies the physical thrill of extreme sounds in extraordinary juxtapositions. Fans of Phil Minton and Doger Turner’s duo will welcome this equally adventurous Canadian pair with wide open minds.
top
Compactby Vincent Collard in Ici
Montréal (Québec), October 22, 1998 »
“Ici, on est dans le ludisme pur.”
Ici, on est dans le ludisme pur. Un duo d’improvisation où la complicité du couple est un sine qua non. Les ressources sonores de la voix, des instruments à vent et de toutes les «gogosses» possibles pouvant produir un son quelconque sont exploitées à outrance, sans compromis. Le plus aigu, le plus grave, le plus fort, le plus doux; tout s’enchaîne dans la spontanéité folle de ces deux enfants qui déconnent, comme sans se rendre compte qu’on les observe. Forcément, tout n’est pas d’un égal intérét. Mais cette façon de faire les choses donne parfois des résultats étonnants…
top
Compactby Vincent Collard in Ici
Montréal (Québec), October 15, 1998 »
“Un beau mélange de maturité et de folie.”
Déjà un troisième CD pour les Zhoms. Cet album, enregistré live au théâtre La Chapelle, impressionne en premier lieu par la qualité de la prise de son signée Pierre Léger (on n’aurait guère mieux en studio), ensuite par la solidité des musiciens {dont la callaboration remonte à bien plus loin que la naissance du band), qui passent avec une tranquille assurance du jazz le plus sage au bruitisme le plus violent, en passant par tous les rythmes rock, latins, funk ou dixieland. La construction des pièces est savante, ce qui n’empêche pas les solos d’être complètement éclatés. Un beau mélange de maturité et de folie.
top
Reviewby Andrew Magilow in Splendid E-Zine (USA),
September 14, 1998 »
“…tightly-wound tracks that are strict in arrangement yet mathematically complex, ranging
in style from sultry jazz to circus music to mod-sounding surf music.”
If authenticity is your main attraction to revivalist music, Jean Derome and company should be right up your alley. On this stunning 43-track CD, Derome leads the way through two compositions that are subdivided into smaller pieces. The first 26 tracks, recorded in 1994, pay homage to the Oulipian Georges Pérec. In a true Oulipian approach, Derome produces tightly-wound tracks that are strict in arrangement yet mathematically complex, ranging in style from sultry jazz to circus music to mod-sounding surf music. There are even a few sprinklings of Monk emanating from some of the tunes, and the disc will be easily accessible to swing-band fans yet still eccentric enough to entice those searching for musical peculiarity. The second half of the CD, entitled Tu r’luttes, shows the more improvisational side of Derome and crew, as a chaotic, free jazz strain runs through the tracks. Think Zorn’s extremism without his aural ferocity. With many of your favourite Ambiances Magnetiques artists in tow, including Pierre Tanguay, René Lussier and Frank Lozano, Derome proves his amazing compositional ability while showcasing the outrageously overlooked Canadian talent that’s available. We’ve said it before, but if you haven’t checked out the Canadian experimental scene, you’re missing out on some awesome musical energy.
top
Diverse Derome Delightsby Spike Taylor in Musicworks
#71 (Canada), June 1, 1998 » Over the past fifteen years or so, Montréal composer and improvisor Jean Derome has built a body of work that expresses a singular musical vision that pushes out in many directions—for small, mid-sized, and large ensembles; for theatre, film, dance, and any other manner of collaboration. Derome is game for all of them. Two recent releases on the excellent cooperative label Ambiances magnétiques, features headfuls of musical ideas for three very different groups under similarly diverse circumstances. That is to say, there is unity to the entirety of Derome’s projects, but they are madly each their own and beautifully so. Je me souviens is not so much a large-ensemble work as one for big band. Thirteen players have a ball playing through a cycle of Derome’s knock-offs of swing, doo-wop, and big-band jazz, all laced with a characteristic sense of humour—note the front line of Martin Tétreault’s scatting turntable and a section for three jews-harps. This work is dedicated to the memory of French experimental writer Georges Pérec, whose comically enigmatic inventions on the page are well remembered by the composer and arranger with a sympathetically inventive will to swing. Listen to Je me souviens, read Pérec, and invent your own from there. There is an additional bonus band appended to the big band on this disc, namely a sextet of Québec improvisors playing up their differences against a Belgian side in what is called “17 jeux variés pour 12 improvisateurs”. There are furious moments of creation captured in moments of intense—and again, very humourous—sound effecting. The tunes are live collaborations, but evoke the image of a tape splicing bender from a bottomless source. They do this music boldly and all game for the game. La Bête—The Beast Within is original music commissioned from Jean Derome by the Montréal dance company O Vertigo. It’s a more careful work than Pérec hommage. More impressive, too, I think, in the way that it stands back from the focus of the project (the choreography, as opposed to the memory of Pérec or seventeen games) as a mature and highly original major work. It is no less chaotic than the other, yet Derome handles the content (I have not seen the O Vertigo production) with an openness and intensity that is a dance itself. Nine musicians are enlisted for La Bête, among them René Lussier, Diane Labrosse, Pierre Tanguay, and extra-specially Joane Hétu, doing vocal acrobatics. She tears into the centre of the action here amid textures of reeds, flutes, and piano, and holds the centre as lead instrumentalist—no lyrics, just new ideas pouring out of them all from Derome on down. I recommend this disc highly, and though you’ll wish you had been able to take in the entire experience of La Bête—The Beast Within, the CD stands with Jean Derome’s best works of any size.
top
Bar Kokhba triompheby Alain Brunet in La Presse
(Québec), April 23, 1998 » Sur papier, Bar Kokhba était le plat de résistance du 18e FIMAV. La prédiction s’est avérée juste. Une foule vibrante et considérable venue à la renconire du plus influent des compositeurs de la musique actuelle un alignement d’étoiles au servicé du Ieader, une livraison aussi virtuose qu’intense. Présenté hier après-midi au Colisé des Bois-Francs, ce fin mélange de musiques traditionnelles juives, de patrons rythmiques latins, de jazz manouche ou même de surf rock (mais si !) est en quelque sorte le volet «musique de chambre» de l’univers John Zorn. À trois reprises au Québec, le musicien avait livré la version jazz de cette approche ouvertement sémite (Masada) il nous fallait Bar Kokhba pour compléter le portrait. Installé à,notre droite, encore affublé de sa tenue de combat, John Zorn ne jouait pis de sax -ce qu’il a fait plus lard dans la soirée avec les compères Laswell, Lombardo et Frith.Dans le cadre de Bar Kokhba, il se contentait de diriger balancait les consignes orchestrales, ordonnait les solos ici et maintenait. En-cela, sa direction différait fondamentalement de celles auxquelles sont habitués les mélomanes de musique classique. Au plan collectif comme au plan individuel, les consignes élaient parfaitement saisies, magnifiquement exécutées. On aura eu droit à de fabuleux échanges entre les cordes acoustiques (le violoniste Mark Feldman, le violoncelliste; Erik Friedlander, le contrebassisie Greg Cohell), à de surprenantes tirades du guitariste Marc Ribot, au merveilleux soutien rythmiquc du batteur Joey Baron ainsi que du percussionniste Cyro Baptista. On ne dira pas autant de bien du «plus gigantesque», des projets de Dave Douglas, pour reprendre le superlatif de Michel Levasseur, directeur artistique` du FIMAV. Conçu pour neuf musiciens, Witness associait le talent de compositeur du fameux trompetiste à ses préoccupations sociales, notamment à l’histoire de plusieurs artistes victimes de répression politique aux quatre coins du monde. Noble projet, il va sans dire, mais… Au sortir de ce concert livré samedi soir au Colisée devant un auditoire enthousiaste d’entrée de jeu, gonflé à bloc par les récents disques de Dave Douglas (excellents pour la plupart), plusieurs mélomanes étaient restés sur leur appétit. Trop de mesures aléatoires, trop d’impros anguleuses, trop de bruitisme mal orienté, trop peu d’écriture serrée pour tant de virtuoses—Mark Feldman, Erik Friedlander, Chris Speed, etc. L’équilibre entre les structures et l’improvisation libre n’etait pas toujours évident, la cohésion ne semblail pas parfaite, on sentait le caractère inachevé de l’oeuvre somme toute, pas du toul gigantesque. Dommage… Ce n’est pas la première fois, remarquez, que la direction artistique du FIMAV mise sur des projets d’envergure qui décoivent une fois concrétisés sur scène —rappelons entre autres le plus ou moins bide signé David Thomas, I’an dernier. L’improvisation, il ne faut jamais l’oublier, laisse planer le doute de rencontres avortées. Dimanche, Kim Gordon (membre de Sonic Youth et compagne de Thurston Moore), Ikue Mori, Jim O’Rourque et DJ Olive ont servi aux festivaliers une perfommance paresseuse, molle, vide de substance. Les mots psalmodiés indolemment par Mme Gordon se fondaient dans une épaisse sauce d’échantillonnages numériques, de textures acidulées et de rythmes quelconques. Mauvaise poutine, pour reprendre une image culinaire chère aux BoisFrancs. Heureusement, il arrive que des rencontres de musique improvisée s’avèrent parfaitement concluantes. Comme celle de samedi au Cinéma Laurier à notre droite, le Français Louis Sclavis, illustre clarinettiste, saxophoniste et compositeur reconnue sur toute l’Europe. A notre gauche, Jean Derome, flûtiste, saxophonisie et grand compositeur de musique actuelle, un des plus brillants au Québec. Lorsque deux compositeurs fournissent chacun un de Ieurs plus valeureux collaborateurs (le batteur Pierre Tanguay du côté de Derome, le contrebassiste Bruno Chevillon du côté de Sclavis), lorsque leur génie compositionnel les conduit à soumettre des thèmes d’envergure, lorsque quatre improvisateurs de premier plan affichent la grande forme et se montrent prêts à échanger virilemenl et transgresser leurs propres règles (distorsion de la contrebasse, notammenl), nous avons droit à un grand concert de musique actuelle. Quoi qu’en pensent Ies spécialisles de jazz contemporain pour la presse spécialisée, encore nombreux el vieillissant à Victo cette année (voire recluse dans ses chapelles), le méta-métal de Fantômas avait sa place au programme. Voilà qui ouvre les horizons des 950 metalheads qui out paquelé Ia place en toute connaissance de cause;c’est qu’ils ont manifesté une écoute attentive malgré le caractère expérimenlal du concept imaginé par Mike Patton. Pour l’ex-Faith No More, c’était la meilleure performance FIMAV, Ie dhapteur et ses collègues ont brillamment déconstruit, déchiqueté et reconstruit les clichés du métal… sans en perdre l’esprit. Les fans de métal semblaient s’y retrouver, manifestaienl un plaisir évident à se frotter à ctte avant-garde taillée à leur mesure. Parmi les autres faits saillants du 18e FIMAV, on retiendra la limpidité du message d’Otomo Yoshihide. Dimanche aprés-midi, on aurait pu rendre le même verdict qu’au sortir du concert de Poire_Z c’est-à-dire une superposition de sediments sonores, recherche de textures concues à partir de fûtés concepts cybernétiques, concept néanmoins vieillot.Il n’en fut rien. Pendant l’heure de celle véritable odyssée du calme, nous avons senti le Japon ancien, celui du présent et celui de l’avenir. Le sho (instrument à vent traditionel) se mêlait avantageusement aux fréquences et échantillons électroniques tricotés sur place. Même la guitare électrique sonnait comme un instrument ancien. On étail parti du point A pour aboutir au point B, reposé, ravi.
top
La modernité n’est pas morte!by François Tousignant in Le
Devoir (Québec), March 19, 1998 »
“… des musiciens genéreux donnent réalité à cet art mystérieux qu’est la musique, offrent
leur amour profond des idées neuves et du son.”
Loin, loin, trés loin des hauts endroits où l’on étudie des choses qu’on aime limiter à un état cadavérique pour s’emparer d’elles comme objet loin. Loin, très loin de ceux qui savent, il existe un jardin enchanté et secret, pas toujours raffiné ou très beau, mais où la musique vit celui de ceux qui la font. En cet enclos particulier, des musiciens genéreux donnent réalité à cet art mystérieux qu’est la musique, offrent leur amour profond des idées neuves et du son. Le premier spectacle de Nous perçons les oreilles, sorte d’édition-festival de fin d’hiver des «actualistes» montréalais, s’est révélé un franc succès. Il est malaisé de tenter de rendre justice à ce qui s’est passé mardi soir, à la Maison de la culture Plateau Mont-Royal; tout au plus peut-on essayer d’en témoigner. La modernité revient!, enfin!, et de la plus belle manière. Loin des circuits savants (et fermés), l’héritage des Cage, Kagel, Berio reste bien vivant et fertile. Il fallait entendre la première «improvisation» de Jean Derome et Joane Hétu pour comprendre ce qu’est la musique vivante, celle qui s’imagine avec des petits riens, qu’on invente sans jamais l’apprendre parce qu’on l’a prise à bras-le-corps avec amour et passion. Sur le fil tenu de l’instant fugace qui jamais ne reviendra s’élève un torse magnifique qui tire tout son pouvoir expressif de ses fulgurances géniales et de ses faiblesses décevantes. Au crépuscule d’un art encroûté dans l’académie se dressent les turions d’une nouvelle forme provocante et revendicatrice par sa simple existence: jouer de la musique. Dans ces constructions sonores de Jean Derome résonne le plus bel écho soixante-huitard: l’imagination au pouvoir! Terrains et émotions vierges, voilà ce qu’on entend. Magie de la poésie et du sens renouvelés. Impossible d’analyser cela de l’épingler pour objet d’étude. Il faut y être, se soumettre à ses méandres, oser se tromper — ou triompher — en direct. Derome remporte la palme, dominant sa matière magistralement. Sa compagne reste plus en retrait. Elle essaie trop de le rejoindre plutôt que de se laisser aller. Au risque de passer pour snob, je trouve qu’il manque encore un peu de verni, voire de respect (Derome par moment, semble maladroit avec ce statut d’artiste qu’il invente — plus de fierté de votre part, s’il vous plait, vous y avez droit!) envers l’acte qui se pulvérise en son. La présence du magnifique texte de Sylvie Massicotte (efficacement lu par l’auteure) a prouvé que la prestation musicale doit aspirer à un «niveau» plus responsable, ce qui veut dire qui n’a plus honte d’être ce qu’il est. Derome et Hétu méritent mieux que ce qui leur est généralement reconnu, ne serait-ce que pour les vertiges du cœur qui, tout à coup, emplissent nos oreilles. Cette première soirée dialoguait avec le cinéma. L’idée est naïvement mignonne. MacLaren a déjà fait cent fois mieux et le processus est stérile. On sourit à la tentative, sans plus. Mercredi, nos acolytes se colletteront avec la danse puis, ce soir, entre eux. Ce dernier spectacle musique-musique sera repris vendredi à la Maison de la culture Villlerav/Saint-Michel/Parc-Extension. À prendre un risque, vous serez peut-étre déçu, mais vous serez peut-étre aussi complétement ébloui.
top
Pas de deuxby Nicolas Tittley in Voir (Québec),
March 12, 1998 » Joane Hétu et Jean Derome seraient-ils échangistes? À en juger par la série de rencontres organisée par le couple d’actualistes montréalais — sous le nom de groupe, Nous perçons les oreilles -, on pourrait bien le croire. Trois soirs durant, les deux musiciens multiplieront les échanges à quatre sur la scène de la maison de la culture du Plateau Mont-Royal, et confronteront leurs méthodes d’improvisation à celles d’artistes issus de disciplines différentes. Arméss de leurs saxos, de leur voix et de la fameuse collection de flûtes et d’apppeaux en tous genres de Jean Derome, les deux artistes de musique actuelle livreront chaque soir le fruit de leur collaboration intime d’être rejoints sur scène par des tandems de cinéastes, d’écrivains, de danseurs et bien sûr de musiciens. «On voulait travailler avec l’idée de couple et, chaque soir, on va collaborer avec un homme et une femme explique Joane. Le premier soir est consacré à la littérature et au cinéma avec les textes de Sylvie Massicotte et les grattages de pellicule en direct dc Pierre Hébert. Dans le deuxième, on aborde la danse avec Louise Bédard et Andrew Harwood; et le troisième est une rencontre entre nos deux sax et deux percussionnistes Danielle P. Roger et Pierre Tanguay.» Comme les deux membres du couple sont constamment occupés par des projets divers Nous perçons les oreilles n’a donné que quelques rares performances underground jusqu’à présent mais il s’agit d’un projet en constante évolution auquel Hétu et Derome semblent consacrer beaucoup d’énergie. «C’est quelque chose qui est assez facile à garder vivant du fait qu’on habite ensemble», explique Joane. «Ça se fait spontanément le soir quand les enfants sont couchés; on se met à faire de la musique ensemble.» Leurs échanges se font généralement sur le terrain de l’improvisation musicale mais Joane a aussi un fort penchant pour la chanson comme elle l’a démontré brillamment avec l’un de ses autres groupes (Castor et compagnie). Elle s’empresse toutefois de piéciser que les deux formations fonctionnent de façon complètement différente. «Castor est vraiment un groupe de chanson alors que Nous perçons les oreilles est un ensemble musical dans lequel on retrouve des chansons nuance-t-elle. Dans Nous perçons les oreilles les textes sont surtout choisis en fonction de leur musicalité parfois, il s’agit de simples listes d’objets de tous les jours.» Quant à la musique elle semble suivre des voies plus imprévisibles mais la complicité entre les deux artistes/amoureux est telle que l’improvisation semble couler de source. «Il v a deux plans distincts dans ce groupe» poursuit Derome. «D’un côté on développe un répertoire de chansons écrites et de l’autre on expérimente en improvisation avec toutes les combinaisons imaginables entre nos instruments que ce soit à deux voix, une voix et un sax, deux sax et toutes les possibilités que nous permettent les flûtes et les appeaux. Ce qui est intéressant, c’est le contraste entre les chansons -- qui sont à la fois complètement absurdes et très proches du quotidien — et les improvisations qui sont plus près du côté hard de la musique actuelle» Même si Hétu et Derome se proposent d’explorer à fond les deux pôles de Nous perçons les oreilles au cours de leurs spectacles ils ont choisi la voie instrumentale pour leur premier album qui devrait paraitre sous peu chez Ambiances Magnétiques. Mais comme tout semble arriver par paires chez ces deux-là on aura aussi droit à un disque mettant l’accent sur la version chantée avant longtemps.
top
Improvisation sur un t’aimeby Michael D Hogan in Ici
Montréal #1:25 (Québec), March 12, 1998 »
“On peut faire confiance à Hétu et Derome, férus de musique improvisée depuis plus de vingt
ans, pour bien s’entourer et s’organiser pour se faire entendre.”
Les saxophonistes Joane Hétu et Jean Derome, complices dans la vie comme en musique, présentent une série de quatre concerts en deux parties, pour lesquels ils ont invité des artistes de différentes disciplines à improviser, par paires, en leur compagnie. «Méme si c’est un spectacle qu’on ne présente pas souvent, c’est un projet très vivant pour nous, raconte la musicienne. Ce n’est pas quelque chose qui est dans l’agenda. Nous sommes conjoints dans la vie et on se retrouve parfois le soir, quand les enfants sont couchés, pour improviser et composer. A la diffêrence de Castor et compagnie[son dernier CD], où l’on retrouve mes musiques et mes textes, ici, le résultat se développe à la faveur de notre rapport. C’est une façon de travailler qui me permet beaucoup de liberté et qui suppose énormément de complicité. Nous perçons les oreilles, ce sont des chansons très courtes, naïves et humoristiques. accompagnées de musiques bruitistes radicales. Ça porte bien son nom.» Chaque soir, un autre duo se joindra aux musiciens en deuxième partie. Pierre Hébert et Sylvie Massicotte, dans une rencontre musique-cinéma-littérature, ont déjà travailié ensemble et avec Derome. Louise Bédard et Andrew de L. Harwood sont rompus à l’improvisation en danse. De leur côté, Danielle P. Roger et Pierre Tanguay sont deux percussionnistes bien connus de la scène de la musique actuelle. «Nous trouvions intéressante l’idée de réunir différentes disciplines artistiques pour montrer comment elles peuvent influer l’une sur l’autre. Par exemple, la musique ne sera pas reçue de la méme façon si elle est mise en rapport avec la danse ou l’image cinématographique. On pourrait dire que le duo de saxophones reste le pilier du spectacle, mais qu’il prend un éclairage dffférent chaque soir. Tout dépend du rapport qui s’installera avec les autres. L’improvisation, qu’elle soit musicale ou multimédia, reste un art de la conversation, Chacun doit être à l’écoute des autres et ne pas avoir d’idées préconçues. Sinon, on prend le champ dès le départ.» On peut faire confiance à Hétu et Derome, férus de musique improvisée depuis plus de vingt ans, pour bien s’entourer et s’organiser pour se faire entendre. A preuve, cette série de concerts est le prélude à la sortie d’un album, et le premier de trois événements qu’organisent cette année Les Productions Super Mémé, la boïte qui met en scène les musiques audacieuses à Montréal.
top
Les granules de Lussier et Deromeby Alain Brunet in La Presse
(Québec), November 8, 1997 » On les voit partout. Sur les petites scènes des musiques insituabies, Derome et Lussier sont omniprésents par les temps qui courent. La communauté des improvisaleurs-compositeurs iconoclastes est pourtant restreinte à Montréal, mais elle lance pourtant disque par dessus disque, elle s’immisce progressivement sur la scène internationale. offrant un produit vraisemblablement concurrentiel a toute tentative nord-americaine ou européenne du méme genre. Le dernier chapitre? Le retour des Granules! À l’intérieur de la pochette de ce douzieme produit Ambiiances Magnétiques (en moins de quatre ans; voilà ce qu’on appelle un label indépendant tout à fait dynamique!), il y a un texte qui décortique avec talent les proprietés du sable (signé Jacques Brosse. tiré de son livre intitule L’ordre des-choses). Le sable. pour faire le lien avec le concept de granules, les granules pour parler de ces petites particules qui s’immiscent dans la grande mécanique, la grande mécanique pour parler evidemment de l’ordre en place dans le monde musical. Bienfaisantes ou malfaisantes granules? À vous de choisir. Le lien devient évident: peu de moyens pour bousculer l’ordre sonore, mais quelques granules qui foutent le bordel dans le conformisme musical. Derome et Lussier y chantent même des textes qui font état de leurs visions du monde. Visions pour le moins critiques, qui ramènent la perspective d’un chant engagé. Démodé? Alors U2 est démode, Springsteen, Sting, Anne Clark, Rivard le sont aussi. Au lancement du disque mardi dernier, j’ai pu voir un échantillon significatif de ce que Derome et Lussier peuvent faire valoir en direct. en temps reel. Percussions et guitare pour Lussier, saxophone, flûte et claviers pour Derome, chant et multiples cossins supplémentaires pour les deux. Des multi-instrumentistes qui reproduisent une bonne portion de ce qu’on peut entendre sur disque. Surprenant. car Le retour des granules est foncièrement un travail de studio, où les pistes d’instruments se superposent intelligemment. Un disque où la recherche des rythmes, des textures et des orchestrations s’avère tres dense. Pour le moins unique. Les cris se mélent aux lampées d’instruments à vent des synthés et de la guitare. Les montages électroacoustiques surgissent, virevoltent au gré de textes parfois ironiques. parfois corrosifs. «Le problème qui se pose. c’est de jouer en temps réel ce qu’on a révé en studio. On se ramasse les deux dans le local et on essaie de reconstituer ce qu’on a réalisé en 24 pistes», de souligner Jean Derome, pour qui ce travail devient celui d’hommes-orchestres. Et René Lussier de renchérir: «On est des hommes-orchestres qui ne fonctionnent pas foncièrement par les mémoires de l’instrumentation électronique mais bien à la mitaine. C’est plus mécanique que synthètique». «Pour reproduire vraiment le disque sur scène, ça prendrait 15 musiciens, 4 flûtes, 5 saxes, etc. Mais la somme d’énergie que ça represente pour le peu de diffusion et le peu de possibilités de jouer dans ce cadre, c’est infaisable pour le moment. Ce que certains musiciens plus connus peuvent faire, on ne peut encore le faire, car notre marché n’est pas encore suffisamment développé», rajoute Derome, qui aimerait évidemment se permettre les possibilités du faste orchestral. Mais le concept d’un duo carrément orchestral, compact, serré, semble aussi seduisant. Voilà donc le volume 2 de cette collaboration des plus fructueuses, dont le premier volet est paru l’an dernier, intitulé Soyez vigilants, restez vivants. Voilà d’excellentes Granules, mon disque favori sur Ambiances magnétiques.
top
Critiqueby Pierre Durr in Revue & Corrigée
#33 (France), September 1, 1997 » Déjà l’intitulé est clair. Et que rajouter aux indications du livret/dépliant? Tout y est dit: une sélection d’une soixantaine de «souvenirs» musicaux de Georges Perec, résumés en 26 tableaux, dont on nous indique à la fois la dédicace, le modèle/pastiche, les procédés, et même les lectures qui s’y rapportent. Mais vous n’avez pas tous, sous les yeux, ces indications. Disons alors que cette suite dédiée à Georges Perec reflète son environnement musical, fait d’ambiance de baloches, de musique de cirque, d’orchestre de jazz et de trompette bouchée, de St Germain et de rive gauche des années 50 et des années 60 débutantes, époque pleine de dérision insouciante, époque d’une aprés-guerre en pleine renaissance où l’optimisme affiché dissimulait avec plus ou moins de réussite des interrogations plus existentielles. Jean Derome, dont nous connaissions déjà les qualités d’arrangeur pour une grande formation (Confiture de Gagaku Victo 05) fait montre ici de toute sa finesse et de son propre sens de l’humour, par ailleurs des plus communicatifs. De facture plus actuelle, les "17 jeux varies pour 12 improvisateurs" (les six Québécois de l’Ensemble Flammeches, et les six Belges de l’EnsemWe White Wine Dark Grapes) de Tur’luttes faits de collages, bruitages, et rappelant quelque peu certains procedés utilisés par John Zom, participent cependant du même esprit, non sans une référence (volontaire?) à un dessinateur-humoriste français, Gotlib ("pervers pépére"). Au final, un certain esprit français, des Québécois, des Belges… Jean Derome a bien mérité de la francophonie!
top
C’est le retour des granulesby Serge Truffaut in Le Devoir
(Québec), November 7, 1987 »
“Voici un album plein de sensibilité et de révolte, de clins d’oeils et de sourires.”
Avant de se mettre entre parenthèses, Jack Kerouac a usé sa vie à formuler des idées qui, n’en déplaisent aux comptables ringards de la «Culture Mossieu», possédaient la fabuleuse vertu de la lucidité. Parmi ses bons mots, on se doit de retenir cette dédicace d’un de ses poèmes ou romans: «Pour les gens qui savent mais se taisent». Pour les hommes et les femmes, ou vice-versa, qui demeurent silencieux par refus de s’impliquer dans le jeu nauséabond de l’imbécilité. Affirmons-le tout net, l’album intitulé Le retour des granules de Jean Derome et René Lussier s’adresse aux gens qui ne sont pas dupes de ce petit jeu. Peut-être faut-il préciser que ce 33-tours est la suite de Soyez vigilants paru il y a plus d’un an sur l’étiquette Ambiances magnétiques. Lorsqu’une production musicale est habillée avec un certain souci d’integrité et de surprise, comme c’est ici le cas, la critique, par convention ou par paresse, se contente généralement des poncifs du style «voici une musique engagée». On se livre mécaniquement à la dissection en utilisant les lieux communs les plus commodes et on se retrouve gros-jean comme devant à allonger des phrases qui n’ont plus de sève. Plutôt que de se contenter d’expressions cuisinées dans les fours micro-ondes de la facilité, on se doit de parler ici de musique qui, tout simplement, n’est pas indifférente à ce qu’il est convenu d’appeller le monde. Voici un album plein de sensibilité et de révolte, de clins d’oeils et de sourires. Voici un album qui possède méme la qualité de ses défauts. Voici un album où, c’est devenu tellement rare, des artistes prennent des risques. Au moment où l’on nous casse les pieds avec le groupe Uzeb qui a décidé de produire sa musique pubère à trois au lieu de quatre, au moment où les actions et autres obligations expriment leur «RÉA le bol» boursier, Le retour des granules, en dosant avec bonheur mille et un ingrédients frappe juste. A bien des égards. le disque de Derome et Lussier fait état d’une démarche analogue à celle de l’Art Ensemble of Chicago ou de Don Cherry. Comme ces merveilleux iconoclastes, nos deux compères tissent une toile avec tous les styles qui se rattachent à cet arbre dont les branches ont été sculptées par Duke Ellington et les musiques ethniques, par Nino Rotta et les fanfares, par Fred Frith et les instruments les plus hétéroclites. Et-par… le blues, «nom de Diou»! Ceux qui ont suivi ces deux musiciens vont trouver cela bien étrange, ce lien avec le blues. S’il est vrai qu’on n’entend pas de ces rythmes célébrés par Muddy Waters ou Willie Dixon, il reste que le blues compris comme regard sensible sur les autres est présent. La pièce-titre de l’album, soit Le retour des granules, «est un hommage à la cendre, au sable, à la poussière, à la «rippe», à la poudre, au pollen, aux miettes». Les instruments? Flûtes, cendriers, clarinette basse, bongos, eau qui bouille, et synthétiseur qualifié de désuet. Sur Nombril/fusil. Derome hurle qu’il lui faut de la fibre, qu’il a des entrailles et que son corps est rendu tout digital. Nombril/fusil pourrait fort bien constituer une satire exemplaire de ce narcissisme physique béatement entretenu par des cohortes de moutons de… Selon le mot de Derome, cette composition est un hommage (sic) aux existentialistes. On trouve même un Gloire au seigneur où il est dit «Gloire au seigneur, méme sous la mitraille. Allons-y car nous sommes de taille. Allons-y. Délogeons ces canailles. Pour la liberté» On l’aura compris, il s’agit-là d’une satire de «cette confusion que l’on crée-parfois entre politique et religion». Nombril/fusil Si d’aventure vous êtes de ces gens qui savent mais se taisent, alors procurez-vous vite, très vite cet album qui a tout pour réconforter nos petits neurones plus que fatigués par le concert d’hypocrisie auquel on assiste depuis une semaine… Deux disquairés seulement proposent cet album, soit le Va-et-vient sur Mont-Roval, et Obliques sur Rivard.
top
Hommes-orchestreby Charles Guilbert in Voir (Québec),
September 11, 1987 »
“Ensemble, Derome et Lussier concoctent une musique bigarrée où se bousculent le rock
psychédélique, le jazz, la musiqne contemporaine, l’improvisation et le folklore.”
Avec Le retour des granules, Derome et Lussier triturent la musique… un duo à voir, avant qu’il ne se propulse en orbite. Tumulte musical en vue: deux hommes-orchestre se rencontrent sur disque et sur scène! Il s’agit de Jean Derome et René Lussier, deux audacieux musiciens qui travaillent côte à côte et fouillent la musique comme une terre sans fond depuis presque dix ans… Le premier a fait ses débuts avec Nébu; le second avec Conventum. Ils ont formé des dizaines de trios, de quatuors, de quintettes et autres commandos, fait des centaines de spectacles et produit quelques disques. Ensemble, Derome et Lussier concoctent une musique bigarrée où se bousculent le rock psychédélique, le jazz, la musiqne contemporaine, l’improvisation et le folklore. En 86, ils lançaient leur premier vinyle ensemble: Soyez vigilants, restez vivants! -(un très beau disque!). Aujourd’hui, c’est à grands coups de saxos, flûtes traversières, claviers, jouets, appeaux, bandes sonores, batterie électronique, voix et gimbarde -pour Derome-, et de guitare électrique, basse, percussions, voix et "plaque de gigueux électrifiée" - pour Lussier-, qu’ils plongent dans Le Retour Des Granules. C’est le titre de leur nouveau spectacle et de leur projet. Un titre qui indique une façon toute particulière de faire de la musique: en regardant des éléments microscopiques à la loupe, en écoutant Ies plus petits bruits au cornet et en Ies assemblant pour créer de véritables toiles d’araignée musicales. «Notre travail en studio est en train dc changer complétement notre manière de jouer de la musique, confie Jean Derome. On joue maintenant plusieurs instruments, plusieurs pistes à la fois. On s’est habitué à entendre notre musique mêlée à toutes sortes de fonds sonores. On a donc décidé d’intégrer dans notre musique des sons qui la situent dans différents contextes». Le résultat est étonnant! Les ambiances sonores se succèdent à une vitesse folle et provoquent une multitude d’émotions. On dirait une musique déchiquetée, triturée, émiettée. En spetacle, Ies musiciens sont innondés, entourés d’une panoplie d’instruments. «Il faut retrouver le sens du spectacle. On oublie de plus en plus les arts de la scène pour les remplacer par Ia vidéo, le cinéma, le disque. On perd le sens des vraies personnes». Peut-être est-ce parce que les spectacles sont dceenus trop prévisibles et les artistes prisonniers de l’image qu’on fait d’eux… Ce n’est pas le cas de Derome-Lussier! Ils n’essaicront pas, en show, de jouer exactement "comme sur disque", et laisseront beaucoup de place à l’improvisation. On prend un vif plaisir voir ces musiciens utiliser leur instruments tantôt avec une virtuosité presque classique, tantôt en les trafquant de façon iconoclaste. Avec eux, tous les bruits peuvent devenir un événement.
top
Éric Létourneau rencontre Jean Derome Canot Campingby Éric Létourneau in Radio-Canada: Le Navire
«Night» (Québec) » Éric Létourneau: Bonsoir Jean Derome. Jean Derome: Bonsoir. É. L.: Victoriaville était le lieu où a eu lieu cette première expédition de canot camping, c’était au dernier festival de musique actuelle et c’était l’un de tes gros projets sur lequel tu as travaillé énormément. Je vois d’ailleurs toutes les sections, les préparatifs, l’autobus et il semble que ce que l’on va entendre ce soir ce ne sont pas toutes les sections, c’est comme un parcours à travers l’œuvre. J. D.: Oui. Cette pièce-là Canot Camping se présente un peu comme une carte géographique dans un sens. Il y a plusieurs sections différentes et on peut les visiter ou pas. On peut faire un trajet à chaque fois différent et ça dépend principalement du chef, mais aussi certains musiciens peuvent se rebeller et se mettre eux aussi à donner des consignes, mais normalement le chef annonce les sections à mesure. Le trajet varie. On a un certain nombre de lacs qu’on peut visiter, mais aussi toute une série d’actions quotidiennes qui sont représentées musicalement comme la préparation de la nourriture ou la baignade ou évidemment différents types de courants, d’eau, des rapides, des portages, un tas d’activités comme ça. C’est un jeu en fait qui s’adresse à des interprètes. Il y a des sections écrites, mais il y a aussi des improvisateurs. Il y a des sections qui sont vraiment improvisées soit complètement, mais surtout à partir d’un vocabulaire de signes qu’on s’est donné. Une grosse partie des répétitions a été de déterminer et d’apprendre ce que chaque signe pouvait dire. Il y en a une soixantaine, je dirais. Certains signes sont la description d’une action anecdotique, assez narrative. D’autres signes sont des consignes plus musicales dans le sens canon/solo. É. L.: Est-ce que c’est déterminé? Ou qui donne le signe? J. D.: Normalement, toujours le chef, mais avec la possibilité d’une intervention surprise parce qu’il y a une série d’accents qui peuvent être déterminés par les musiciens eux-mêmes. Alors c’est très drôle parce que moi, faisant la direction, je me fais parfois jouer le tour: il y a des événements musicaux qui se produisent sans que je les ai prévus. Les musiciens ont cette latitude-là. La base de l’affaire c’est une expédition de canot. Comme je leur ai dit, je ne peux pas vous dire tout d’avance. Il va se passer plein d’imprévus. La version qu’on va entendre ce soir qui était ce qu’on a appelé la première mondiale, bien que la pièce avait été jouée en atelier le mois auparavant à l’exposition de musique au Théâtre La Chapelle. On avait appelé ça une avant-première. C’était une série de cinq ateliers où la pièce a été créée dans son mécanisme, etc. C’est une pièce que j’aime beaucoup, que je considère très fertile et je ne pense pas avoir terminé de la jouer. J’espère trouver d’autres occasions de rejouer ce grand jeu. Ça recèle énormément de potentiel. Ça pose des questions aussi intéressantes au niveau des improvisateurs. On les met dans des situations où ils sont presque en train de composer; c’est ce que tous les improvisateurs disent, qu’ils composent spontanément, mais là j’ai l’impression que je les pousse à une certaine limite. C’est assez intéressant de voir ce qui sort, comment ils se démêlent avec les consignes. É. L.: Quelles sont les règles d’improvisation dans Canot Camping? J. D.: Canot Camping c’est une mosaïque de pièces, en fait, alors certaines pièces fonctionnent… Il n’y a pas les mêmes règles dans chaque section de la pièce. Il y a des sections qui sont écrites avec l’improvisation qui est plus décorative dans un sens. Il y a d’autres sections qui sont vraiment narratives, vraiment descriptives où chacun est laissé libre d’improviser sur un thème précis. Par exemple, il y a une section qui s’appelle Constellation où ça décrit la nuit, les différentes constellations qui passent dans le ciel. Alors, chacun est une constellation et joue pendant environ une minute. C’est un canon, en fait, entre les 11 participants qui entrent à toutes les 20 secondes. L’ordre n’est pas déterminé. Il y a tout un jeu de souplesse. En fait, ils peuvent jouer ce qu’ils veulent. É. L.: Ils peuvent jouer ce qu’ils veulent, mais c’est une structure qui est très serrée et très organisée. On ne peut pas, comme dans un vrai canot camping, se laisser aller totalement au courant qui passe ou aux dangers de la forêt. J. D.: Ce qui est frappant du Canot Camping c’est qu’on fait toujours des plans avec le temps, mais on est toujours aux prises avec la température. On pense qu’on peut s’asseoir sur une roche et se faire dorer au soleil, mais finalement le temps se couvre, il faut monter la tente, il faut s’abriter. On pensait qu’on mangerait, mais on va manger plus tard. On sort quand il arrête de pleuvoir. On fait à manger à la noirceur. Il n’y a rien qui peut vraiment se planifier aisément. C’est rare que le temps est tout à fait égal et peut-être aussi qu’on est plus sensible aux variations de température en canot parce qu’on est tellement démuni, on est moins protégé. On passe beaucoup de temps à regarder ce qui s’en vient. Dans la pièce, comment ça se transpose, surtout pour les joueurs d’électronique et puis Martin Tétreault, entre autres, qui joue la table tournante et Diane Labrosse à l’échantillonneur, les deux, c’est assez drôle de voir comment c’est difficile pour eux d’être aussi rapides qu’un instrument acoustique parce que les consignes viennent vite. On change de tableau et eux ont une espèce de travail d’aller chercher le plus rapidement possible les disques ou les sons qui sont stockés dans les mémoires. C’est incroyable de les voir courir après l’ensemble. Ceux qui jouent seulement avec un instrument sont d’une certaine manière avantagés dans ce cas-là. É. L.: Les cuivres, c’est évidemment toi, Tom Walsh, Joane Hétu qui fait la voix aussi… J. D.: En fait, tout le monde en fait un peu, sinon, dans les cordes, on a Rainer Wiens à la guitare électrique, Jean René au violon alto, Guillaume Dostaler au piano, Normand Guilbeault et Nicholas Caloia à la contrebasse. Il y a deux contrebasses au fond de tout ça, puis percussion on a Pierre Tanguay qui fait à la fois batterie et percussion. Moi je fais saxophone et un peu de percussion aussi, la flûte, je chante. Il y a beaucoup d’instruments sur la scène. Ça fait très joli à regarder. É. L.: C’est très très beau. C’est très beau à entendre aussi. Il y a cette liste incroyable de sections que tu as apportée et on voit très clairement qu’il y a des duos à un certain moment. Qu’est-ce qui détermine qui va jouer en duo, quels sont les duos? J. D.: II y a plusieurs types de duos et c’est selon, en fait, la plupart du temps c’est par un signal du chef. Par contre, il y a un type de duo qui s’appelle Faire l’amour. Cette chose-là peut arriver dans une expédition de camping. É. L.: Ça se fait à deux? J. D.: C’est laissé libre à n’importe quel musicien de l’ensemble d’appeler un autre. C’est le signe du doigt qui dit viens ici. On agite le doigt. À partir de ce moment-là l’autre personne est obligée d’aller faire le duo et on ne connaît pas la durée et cette chose-là se superpose à n’importe quoi d’autre qui peut être en train de se passer. On perd tout d’un coup deux joueurs qui se retirent dans la tente et ça dure un certain temps. C’est assez difficile de savoir quand c’est terminé. É. L.: Est-ce qu’il y a des joueurs qui sont plus expéditifs que d’autres dans ces choses? J. D.: Oui. C’est drôle qu’on parle de celui-là… les pièces peuvent être comme en superposition, en tuilage. Par exemple, il y a des consignes gestuelles qui sont relatives à la température comme Vent ou Pluie. On peut être en train de jouer une des pièces comme le Lac 3 et superposer l’élément de Vent ou de Pluie ou de Vague ou de Courant. C’est comme si chaque pièce pouvait être présentée successivement ou en superposition. Ça nous donne cette latitude-là. Autant qu’un jeu, comme le jeu d’échecs, par exemple, recèle un infini nombre de possibilités de parties, autant cette chose-là est assez énorme finalement jusqu’à ce qui est déclenché, qu’est-ce qu’il y a de potentiel dans la pièce, c’est assez large, c’est assez grand. Je n’ai pas l’impression d’avoir fini d’explorer. Il y a d’autres sections qui sont des cartes géographiques. J’ai demandé aux musiciens d’interpréter musicalement des fragments de carte géographique comme si c’était une partition musicale. É. L.: Là on peut se rapprocher de la pataphysique comme méthode de perception. (Car rappelons que tu est pataphysicien et membre de l’ordre de la grange Gidouille). C’est la carte géographique qui inspire la musique? J. D.: Oui. Ça devient comme une partition graphique finalement. Il y a une pièce, entre autres, qui s’appelle topo. J’avais fourni plusieurs cartes géographiques. On a gardé une carte pour cette version-là. Il y a des loisirs aussi dans mon voyage de canot. Il y a des parties de cartes, il y a une possibilité de dominos aussi qui peuvent être joués… il y a de la lecture. Au départ, c’est un projet que j’ai depuis longtemps de faire la pièce Canot Camping. L’idée était dans mes filières depuis longtemps. Je n’arrêtais pas de vouloir faire ça. Dans le fond, c’est la première fois que j’essaie de la faire. C’est une pièce dont j’ai rêvé pendant plusieurs années. Dans le fond c’est un peu structuré comme un jeu video. Il y a une certaine série de mondes et on rentre dans les mondes et dans chaque monde, il y a des obstacles, il y a des choses à faire excepté qu’il n’y a pas de gagnants On pourrait pousser plus loin. En ce moment, il n’y a pas d’énigmes à résoudre ou de choses comme ça. Il n’y a pas de personnages non plus. É. L.: Est-ce que ça va venir dans le développement de l’œuvre? J. D.: Je pense que ça pourrait, c’est une pièce qui pourrait grandir d’une manière presque végétale. É. L.: Presque théâtral également… Car il y a une certaine composante théâtrale dans la façon dont la pièce est construite. J. D.: Entre autres, j’ai donné des textes à Diane Labrosse, Joane Hétu qui peuvent les placer. Elles aussi ont le choix de les placer où elles veulent. Si je leur demande de faire une intervention vocale, le choix du texte leur revient. É. L.: Avant d’écouter l’œuvre, je reviendrais sur la petite citation qu’on a eu de Pierre Elliott Trudeau. Je n’avais pas du tout prévu que ça passerait dans un contexte comme ça. C’est assez troublant. J. D.: C’est vrai qu’il était connu pour être un grand amateur de canot camping. Effectivement. É. L.: Malgré le fait que j’imagine que tu as peut-être des opinions politiques qui diffèrent profondément de celles de Pierre Elliott Trudeau, est-ce que son idée sur le canot camping, comme une allégorie de l’existence te charme? Est-ce que cette allégorie du canot camping comme une métaphore de la vie aurait du sens pour toi? J. D.: Tout à fait. Pour moi, il y a dans une expédition de canot, toute la vie résumée dans une espèce de simplicité, d’économie de moyen, d’âpreté qui est très très belle. C’est vrai qu’il ne manque de la vie dans le canot, c’est tellement… Comme j’ai l’habitude de dire, si je pouvais vivre de faire du canot camping, c’est ça que je ferais à temps plein. Je suis sauvé par la température, le climat canadien. É. L.: En 1996, tu as écrit " De ce temps-là en musique je fuck le chien, t’sé je cherche le trouble ". Est-ce que c’est toujours le cas? Est-ce que tu " cherches toujours le trouble "? J. D.: Oui, je cherche le trouble. Je le cherche tout le temps. Des fois je le trouve, souvent je le trouve, de plus en plus souvent. : Des fois je le trouve le trouble, je ne fais pas juste le chercher, mais c’était une attitude. C’était un texte en joual (argot), mais le fond de cette attitude-là ça reste vrai pour moi. Il faut chercher le trouble, il faut aller vers ce qui nous fascine, ce qui nous déstabilise, etc. C’est une attitude que je pense qu’il faut conserver comme compositeur, mais aussi comme improvisateur, comme artiste en général. É. L.: Parce que, outre la composition et l’improvisation, tu fais d’autres choses, tu pratique l’art visuel, tu écris, tu fais un peu de tout. J. D.: Pour moi, tout est connexe à la musique. Remarque que j’ai commencé bien longtemps avant la musique à dessiner, mais ce n’est pas quelque chose que je fais continuellement. Je ne suis pas obsédé de dessin autant que de musique. É. L.: Mais tu parlais de partitions graphiques. Il y a un lien direct entre le dessin et la musique. J. D.: Oui, mais un compositeur c’est presque un architecte. Tu fais des plans. Tu fais le plan de la maison pour que les gens soient capables de la reproduire après. Juste composer, il y a un aspect qui est tellement graphique de clarté, etc. Réussir à avoir l’information, avoir exactement le résultat que tu veux, c’est aussi un aspect de tactique qui est assez étonnant qui n’a pas rapport du tout. L’aspect de l’architecture, je parle simplement au point de vue de construction, de la structure, mais après comment cette structure-là que tu as conçue, comment la dessiner, la rendre, faire le plan qui va faire que la pièce est jouable après et peut-être reproduisible une deuxième fois. L’idée c’est qu’à partir du plan tu peux refaire cette maison-là ou cette pièce-là une deuxième fois. C’est ça, je me dis, qui fait la différence dans une composition puis une improvisation libre, mais en même temps cette pièce-là je pense qu’on la reconnaîtrait. É. L.: Là c’est un mélange des deux, il y a de l’improvisation, mais il y a la structure, mais il y a aussi quelque chose qui est très serré, ça frappe à l’écoute, c’est la beauté des textures qu’on peut entendre. J. D.: Oui, c’est une préoccupation constante pour moi. Je suis fasciné d’orchestration et puis avec un groupe comme ça de onze musiciens, c’est pas seulement l’orchestration comme on la trouverait dans les livres. C’est sûr que je peux trouver, savoir et apprendre à connaître ce qu’une contrebasse ferait, mais à savoir qu’est-ce que ce contrebassiste, mais dans ce cas-ci, il y en a deux, qu’est-ce qu’eux vont faire aussi ça rentre dans la tactique de l’affaire parce que quand tu travailles avec des improvisateurs tu peux t’attendre à obtenir un ensemble de réponses beaucoup plus large qu’avec un musicien classique, un interprète classique ou même rock, tant qu’à ça, dans le sens qu’il amène toute sorte de techniques qui lui sont très particulières et il a le droit de le faire tandis qu’en musique classique, il faut que l’interprète offre une espèce de constance au niveau de son jeu qui fait que si tu dis j’écris pour un basson, il faut que le type sonne comme un basson, tandis que quand j’écris pour un improvisateur, il peut aussi bien défaire son instrument en morceau, souffler par l’autre bout, s’il le décide et à ce moment-là, il faut que je m’attende à avoir cette variété de sons. La tactique c’est de réussir quand même à avoir la pièce que je veux sans savoir exactement ce qu’ils vont faire. É. L.: C’est là où je veux en venir, c’est que comme tu travailles régulièrement avec ces gens-là depuis plusieurs années, est-ce que ça modifie ta façon de concevoir ta pièce, le fait que tu les connaisses et que tu saches pour qui tu écris, ce n’est pas seulement une saxophoniste, c’est Joane Hétu qui joue du saxophone, ce n’est pas seulement un pianiste, c’est Guillaume Dostaler qui joue le piano, ça doit modifier la façon de concevoir la pièce aussi. J. D.: Ça modifie complètement. En fait, la pièce est écrite en pensant à des interprètes précis. Pour moi, ça ne fait presque pas de sens d’écrire dans l’absolu avec des listes d’instruments. Je fais de plus en plus souvent des commandes d’orchestre ou d’ensembles plus classiques et lorsque je demande aux gens qui me proposent une commande de vouloir connaître l’instrumentation de tout ça, il m’envoie toujours juste des listes d’instruments: ils ne me décrivent pas les particularités de chaque joueur. Tu composes pour deux violons, un alto, un violoncelle, mais dans la musique improvisée, ce n’est pas du tout ça qu’on pense parce qu’on travaille avec des personnes, on nomme ces personnes-là et dans une certaine manière, jusqu’à un certain point, je me fous un peu de ce que la personne va jouer, quel instrument qu’elle va jouer. Je me concentre sur l’identité, la vibration, la couleur que cette personne-là va, de la façon que cette personne-là vibre comme un peintre qui travaille en arrière des différents types de jaunes, de matières, etc. É. L.: Est-ce que c’est pour cela que tu disais dans un texte antérieur, tu dis quelque chose qui ressemble à: " La musique écrite sans connaître les instrumentistes, c’est un peu comme quelque chose qui est fait de façon syndicale ". J. D.: C’est parce que partir de l’idée que chaque musicien est égal, s’il a son diplôme de bassoniste il peut remplir la case, il peut jouer toutes les pièces classiques écrites pour le basson alors on lui demande juste d’être ça. C’est déjà énorme ça, je le conçois, mais pour moi c’est tellement plus taillé sur mesure des joueurs de leur identité, de leurs vibrations. C’est très fondamental dans ma manière de composer. À chaque fois, je reprends le téléphone et je dis " oui, mais qu’est-ce qu’il aime votre premier trompette, est-ce qu’il fait de la plongée sous-marine? Qu’est-ce qu’il aime faire dans la vie à part jouer de la trompette classique? " É. L.: Et là ça modifie la façon de concevoir la pièce? J. D.: Oui vraiment parce que, de toute façon, ça va être là même si je ne le savais pas parce que cette personne-là va mettre toute son âme en jouant et puis ce n’est pas seulement un trompettiste, c’est une personne. É. L.: Évidemment, c’est une approche beaucoup plus humaine de la musique… Est-ce que tu considères que la musique écrite peut être, dans un sens, une approche un peu " déshumanisée "… d’écrire comme ça pour des gens qui vont exécuter comme si c’était - peut-être pas des machines - mais des gens qui exécutent ce qui est écrit ou, est-ce que pour toi, c’est tout simplement une démarche différente? En d’autres termes, éprouves-tu une certaine aversion pour la musique strictement écrite par des compositeurs qui ne connaissent pas les interprètes? J. D.: Il y a quelques années, j’aurais répondu oui, j’avais une aversion pour ça, peut-être que là je ne veux pas être aussi radical que ça. Je comprends, en même temps, qu’on puisse s’intéresser à composer d’une certaine manière ce que je dirais dans l’absolu comme on compose pour un ténor en se disant qu’un ténor ça peut nous donner telle chose comme résultat, mais en même temps il y a tellement de voix de ténor qui sont tellement différentes. Il me semble qu’il faut aller un peu plus loin que ça surtout que maintenant, avec le disque, les gens qui interprètent la musique peuvent être plus attachés au produit. Avant la musique circulait par partitions, alors forcément ça devenait un code plus neutre qui se véhiculait d’une manière comme ça - assez neutre. Mais maintenant qu’il y a le disque, on peut entendre vraiment le son des gens qui ont créé une pièce comme si on pouvait entendre le son des gens qui ont joué la 5e symphonie de Beethoven la première fois. Il y a eu une première fois! Ça ne devait pas être très bien joué j’imagine. Il devait y avoir un super esprit quand même, j’espère. Si on pouvait entendre ça, on aurait beaucoup d’informations qui ne sont pas dans la partition, je suis sûr. É. L.: Il y a certains musiciens qui m’ont même dit que, selon eux, ce n’était plus nécessaire d’écrire la musique puisque l’enregistrement existait et qu’il est maintenant possible avec l’enregistrement d’apprendre la musique par cœur sans avoir recours à la partition pour mémoriser, et sans avoir recours à la lecture à vue évidemment puisque c’est toujours préférable, dans un monde idéal, de mémoriser la musique au lieu de la lire. J. D.: En même temps, quand on ne fait que mémoriser, on apprend beaucoup de choses qui sont là aussi très personnelles à l’interprète qui joue. Je ne suis pas sûr que la personne qui écoute a besoin d’apprendre tout ça et de faire une espèce de mimétisme, de singer les tics d’un autre singe. J’apprécie qu’une pièce puisse quand même être écrite au moins minimalement. Moi je me dis des fois je travaille avec des improvisateurs et je me dis que dans le fond je n’ai rien composé, tout le monde a mis tellement de lui-même, j’ai très peu composé ou des fois je ne compose pas du tout. Je me pose la question: est-ce que c’est moi le compositeur de ça ou non ou est-ce que c’est une composition collective, etc. ? Je me dis si on rejoue la pièce et puis qu’on peut encore la reconnaître, on est dans cette pièce-là, c’est vraiment cette pièce-là tandis que des fois, avec l’improvisation, ça a tendance à tellement évoluer d’une manière sinueuse qui nous amène à des endroits tellement inattendus qu’on se dit que ce moment-là de musique en aucune manière provient de ma composition, c’est vraiment quelque chose, comme un corps étranger, qui s’installe dans la pièce. É. L.: Quand on écoute Canot Camping, on a quand même une impression très forte que tu as planifié la façon dont les instruments allaient se marier les uns avec les autres. Je ne sais pas de quelle façon parce que je sais qu’il y a une part d’impro, mais pour obtenir ces textures-là, aussi riches, il y a forcément planification. J. D.: Je travaille avec les joueurs en les laissant développer, en improvisation, des consignes qui sont quand même assez précises. Comme un compositeur écrirait chaque ligne, moi je distribue des rôles à chaque joueur et puis si chaque joueur observe bien sa consigne, ça crée un ensemble musical qui fonctionne beaucoup par strates où certaines strates sont comme indépendantes d’autres. C’est ça qui fait un peu l’impression de textures aussi parce qu’il y a des plans qui sont indépendants et coordonnés. C’est dans ce sens-là qu’on crée. Les pièces qui sont totalement improvisées ont souvent la tendance à devenir des espèces de magma, de pâtes indiscernables, ce qui est une des très belles choses d’ailleurs que l’improvisation peut produire. Mais si quand on l’a fait assez souvent, assez longtemps on s’intéresse peut-être des fois à arriver à des choses plus détaillées et qui vont se moduler de plusieurs manières au cours d’une même pièce. É. L.: Quand on écoute l’ensemble de ta production depuis, mois j’ai les dates de 1972, en fait Nébu premier groupe important dans lequel tu joues avec Pierre St-Jak et Claude Simard à la basse, 1973, je me souviens qu’il y a deux disques de Nébu, ensuite il y a l’ADMO (Association pour la diffusion des musiques ouvertes) les musiciens qui sont en fait - on pourrait dire - le noyau qui constitue le collectif Ambiances magnétiques. Plusieurs collaborations, une de longue haleine avec René Lussier, avec Joane Hétu maintenant aussi et plein d’autres. J. D.: Pierre St-Jak, tu vois, 1971, Pierre Cartier, 1973, René Lussier, 1978. Pierre Cartier, l’année prochaine, ça va faire 30 ans que je joue avec lui, c’est énorme. É. L.: Iet il y a Les dangereux Zhoms qui est un de tes projets récents. Le premier projet des Dangereux Zhoms, c’est 1992. En fait, j’énumérais ça aussi parce que je me disais que si on regarde l’ensemble de cette activité musicale-là, il y a, quand on écoute Canot Camping quelque chose qui ressort. C’est je dirais peut-être une synthèse d’expériences par rapport aux instruments, à la façon de les utiliser pour arriver à des textures ou à des effets très précis qui, dans ton esprit, dans ton espace mental, semblent se construire mais qui ensuite se manifestent à travers l’improvisation. Et ça me rappelle un autre projet: Le magasin de tissus, un de tes projets qui est terminé maintenant, mais qui était une étude principalement de textures sonores. Est-ce que ce projet-là a eu une influence sur Canot Camping où les textures sont si riches? J. D.: La texture est vraiment un élément important de ma musique. C’est un élément qui est souvent… Quand on parle de texture en musique, on touche toutes sortes de choses parce que c’est drôle, on se met rapidement à parler de lumière aussi et de… alors texture parce que parfois c’est sûr on ressent des effets tactiles et c’est drôle quand on dit qu’un son est par exemple rugueux ou soyeux ou caresse les oreilles, etc. Effectivement, par tous nos sens, on perçoit des choses et il y a une espèce de mélange entre tous les sens. L’œil va dire la même chose. Si on regarde un tissu soyeux, on va dire que c’est soyeux pour les yeux, c’est soyeux pour les mains, c’est soyeux à l’oreille, etc. Ça a tendance à tout se mélanger. C’est sûr que l’amour de la texture pour un compositeur c’est souvent vu comme une espèce de sensualité un peu primitive dans un sens. É. L.: Pourquoi primitive? J. D.: Parce que c’est moins architectural justement. É. L.: Ça a moins un rapport direct avec la structure. J. D.: C’est plus relié à un rapport à la sensualité, mais pour moi, ça reste très très important cet aspect-là. Un amour du son lui-même, de la matière. Une pièce comme Le magasin de tissus c’est une pièce extrême dans ce sens-là parce que je ne fais que présenter des textures et elles sont présentées comme des échantillons justement de tissus tous de même dimension: 1’30 toutes l’une à côté de l’autre. Il n’y a absolument aucune construction architecturale. C’est seulement un coup d’œil sur la texture puis il y a un effort sincère en improvisation de ne pas développer et finalement ça ne fonctionne pas du tout, je n’y suis pas arrivé encore, mais ne pas développer la matière, la présenter d’une manière presque statique. É. L.: Très objective, en fait. J. D.: C’est ça et ça dure 1’30 et ensuite c’est autre chose. Ça peut être quelque chose de vraiment différent. Par le contraste aussi des textures, une nous réveille de l’autre et nous guérit de l’autre. Il y a des choses extrêmement rugueuses, extrêmement déplaisantes. É. L.: Il y a des choses très agréables aussi. J. D.: Oui et on les perçoit justement avec beaucoup d’acuité parce qu’elles sont mises en contraste continuellement l’une avec l’autre. Dans la pièce Canot Camping, les textures sont utilisées plus au niveau d’un récit, si tu veux. C’est plus cinématographique dans ce sens-là. On imagine un montage cinéma quand on coupe au cinéma, on arrive dans un autre lieu et puis l’action était déjà commencée dans ce lieu-là. On se télétransporte le lendemain chez quelqu’un d’autre et puis il y a un enfant qui pleure, etc. On comprend immédiatement qu’on est dans un nouveau lieu, un nouvel espace et puis il y a beaucoup de canot camping qui est fait comme ça, les gens sont dans un certain état, je leur annonce prochaine section ça va être ça et ils se préparent à un changement puis on fait la coupe d’une manière vraiment aussi brutalement qu’une coupe au cinéma. Dans d’autres cas, il fonctionne par des longs fondus. É. L.: Un peu comme quand on est sur une rivière et qu’à certains moments on passe des rapides à tranquillement quelque chose de plus doux. J. D.: Oui, c’est ça, il y a des transitions. Effectivement, il y a un beau rapide dans la version qu’on présente ce soir, très très beau rapide qui vient d’une longue rivière. On entend bien clairement ma représentation d’une rivière et ensuite les grondements sourds du rapide et ensuite on passe le rapide. C’est drôle parce que dans le fond ce n’est pas les musiciens qui vivent l’expédition. On pourrait dire que la personne qui fait l’expédition c’est l’auditeur. Il n’y a pas de personnage. Il n’y a aucun des musiciens, en tant que tel, qui représente un personnage narratif. On ne fait que décrire une série de choses qui arrivent à l’auditeur, faire vivre ou passer l’auditeur par une série d’états descriptifs. É. L.: Merci beaucoup Jean Derome. J. D.: C’est un plaisir. É. L.: Merci pour ce voyage en canot camping. transcription: Carole Legault
top
Critiqueby Benoît Boutin in Chansons d’aujourd’hui #11:1 (Québec)
»
“Musiques actuelles, musiques expérimentales, musiques d’atmosphères.”
Ce deuxième disque des musiciens Jean Derome et René Lussier est dans la lignée des autres microsillons d’Ambiances magnétiques. Il a été conçu comme la suite de Soyez vigilants… restez vivants! Vol 1. Musiques actuelles, musiques expérimentales, musiques d’atmosphères. En voulez vous des étiquettes? En v’là! Comme ils le decrivent si bien, ce disque est «un hommage à la cendre, au sable, à la poussière, à la «rippe», à la poudre, au pollen, aux miettes». En fait, le sable n’est pas une particule de roche… mais une entité en soi. Le debut de ce que l’on appellera plus tard un rocher. Vous me voyez venir? À première vue, ce n’est pas évident. Écoutez ce disque deux ou trois fois. Lisez les paroles. Si vous étes le moindrement curieux, vous comprendrez. D’abord, que les justifications sont ennuyantes mais parfois nécessaires… Que l’humour en musique est difficile, mais qu’une fois atteint et réussi, c’est la «totale». Finalement, lorsqu’on est honnéte, qu’on travaille fort et que son objectif n’est pas a tout prix le grand public… je dis: pourquoi pas? Mieux: encore. Nous avons droit à onze titres. Certains sont lancinants et agréables (Sur la mort), d’autres prétendeux (Nombril/Fusil). Le tout se termine avec une chanson intitulée Si tu t’ennuies du temps. Dans le genre kitsch, drôle et tordant, c’est dur à battre. Seul Ding ou Dong peuvent les égaler. Elle annonce!e prochain album de Derome Lussier: Le royaume du silencieux. Petit grain deviendra gros… other texts in
electrocd.com Jean Derome: press |
→ | |||||
| ← | → |









